Une certaine histoire du théâtre

6.6 – LA MORT DE DANTON avait été montée par Vilar peu après son accession au TNP. DANTONS TOD figure d’autre part très souvent au programme des grands théâtres allemands. En français comme en allemand, cette fresque historique assez peu tendre pour nos grands hommes et assez ambiguë quant au contenu, a toujours été jouée réaliste, avec des acteurs rappelant les physiques des héros authentiques et dans des décors reconstituant le comité de salut public, l’Assemblée Nationale, le tribunal révolutionnaire, la guillotine (en Allemagne), ou faits de rideaux neutres (chez Vilar). Le jeune Bruno Bayen ne s’est pas contenté de ces 1ers degrés. Son spectacle ne nous montre pas un moment de la Révolution Française vue par Büchner, mais le rêve imaginaire de cet auteur faisant agir des personnages faussement historiques et réellement habités par le Romantisme germanique dans un décor transposé qui pourrait valablement servir à l’OR DU RHIN ou à l’ANNEAU DES NIBELUNGEN. C’est au milieu de cette nature chargée des mystères du Walhalla qu’évoluent des gens qui s’appellent Danton, Robespierre, Desmoulins etc… , qui physiquement ne leur ressemblent pas, qui disent les mots consignés par les archives, mais décalés, déphasés, dans une neutralité de ton qui doit vouloir signifier le parallélisme de l’univers montré. Dois-je dire que cette démarche m’a paru fort  vaine et pour le moins gratuite. Mais enfin, si le metteur en scène voulait se singulariser, pourquoi pas ? Un parti est un parti et celui-ci est tenu. Malheureusement l’ensemble du spectacle manque horriblement de gros plans. Gérald Robard, qui joue Danton, donne trop souvent l’impression de « déblayer ». Je me suis effroyablement emmerdé. Ça, ce n’est pas acceptable.

7.6 – Il ne faut pas être de mauvaise foi : TIMON D’ATHÈNES monté par Peter Brook, que je n’avais pas encore vu parce que je faisais ma mauvaise tête, c’est très bien. Surtout la 1ère partie, qui est réellement spectaculaire, où on a le choc de ce lieu admirable qu’est le théâtre des Bouffes du Nord laissé intelligemment à l’état de carcasse (ô Mme Weber, cette vision ne vous a-t-elle inspiré aucune réflexion sur ce qu’aurait pu être le PALACE si vous n’aviez pas eu des réflexes de petite bourgeoise ?), et où on fait connaissance avec un François Marthouret merveilleux, évoluant dans un environnement « pauvre » mais de bon goût, THEATRAL sans nul doute, point encombré de machines et de stuc. On ne peut pas le nier, Brook connaît son métier. Dommage qu’il se soit exercé trop austèrement sur la 2e partie, où il y a des scènes à 2 et 3 personnages longues et ennuyeuses. Ce Timon, prodigue de ses deniers, abandonné par la cour de ses faux amis et allant dans le désert mourir à côté d’une mine d’or découverte par hasard qui aurait pu lui « rendre son rang » ! Mais enfin, l’ensemble est si satisfaisant que j’ai tendance à laisser de côté mes réserves. Il y en a pourtant, et d’abord ce salmigondis de nationalités qui s’affrontent sur l’aire de jeu en des baragouins teutons, négroïdes et anglo-saxons trop éprouvants pour l’oreille.
Et puis il y a la misogynie de Brook qui s’ajoute à celle de Shakespeare et fait que la condition féminine n’est vraiment pas à la fête dans cette soirée. Et il y a les thèmes shakespeariens eux-mêmes ! Des « phrases politiques » que je ne puis admettre, ce général Alcibiade, militaire juste, honnête, courageux… et victorieux opposé à la veulerie des civils « démocrates », (le mépris du peuple est pour une fois gommé : si la « populace » de « basse extraction » fait l’objet de quelques tirades, les esclaves du Maître déchu font montre de quelque grandeur d’âme, surtout l’intendant, qui se comporte vraiment très bien après la faillite du jeune homme à la mode, chacun à sa place sociale s’entend !), enfin, le comportement de Timon lui-même, dont le désespoir a quelque chose de Jules Dupont ! Mais dans le négatif total, aux confins de la folie.
Mais ne chipotons pas ! Un beau spectacle est un beau spectacle. Celui-ci en est un. Tant mieux !

8.6 – Je crois qu’on peut faire confiance au jeune Jivalik. Accrocheur comme il est, il ira sans doute loin, parce que le spectacle « MAÏAKOVSKI » qu’il propose est à la mesure de ses ambitions. Pourtant, cette réalisation musicale et hurlée, amplifiée à l’extrême et voulue à la limite du supportable pour les tympans, est tout à fait déracinée dans le petit café d’Edgar. On ne choisit pas facilement ses tribunes à 20 ans. À la limite, c’est un « poétique ». Jivalik dit des poèmes de l’auteur soviétique, -certains sont admirables, tous sont généreux et étonnamment humains- et de toute évidence, ces poèmes l’habitent, le dévorent. C’est avec passion qu’il les déclame, soucieux surtout –trop peut-être- de les exprimer avec puissance.
Le support musical est curieusement classique. Basse, violoncelle, violon, guitare, les 2 premiers branchés sur potentiomètre. La partition est ininterrompue, commentant, constamment les textes et les séparant de phrases à relents russes. Belle musique en vérité, et il n’y a pas à dire, ça aide, la musique à atteindre, toucher, émouvoir le spectateur.
Jivalik est à suivre. Pour un si jeune homme, la promesse est certaine. Il faut souhaiter qu’il ne vire pas sa cuti avec le temps, que sa foi politique ne se détournera pas, ou ne se gommera pas. Il est sur un fil, car si le contenu est irréprochable, la technique remarquable, il est néanmoins sûr que la forme a un petit côté blouson noir à chaîne de vélo que ne désavoueraient pas des « chanteurs d’Occident ». Efficace au service d’une bonne cause, cette forme deviendrait dangereuse dans une soi-disant dépolitisation. En tout cas, j’aimerais revoir « Maïakovski » mêlé à 1.000 personnes dans un grand lieu. La ligne est celle de la ROTE RÜBE.

Malheureusement cela n’a été qu’un feu de paille. Les bons sprits ont rejeté le propos sous différents prétextes « artistiques », notamment ce potentiomètre effectivement à la limite du supportable.Je gard en souvenir de ce qui n’a pas pu être une belle tournée quelques 78 tours que je n’écoute jamais car la technique de 1975 n’est pas compatible avec des oreilles du 21ème Siècle..

24.6 – JEUNES BARBARES D’AUJOURD’HUI d’Arrabal est sans doute capable d’épater des jeunes bourgeois d’aujourd’hui, mais pour ce qui est de moi, je trouve que vraiment cet auteur manque de « re-nourrissement » de soi-même. C’est TOUJOURS les mêmes thèmes inlassablement repris. Ici, c’est une réelle exposition, comme une revue, non pas de fin d’année, mais de fin de carrière. C’est marrant : il me semble que moi, je n’oserais pas écrire constamment la même chose, montrer la même scatologie, les mêmes phantasmes, le même érotisme, le même cordon ombilical honteux, la même « innocence perverse », la même violence douloureuse, les mêmes infirmités physiques, les mêmes sentiments d’impuissance, les mêmes symboles sacrilèges, les mêmes provocations (tel le fait de pisser en scène et que la pisse devienne le sang du Christ : on se demande pourquoi un auteur ne chie pas afin de signifier le corps dudit Christ. Et par quelle concession les artistes ne boivent pas réellement ? C’est pas bien ça ! C’est ne pas aller au bout de l’idée !)…
Mais Arrabal, ça ne le gêne apparemment pas. Tout au plus, ici, est-il revenu, en plus, à un propos un peu oublié de son univers, celui du mythe du coureur cycliste. L’anecdote conte l’histoire de 2 servants d’un champion et du masseur aveugle du champion et des servants. Tous détestent le champion et le masseur s’en vengera en l’affaiblissant à la veille d’une course par la ponction d’un litre de sang, tandis que les 2 toujours laissés pour compte se doperont à mort. On a ainsi un petit côté MARATHON, SKANDALON, qui fleure une des contestations de notre temps.
Cela dit, sauf que le style poétique bourré d’images confuses m’a fort agacé, il faut dire qu’il y a des beautés, et que le propos de l’équipe est intéressant. J.F. Delacour a réuni une troupe qu’il assume et qui veut monter DIRECTEMENT des textes d’auteur, AVEC l’auteur, en se passant de l’intermédiaire du metteur en scène. C’est un propos à suivre.

26.6 – ON LOGE LA NUIT, CAFÉ À L’EAU de Jean-Michel Ribes, est un beau et émouvant spectacle sur Gérard de Nerval, non pas sur l’œuvre du poète, mais sur l’homme et son « double », naviguant aux frontières de la folie dans la clinique du Docteur Blanche à Passy. Ribes, comme Arrabal, a ses phantasmes et il est étonnant de voir à quel point ce jeune homme entreprenant est hanté pas le thème du suicide. On est loin ici des gaudrioles farceuses quasi-estudiantines d’il y a quelques années. C’est une étrange mélancolie digne et réservée qui baigne ce spectacle arrosé de musique mahlérienne.
La seule note d’humour serait le personnage de Théophile Gautier, ici montré seulement comme Président de la Société des Gens de Lettres, incarnant la Raison et l’Ordre. On sort de l’hôtel Donon touché, ému, atteint, rêveur. C’est une soirée qui fonctionne.

Ribes ne s’est pas suicidé. Sa carrière l’a amené sur le tard à des destinées très parisienes. Comme quoi il faut se méfier des impressions momentanés.

 ESCAPADE À LA MARTINIQUE

 Mehmet Ulusoy avait monté LE CERCLE DE CRAIE CAUCASIEN de Brecht au TGP de Saint Denis. Il rêvait que la musique accompagnant l’œuvre soit apportée par un barde Turc et je suis sûr que ç’aurait été un apport magnifique. Mais les dictateurs des éditions de l’Arche ne l’ont pas entendu ainsi et ils ont imposé que ce soit, comme d’habitude, la partition de Paul Dessau qui soit infligée aux spectateurs.

8.7 – Me voilà de nouveau dans un Boeïng 747. Cette fois, l’avion est comble et c’est une vraie pouponnière de mouflets qui voyagent seuls. Un très gentil petit négro de 6 ans passe la moitié du voyage « à m’embêter ». il veut savoir pourquoi je fume du gâteau (mon cigare !) et veut en manger. Ma pipe le fascine. Il demande pourquoi je lis, pourquoi je fais dodo, pourquoi je vais faire pipi ! Bref, un vrai Raphaël basané ! A part ça, vol sans problème si ce n’est que c’est long (8 heures !). À l’arrivée, Dany m’attend, une Dany ravie, enchantée. Pas de problèmes, dit-elle, et ce langage me fait bien plaisir compte tenu des emmerdements qu’il y avait côté Magic Circus, à mon départ. Paraît que Césaire a attendu la troupe à l’aéroport en personne et que les Turcs sont passés au contrôle de police avec les courbettes des flics. Le matériel (28000 F. de transport aller, autant retour) est là. Il y a des machinistes, un car à notre disposition. Césaire passe 4 fois par jour pour voir si tout va bien et les a emmenés faire une vaste excursion le 1er jour. Paraît que la Martinique est très belle. Moi,  j’ai juste le temps de voir la nuit tomber très vite sur la baie de Fort de France tandis qu’un taxi m’emmène à la salle des sports où le Théâtre de Liberté prépare son CERCLE DE CRAIE CAUCASIEN avec une distribution d’où ont disparu les éléments T.G.P.
L’équipe a l’air très contente de me voir. Bref, une bonne arrivée, au terme de laquelle on me montre mes « quartiers » : un lit à 2 étages au Foyer des Œuvres Laïques dans la chambre de Mehmet et Keriman. Tout le monde est logé par 3 à 6 personnes et le problème du « baisage » paraît être, pour certains et certaines, une ombre au tableau. Pour moi, je me déclare très honoré d’avoir été admis dans la chambre du chef, dont il faut bien dire qu’elle manque de confort. Ni table, ni chaise, ni verre, ni cendrier, ni serviette. Ça me coûtera 20 F. par nuit. C’est évidemment mieux que l’hôtel à 150 F. ! Une chose est sûre : je n’aurai pas froid. Non qu’il fasse sur cette île une chaleur à crever, mais enfin ça tourne autour des 33°C et c’est singulier de moiteur. Après ça, il est 20h (locale = 01h du matin). Ce n’est pas que je sois affamé, car en avion, bien sûr, je n’ai pas jeûné, mais comme le car conduit la troupe au « Quick Restaurant » où on mange antillais, je suis, histoire surtout de rester en compagnie. Je constate que Mehmet s’est mis au Punch. Je trempe mes lèvres dans celui d’Arlette Bonnard. C’est bon ! Mais je commande un whisky quand même. Et je mange un court-bouillon de poisson pas mauvais du tout en guignant vers un crabe farci que Richard mange à côté de moi. Ce « Quick Restaurant » nous retient 3 bonnes heures, sous la houlette d’une grosse servante autoritaire qu’on croirait sortie d’un film sudiste américain.

9.7 – Il est 6 heures du matin. Je me lève en catimini car je n’arrive plus à dormir. Un coq est responsable de mon réveil, un coq apparemment très orgueilleux de son rôle de coq ! Je me douche, à l’eau froide (il n’y a pas le choix mais il n’y a pas vraiment besoin d’eau chaude –encore que… enfin moi, plus l’air est chaud, plus j’aime les bains et douches très chaudes parce qu’après il fait frais ! Mais je ne dois pas être comme tout le monde), et je descends dans l’esprit d’aller faire un tour, car le jour est largement levé. Mais tout est bouclé, on est enfermés. Le patron de la baraque est un maniaque de la clef. Je me réfugie donc dans le réfectoire où il y a des tables et des chaises. C’est là que sont écrites ces lignes.
Ai-je déjà des impressions sur ce « département français » du bout du monde ? À dire le vrai, guère si ce n’est qu’à 1ère vue, ça a l’air joliment calme et les règles de la circulation en vigueur en France n’ont pas l’air d’être appliquées le moins du monde sur les routes. Tous les autochtones que j’ai vus sont très gentils. Mais, il faut bien le dire, notre contexte est très particulier dans ce festival « dédié à la victoire du peuple vietnamien ». Je « gratterai » davantage ces jours-ci. Maintenant j’arrête, car il est 7 h et la maison s’éveille. Il paraît qu’on travaille tôt, ici, à cause de la chaleur qui est très absorbante en milieu de journée.
FORT DE FRANCE est, physiquement, une assez jolie petite localité au bord d’une belle baie. La construction du 18ème siècle en bois peint de couleurs qui se sont délavées avec le temps, est la même que celle qu’on trouve encore au Québec, en Vermont, en Louisiane. Le style « colonial » français s’y affirme, fort distinct de son équivalent espagnol, dans ces maisons à 1 étage aux toits pentus rouge foncé, qui malheureusement voisinent avec des ensembles modernes dignes du new Lisieux ou de Choisy-le-Roi. À part quelques objets folkloriques, tout ce qu’on trouve dans les boutiques est français. À Uniprix, l’eau d’Evian côtoie la Kronenbourg et le sucre de canne traité en métropole montre bien alignés ses paquets Say made in Paris ! (alors qu’ici on boit dans les rues du jus de canne pressée !). La mentalité des gens est assez difficile à cerner. Les femmes, d’une façon générale semblent fort porter la culotte. Elles sont autoritaires, souvent revêches, et prennent  soin, lorsqu’elles vous accordent quelque chose (un produit dans une boutique, le droit de manger dans un restaurant, n’est-ce pas, entendez-moi bien et ne me faites pas dire ce que je n’écris pas) d’avoir toujours l’air de vous l’octroyer. En termes simples, on peut dire qu’elles ne sont pas « aimables ». Mais il est clair que ce comportement n’est pas réservé aux blancs. J’en ai vu une à la banque qui rabrouait un de ses frères colonisés, mazette !
Je ne sais pas si c’est parce que nous sommes les invités de Césaire, mais c’est incroyable ce que les hommes qui ont à s’occuper de nous sont gentils. Dans ma carrière d’organisateur, je crois n’avoir jamais rencontré tant de coopération. Exemples : j’avais un billet d’avion pour lequel je risquais de devoir allonger 2000 F. pour pouvoir rentrer à la date prévue. « Qu’à cela ne tienne », M. Renaud de Grandmaison me remet un papier à donner à AIR FRANCE : la mairie paiera la différence. J’arrive à Air France. « Ils ne pensent quand même pas qu’on va leur faire payer le supplément ? » me dit le Directeur. Et il me rend le bon, établit mon billet comme je veux et me serre la main.
Dany, l’administratrice, soupire auprès de Monsieur Alphonse, un autre secrétaire de mairie, qu’elle se serait bien loué une voiture mais que c’est trop cher. Et la voilà une heure plus tard au volant d’une 4 L prise en compte par la municipalité. Tout ça a un petit côté que moi, si j’étais un O.S. de l’île, je trouverais provocateur. Car enfin ces manières de Grands Seigneurs sont le fait d’hommes de gauche défenseurs de populations qui n’ont rien de super payées (encore que peut-être mesurent-elles à quel point leur niveau de vie, même au plus bas échelon, est supérieur à celui de leurs voisins « indépendants »). Je pense qu’à Haïti, les compagnons du dictateur Duvalier doivent être tout aussi gentils avec leurs amis. Césaire est ici un vrai Roi. Mais tout le monde bée devant lui, et c’est vrai qu’il est d’un abord charmant.
Quoiqu’il en soit, pour moi, tout est merveilleusement facilité.
Reste à ce que le spectacle qui sera joué ce soir ne déçoive pas mes hôtes. En fait il y a risque, car c’est une nouvelle mouture du CERCLE DE CRAIE que prépare Mehmet : il a viré tous les comédiens du T.G.P. Ce soir, Collin Harris jouera le Gouverneur pour la 1ère fois et Mehmet lui-même le juge Asdak. En tout 6 remplacements, et de taille !
Arlette Bonnard, un peu pâle, surveille la consommation d’alcool de son metteur en scène désormais partenaire, et fait réduire –pour qu’on aille répéter », le temps de séjour à la plage, avec raison d’ailleurs, car le soleil à midi est à la verticale et singulièrement dangereux. De fait, la représentation est un peu hésitante, et dure une heure de plus qu’à Saint-Denis ! Mehmet patauge dans son texte mais se révèle un extraordinaire acteur. Quand il ne s’emmêlera plus dans le genre des mots français, il sera prodigieux. Grâce à lui, la 2e partie bascule, devient passionnante.
Et le public lui fait une ovation. Un public dont les facultés de réceptivité, d’attention et de patience me surprennent. Au demeurant, un public nombreux.

10.07 – Journée au cours de laquelle je m’informe. Je déjeune avec Renaud de Grandmaison. Il m’emmène au bord de la mer et nous mangeons d’excellentes choses et notamment une très bonne entrecôte qui vient de Colombie. C’est en 1635 que les Français ont colonisé la Martinique. Ils ont massacré les pacifiques indigènes qui peuplaient l’île et, comme on le sait, s’étant retrouvés sans main-d’œuvre, ont importé des esclaves nègres d’Afrique. Très joli ! Les Béquets d’aujourd’hui, ce sont les descendants des blancs. Ils ont des secrets de fabrication du rhum, mais la production de canne à sucre est tombée à presque zéro parce que les betteraviers ont racheté les raffineries pour écouler leur camelote. Ceux qui ont un prénom comme nom de famille, ce sont des anciens esclaves. Du blanc pur au noir pur, la gamme est très étalée. Césaire veut arriver à l’indépendance progressivement, sans heurt, si possible avec la France, « pays avec lequel nous voulons garder des relations privilégiées ». « Ne parlons-nous pas sa langue ? ».
De fait, habitué comme je suis aux Arabes, je suis toujours épaté que les manœuvres et ouvriers que nous côtoyons ne se mettent pas tout à coup à causer un idiome inconnu. En fait, le créole est savoureux, mais on le comprend fort bien.
Cette indépendance, en tout cas, les îles anglaises l’ont maintenant (Dominique, Ste Lucie etc). Et il paraît que ça se passe très bien. Faudrait aller y voir. Ce sont en effet des pays dont on ne parle jamais et qui font un effort vers le développement des cultures vivrières, « qui seront bientôt plus importantes que de posséder du pétrole ».
Je reviendrai sur tout ça. En quittant De GrandMaison vers 16 h, je vais voir Fanny Augiac au Centre Martiniquais d’Action Culturelle, émanation du Pouvoir de la Métropole doté de fonds  pour diffuser la culture française. Entre le C.M.A.C. et la Mairie, ça ne baigne pas dans le beurre.
« Pour eux », dit Fanny Augiac, « Culture veut dire Politique. Pas pour nous, bien sûr. » Bref, on retrouve un schéma familier !
Le sûr, c’est que les deux antagonistes sont d’accord pour casser du sucre sur Gosselin.

J’avais connu Jean Gosselin au Centre dramatique de l’est. C’était un comédien moyen mais un homme très sympathique et qui avait cet art de séduire les femmes dont seuls certains mâles ont le secret. Je me rappelle l’avoir croisé dans un couloir de l’hôtel du Rhin à Strasbourg en un temps où il n’y avait pas un WC par chambre. Il était tout nu, et sans pudeur m’avait annoncé qu’il venait de dépuceler une de nos comédiennes, qui d’ailleurs en avait probablement besoin.
Quoiqu’il en soit je l’avais perdu de vue, mais il avait l’amitié fidèle et il était venu un jour me dire qu’il montait une entreprise de tournées dans les Antilles Françaises.Son « marché », c’était la grosse bourgeoisie Blanche, et qu’il avait besoin de temps en temps d’un spectacle « d’avant garde ».C’est ainsi que son entreprise a marché quelques années avec, je dois le confesser, parfois, entre deux pièces de boulevard, un des spectacles que je défendais.
Souvenez vous si vous me lisez complètement de ma narration du transfert de la compagnie Houdart de la Guyanne à Belem au Brésil. Et une tournée Denis Lhorca était en préparation.   

De celui-là, plus personne ne veut entendre parler et à propos de mes projets à venir, Fanny Augiac me dit qu’elle veut bien de Llorca via Gosselin, A CONDITION que le nom du tourneur n’apparaisse pas dans la Pub. Selon elle, ce nom seul fait fuir les gens ! Or, il y a du public, dans ce petit pays, et nous nous en apercevons : le CERCLE fait ses 300 personnes tous les soirs (on le joue 6 fois !) et GOUVERNEUR DE LA ROSÉE bourre absolument le théâtre Municipal. J’ai assisté à une représentation assis par terre. Entre nous, c’est pas terrible, ce spectacle, et je comprends mal son succès parisien. Ici, oui, puisqu’il s’agit d’un Roméo et Juliette autour des problèmes du déboisement d’Haïti et de la recherche de l’eau. Mais en France ? Nos critiques sont décidément bizarres. Le théâtre, tout en bois, est lui, charmant, dans le style de nos  vieilles salles municipales (Montbéliard, avant la rénovation, Gray, Dôle, vous voyez…).
Les soirées, après la chaleur assez éprouvante du jour, sont très agréables. Après le spectacle qui dure presque 4 heures, ouille, ouille, ouille, mais dont la 2e partie devient extraordinaire avec Mehmet dans le rôle du juge, le Théâtre de liberté va manger des brochettes sur une plage et certains prennent un bain de minuit. C’est le chauffeur du car qui nous oblige à rentrer parce qu’il veut aller se coucher. Mehmet me demande en arrivant d’aller faire un tour ! Je vais méditer au frais. Quand je reviens, au bout d’une demie heure, Kériman dort et lui ronfle.
 
Demain, c’est relâche.

11.07 – Il apparaît que la gentillesse de la population que j’ai évoquée n’est pas toujours évidente avec les manœuvres, chauffeurs et autres petits noirs. Je découvre que la  bonne volonté ne se répercute qu’à moitié aux échelons sociaux inférieurs et par exemple,avant-hier nous n’avons pas eu de car pour nous promener parce que le chauffeur a refusé.
Cela dit, l’île est calme, propre, bien entretenue. Hier, nous sommes allés à Salin et Ste Anne dans le sud.  La nature est belle, tropicale et drue, montagneuse, avec des fleurs et des arbres de toutes couleurs. On mange très bien, avec des fruits rares et exquis. Les plages sont toutes équipées de restaurants et de bars, mais la foule ne les encombre pas.
Le climat n’est pas éprouvant. Il fait dans les 28 à 30° le jour et les nuits sont d’une douceur très agréable, ce qui n’empêche pas la troupe d’avoir mal à la gorge (moi-même j’ai cru avoir une angine). Il pleut souvent, quelques grosses gouttes qui sèchent tout de suite sur le corps ou les vêtements.
 
 14 juillet Encore une fois, c’est relâche. On entend à la radio des flonflons militaires. On va  transborder ailleurs le CERCLE DE CRAIE. À la salle des sports, il ne déplace pas les foules. 200, 300 personnes, parce que, nous dit-on, seuls les gens qui ont des voitures peuvent y venir. Mais un concert portoricain a déplacé 4.000 personnes dans le même lieu, et c’est là que le P.C. tient ses meetings. Alors on va voir, les 16 et 17, ce que ça va donner sous chapiteau au Parc Floral, qui est en pleine ville.Je suis sceptique. Ce CERCLE est trop long pour les gens d’ici. En plus, avec les changements de rôle, il s’est rallongé : presque 4 heures ! Et puis, bains de mer et de soleil aidant, je le trouve mou. L’apport de Mehmet dans le juge est inestimable, mais j’ai bien peur que son baragouin ne « passe » pas aussi bien en Avignon qu’ici. C’est incroyable comme il malmène les genres masculins et féminins ! J’ai aussi un brin peur pour le spectacle de rues d’Avignon qui ne se prépare pas du tout. Mehmet ne se rend pas bien compte qu’il est attendu au tournant ! Il se laisse vivre dans cette île où il se sent bien, rêvant surtout de plongées et de « planteur »  (c’est une délicieuse boisson au rhum et aux jus de fruits mêlés). Le réveil sera peut-être dur.

 AVIGNON 1975

 Retour de la Martinique, j’arrive le 25, en plein milieu du Festival, à 14h. Je pose mon cul à La Civette, et j’y tiens conférence successivement avec Debauche, Périnetti, Crombecque, Pommeret, Touchard, Deherpe, Laville, Maréchal, Belit, Autranel et quelques autres dont le nom m’échappe. On me parle d’un colloque sur l’enseignement. J’y vois un groupe anglais qui présente les fruits de son travail local (très curieux et qui m’a fait songer que décidément notre culture n’en finit pas de crever, -car il s’agit de variations du type borborygme autour de chœurs très classiques et de réflexions contestatrices sur l’individualité humaine-), et j’y rencontre Tiry, J.P. Vincent, A. Vitez (qui me dit qu’il faut qu’on se voie !), Lassalle, et beaucoup d’autres dont le nom m’échappe. Fidèle à la tradition, je dîne à l’Auberge de France avec Mme Baëlde. J’y rencontre Danet, Henriette Béna, Puaux, Mercure et quelques autres dont le nom m’échappe. Le soir, au Chêne Noir, bourré, je vois CHANTS POUR LE DELTA, LA LUNE ET LE SOLEIL. C’est un concert au cours duquel Nicole Aubiat dit de très beaux poèmes sur le Rhône, la Méditerranée,  le Nil, la pollution, l’invasion des H.L.M. et autres thèmes contemporains d’une belle voix chaude, avec flamme et sobriété, soutenue par une musique vibrante très professionnalisée qui n’est pas sans rappeler celle sur laquelle s’appuie Jivalik pour Maïakovski. (Les deux démarches sont très sœurs).
À minuit, je me couche.
 
Le 26, je me lève assez tôt et je pars à la recherche d’un solex à louer. Avec l’étalement du festival dans l’espace, la possession d’un moyen de transport me paraît indispensable. J’en trouve un, mais ça me prend la matinée. J’ai juste le temps d’aller dire bonjour à Lecat, qui trône dans des nouveaux locaux au Petit lycée, je serre la pince à Sonia et de lui demander quelques places, d’échanger quelques mots avec Massadau et Patricia Blot, et me voici en train de déjeuner avec Crombecque qui me parle de l’entreprise de Frédéric Mignon.

C’était le fils de Paul Louis Mignon, un critique et chroniqueur important de notre radio nationale. Apparemment il avait ouvert une entreprise de tournées qui se voulait concurrente de la mienne. Ca n’a été pour moi ni grave ni durable. Le seul souvenir que je conserve est que nous avons un peu sympathisé et qu’il a un jour commandé à MON agence de voyages en se référant à MOI un billet aller pour HONG-KHONG qu’il n’a jamais payé. J’ai su que de là, il avait entrepris une traversée à la voile du Pacifique. Mais mes amis voulaient m’inquiéter :

« Paraît qu’il a déjà Barba, Pif Simmons, Japelle et…La Nueva Compagnia di Canto Populare ! »

 Bon ! mea culpa ! Faudra voir l’année prochaine à ne pas se pointer aux spectacles à la 30ème !
Après ce repas, j’enfourche ma monture et je vais serrer des pinces à Villeneuve. Mais je ne vois pas Houdart. Par contre, je rencontre tout le Theatracide. Puis je rentre avec l’intention de voir FEMMES + FEMMES, mais je rencontre Cellier, Josiane Horville, Vielhescaze et Vautier. Nous prenons un verre tandis que les garçons de café manifestent pour leur 15% !
Puis je vais annoncer à Constant que Laville laisse tomber le PRADO. Il en est d’autant plus désolé qu’ici, l’accueil fait à son spectacle par des salles au demeurant bourrées, ne lui paraît pas chaleureux. Benoin est navré des résultats de la tournée SKANDALON. J’ai eu coup sur coup les 2 sur le dos (à quand Bayen ?).
J’échange après ça quelques mots avec Dekmine et je vais au Bazar d’Edgar voir Pif Simmons. J’y rencontre Matthieu Gally, Darcante, Irène Ajer et Rétoré. Alain Mallet aussi bien sûr et Maria Rankow.
 Ce CHILDREN OF THE NIGHT que je n’avais pas vu à Nancy, dont il fut un des événements, m’a évidemment frappé par son extrême qualité d’exécution, et je ne puis qu’approuver une démarche qui va au bout d’elle-même. Reste que j’ai été très profondément répugné et que j’ai trouvé infiniment suspecte cette complaisance à la violence, à l’insolence et à la morgue GRATUITES, cette « fiction » d’une représentation donnée par des Juifs dans un camp de la mort, où le SS est signifié (sans doute) par l’un d’eux tandis que les autres accentuent la caricature de la race élue à telle enseigne qu’on croirait par moments assister à une projection du Juif Suss.
Belle est la scène finale où les protagonistes nus chantent tandis que les gaz mortels les enveloppent. Mais tout compte fait, assez facile
 « Tu aimes ? », m’a demandé une nana du Festival d’Automne juste comme je sortais ! Je l’aurais giflée ! Après ça, j’ai soupé avec Rétoré qui a apparemment fait un sacré bide avec COQUIN DE COQ, avec les Darcante et avec Irène Ajer, dont le côté fasciste m’a de nouveau sauté aux yeux.
Tout ça m’a mené jusqu’à 2 heures du matin mais j’ai eu du mal à m’endormir, car la Place de l’Horloge regorgeait de monde et d’activité. Or, cette année, je suis au 1er étage ! Je passe une nuit très agitée mais je me réveille à 11 heures.

QUELQUES PAGES PRÉMONITOIRES D’AVIGNON, MARCHÉ DE LA CULTURE, LIEU PRIVILÉGIÉ DES TRANSACTIONS

Je vais maintenant à Villeneuve en solex (on est maintenant dimanche 27) et je déjeune avec Houdart. Barry (l’impresario Argentin) est venu en France mais il n’a pas fait son virement ! Il a dû se pointer chez nous vers les 14/15 juillet ! Il a paraît-il conseillé à De Rigault d’engager Houdart aux USA. Sinon, c’est lui qui montera la tournée avec son « bureau de New York ».Dont acte !  
Kay de son côté aurait décrété qu’ARLEQUIN marcherait très bien au Japon. À part ça, Houdart n’a pas reçu l’argent de l’ONDA. Alors je pars sans pognon. Il sera à Paris vers le 11 août.
 De retour Place de l’Horloge, je date Mehmet à Clermont pour 15.000 —dont 5.000 espérés de Tiry, et peut-être LE SOLEIL FOULÉ et SKANDALON. Je date aussi Mehmet à Aix ! J’ai des mots avec Hauser mais on se quitte bons amis quand même. Je rencontre Bisson et Farré flanqués de Zenaker et de Nicole Garcia. Tout ce monde-là va bien. Je jette un œil au colloque. Michel Guy s’est joint à l’aréopage. Des Anglais font un exercice qui me passionne si peu que je me tire au bout de 5 minutes. Il est vrai que j’ai promis d’aller écouter Moro qui lit LE CANCER, une pièce de lui, au Gueuloir. C’est en 3 actes et en vers très libres, l’histoire d’un couple de bouchers à la retraite. Le style de cette « tragédie écologique » est plaisant. Il y a de bons mots, de l’action. C’est du bon boulevard agréable, de forme et de contenu, gentiment contestataire et désabusé. Ça pourrait marcher dans un contexte rive gauche voulant faire semblant de penser. En sortant, je rencontre Delacour. L’Arrabal marche très bien ici. C’est Mignon qui va s’occuper de la tournée des JEUNES BARBARES. Actif, ce jeune homme qui brille par son absence. Ce sont ses sbires qui rabattent : Anne Chapeauteau et Maria Rankow. Il a évidemment un avantage psychologique sur nous en ce sens qu’il offre en prime son bureau d’attaché de presse. Dommage que je n’ai pas dans mes relations quelqu’un qui aime le dialogue avec les journalistes ! Retour Place de l’Horloge, je passe un moment avec Erdos, toujours charmant, triste d’avoir dû annuler le festival de Baalbek. Il y a eu par contre un festival d’Israël, mais « très prudent » et exclusivement musical. Puis je tombe sur Françoise Brès à une table où il y a Sonzini et Girard. Je fais ainsi la connaissance de notre correspondant d’Annecy, qui a l’air gentil. Girard me dit que Bourg tombe pour LA CUADRA comme pour le CERCLE DE CRAIE. Denise Leclerc passant par là, j’apprends que Sceaux tombé aussi pour la CUADRA pour des raisons techniques. Ces amateurs ! Décidément !... Et puis Girard se lance dans une improvisation brillante, qu’il a le LIVING en Mai  pour un mois par des gars de l’Université de Vincennes qui font partie de la troupe de Beck… Je le mouche un peu, mais c’est sûr que ça n’a pas fini de grenouiller dans Landernau !
À part ça, il apparaît que les impressions de Constant se confirment. Le PRADO n’a pas fait tilt en Avignon et je doute que des affaires en découlent pour LA COURNEUVE. C’est dommage. Par contre LEGERE EN AOÛT a gagné beaucoup de points. Ça va être le moment de d’expérimenter la correction des Athévains !

À 21h, je suis aux Carmes où Gildas Bourdet présente L’OMBRE d’Eugène Schwartz, un fort spectacle qui ne me lâchera qu’à 0h45, mais que je vois sans m’ennuyer.
La Salamandre de Gildas Bourdet promue Centre Dramatique du Nord y joue le texte soviétique dans le style qui a fait son bonheur avec le Molière, ce qui fait dire à des hommes hautement politisés comme Garran que l’équipe n’a joué que l’anecdote, masquant la critique du Stalinisme voulue par l’auteur. C’est sûr, le régime anachronique décrit par Bourdet s’appuyant sur une œuvre qui dissimulait son agression derrière l’aimable fiction d’un pays de contes de fées vivants, n’évoque guère l’autocratie soviétique et sans doute fallait-il en URSS la complicité d’un public avide de lire entre les lignes pour qu’éclate la dénonciation. J’ai tendance à donner raison à Bourdet, car comme ici nous n’avons pas besoin d’aller au 4e degré pour stigmatiser ce qu’en termes clairs tout le monde peut dire, j’aime mieux qu’il ait joué l’ «innocence » de l’œuvre. Son spectacle n’est pas très « signifiant » mais il est plaisant, truffé de gags et de trouvailles, bien joué. Et puis ce thème de l’ombre détachée de son maître pour mieux circonvenir la princesse aimée et inaccessible, et qui le trahira, me rappelle une des fascinations de mon enfance. Bref, j’ai marché au charme. Ce n’est pas un spectacle politique dans la France de 1975 où les combats peuvent tout de même être menés de façon plus directe. Quoi qu’il en soit, avec plus de talent, beaucoup plus, Bourdet s’inscrit dans la ligne des grands amuseurs promue par le Pouvoir. Michel Guy ne s’est pas trompé !
À 1h du matin, je vais souper avec le banquier belge Presles qui achètera peut-être une série de 6 représentations à Savary et m’aidera à défricher le contexte SKANDALON sur la Belgique. Nous sommes souvent interrompus, car à la table d’à côté il y a Philippe Adrien, à celle d’en face Bisson et un peu plus loin Maria Rankow qui trône, très Colette Dorsay, au milieu d’un aréopage où figurent Binoche, Azerthiope, Delacourt, Garran. Je suis couché à 3h15. Je dors mal. Il y a des moustiques.

Je me réveille le lundi 28 à 10h15 prêt à attaquer une nouvelle journée de « vacances » !
Je commence par m’acheter des espadrilles, puis je fais un petit tour de place de l’Horloge. Presles a autour de lui Azerthiope, le Théatracide et quelques autres marginaux. Il veut organiser à Bruxelles un festival OFF pendant Europalia, mais naturellement, il ne veut pas payer autre chose que les défraiements et à la rigueur les transports. Je préfère ne pas m’en mêler ! J’ai rendez-vous avec Cellier. Comme on n’a pas de problème pendant, c’est très amical, mais le bon Tourangeau ne m’apprend pas grand-chose. Je suis fatigué. Je fais une grande sieste, puis je vais saluer l’équipe de Mehmet qui répète au Champ-Fleury. Je ne verrai pas le spectacle de rue car ils l’ont reporté au 2 août, les salauds ! Il fait une chaleur à crever mais l’orage menace. Tant mieux ! Je passe au bureau du Festival retenir des places pour Blaska à la Cour d’Honneur le 31, des fois que ça plairait plus à Thérèse que 14 juillet de Serge Ganzl, dont tout le monde confirme que c’est un four ! Pièce ni faite ni à faire et mise en scène de Llorca inexistante. « C’est forcé, explique Baëlde de sa grosse voix, « il a passé son temps à faire le va-et-vient entre Carcassone, où il montait et jouait Hamlet) et Avignon. Si bien que ni l’un ni l’autre spectacle n’est bon ! » Après, je passe à l’oratoire pour faire dire aux Athévains où ils peuvent me joindre.
C’est plus calme aujourd’hui. Beaucoup de gens sont partis. Le Syndeac tient ses assises annuelles dans un lieu secret. Vielhescaze sera-t-il réélu Président ? Agugui mène grand train sur la place.
Je vois la femme morcelée par le groupe Organon, « régie générale » de Patrick Morelli. C’est une co-production du TEC, ce qui annonce bien la couleur. IL s’agit d’un montage sur la condition de la femme des origines à nos jours, et sur la nécessité d’harmoniser les révolutions.
Avec moi, vous le savez, ça prêche un converti. C’est bien fait, clair, en 4 « volets », 1/ l’éternel féminin, 2/ exposé historique montrant comment la femme a peu à peu conquis une situation économique inférieure, 3/ situation de la femme travailleuse aujourd’hui, 4/ Buts à atteindre (cette dernière partie en forme d’oratorio posant des questions plutôt qu’offrant des perspectives. En contrepoint des sketchs riches en chansons et en gestuelle qui sont perpétrés par 4 artistes, 2 hommes et 2 femmes comme dans COUPLES, appuyés par un petit orchestre, des projections nous montrent des moments de la lutte féministe, et des citations de Marx, Engels, et quelques autres penseurs irréprochables. Tout ça est très orthodoxe. Morelli me téléphonera le 20 août, car il veut qu’on l’aide ! Pourquoi pas ?
Après ça, je rentre paisiblement Place de l’Horloge et qu’est-ce que je vois ? Elle est bouclée par les C.R.S. J’entre parce que j’habite à l’Auberge de France, mais autrement personne ne passe et chacun s’interroge sur les motivations de cette provocation que rien ne paraît justifier. On me dit qu’il y a eu des matraquages de jeunes. « Arrêtez-moi », gueule Puaux aux cent coups. Il insiste tellement que pour lui faire plaisir un chef l’embarque fort poliment. On voit réapparaître le Directeur 1/4 d’heure plus tard. Toujours est-il que ce soir-là il y a peu de monde et pas de spectacle au Palais. Alors l’opération fait long feu et à 1 heure du matin, les vaillants défenseurs de l’ordre se dispersent, me permettent d’aller boire un verre avec Debauche, Garran et Autrand qui prenaient le frais à la Cité des Papes de l’autre côté du barrage ! On parle de l’ONDA qui agite beaucoup le SYNDEAC. Je me couche à 2h et une fois encore j’ai du mal à trouver le sommeil.

Je me réveille à 10h le mardi 29. J’écris ces lignes puis je vais acheter le journal. Thorent me saute dessus. Il a « pensé à moi » pour que j’organise la tournée d’une pièce d’Haïm qu’il joue à Vaison avec François Maistre. Je prends le texte en disant que je vais le lire ! Puis Valverde m’invite à déjeuner à la Magnaneraie où il a ses quartiers. Micheline Uzan est de la fête. Elle veut tourner sa Religieuse Portugaise. Je lui dis que 1500 F. est le prix le plus élevé qu’elle puisse demander, tout en dégustant un brochet, je ne vous dis que ça, à l’ombre des Platanes. Il n’y a que les Communistes bon teint pour savoir bien vivre. Valverde me dit aussi qu’il va m’acheter des spectacles, car il ne monte rien lui-même cette année. Il poursuit son projet de Centre Lyrique National avec Luccioni dont il espère qu’il verra le jour en octobre 1976. Puis je tiens avec Binoche un meeting de 2 heures sur le Théatracide au terme duquel je rentre à l’hôtel car un coup de fil à Monique me paraît s’imposer. Je rencontre Dido, qui joue LÉGÈRE EN AOUT, et Jacqueline Kaps, qui joue l’APOLOGUE. Un gros orage éclate sur le coup de 18h30. Je parle une demie  heure avec Jacques Echantillon qui voudrait absolument que je vienne à Sète voir l’Hamlet de Llorca vers le 25 août et le Rosenkranz de Prévaud à la même époque. Puis je casse une graine au snack du Palais des Papes avec J.J Fouché qui a beaucoup grossi depuis qu’il est Directeur de Maison de la Culture. On fixe la date de Mehmet et on cause de sa politique d’accueil qui ne me satisfait pas pleinement. En sortant, je vois Noëlle Roche qui est inquiète parce que Tiry ne lui a pas écrit qu’il subventionnerait Mehmet ! Je la rassure comme je peux
 et je vais voir LA BEFANA au Chêne Noir. Beau spectacle que Périnetti a engagé pour un mois à Paris en février. Si j’étais méchant, je dirais que le contenu est le même que ce que gueule Mouna sur la Place de l’Horloge, mais que l’esthétique est beaucoup plus belle ! Il y a en fait des moments magnifiques  tout baignés d’un Christianisme d’imagerie populaire qui n’engage pas au fond, mais qui prouve l’imprégnation de Gélas à cette religion que porte en soi le Peuple du Sud, même quand il devient Marxiste, et des instants de contestation de la Société de consommation qui ne sont pas très originaux et même ne volent pas très haut. Le rythme, avec importance de la musique, est lent et majestueux, cosmique et sensible au rond.
                                   
En sortant, je rencontre Chantal, Christophe et Bourseiller. J’apprends ainsi que mon fils est bachelier !
Scoff va monter « Pour l’honneur et pour des Prunes », texte liant les événements « Pour l’exemple » de 1917 et ceux du camp de Draguignan en 1974. Tournée après Pâques 76, 15 personnes + 2 ou 3 techniciens. Calculer sur 20 personnes à 200 F. ce qui fait 4000 F. et avec les charges 5600 F. Le matériel nécessitera un camion d’une importance certaine (sacs de sable, praticables, tables, chaises, matériel de musiciens, projecteurs, 2 poursuites, sono, jeu d’orgues etc…).
Un mini spectacle sur le Procès de Draguignan sera donné en « animation ». La Cie doit gagner 2000 F., ce qui nous met à 7600 F. + avec nous 8400 F. Ce sera le prix plancher. Demander 10.000 F. + transports et défraiements. Scoff se joint maintenant 26 rue Poliveau, 75005. Pas de téléphone. Messages au TEP. (ou à titre absolument exceptionnel au 3364205).
Ce matin 30 juillet, je rencontre Delacour avec qui je parle longuement. Puis je vais à un RV avec Gélas, mais comme au bout d’1/2 heure il n’est pas là, je conviens que j’ai assez pris le frais dans sa chapelle et je décide que je reviendrai demain. J’ai un meeting avec Mounier, qui est définitivement à la Rochelle, et avec un barbu roux qui est directeur provisoire au Havre. J’assiste ensuite, par une chaleur accablante et une pluie intermittente, à la répétition du spectacle de rue de Mehmet. Une jolie histoire qui raconte avec l’aide d’un bulldozer très spectaculaire ce qui arriverait aux petits poissons si les requins étaient des hommes. Puis je vois Chantal de Villepin qui prépare devant moi un chèque de 5.700 F. qu’elle m’enverra quand il y aura de l’argent au compte de Vielhescaze. Je rencontre aussi  Armand, le barbu des Athévins.
Si je comprends bien, LÉGÈRE EN AOUT qui se vend est son affaire et LES MAUVAIS BERGERS que personne ne demande est la mienne ! Pourquoi pas ? C’est une façon de voir les choses ! Je vois Dany pour les photos de Mehmet et la fiche technique, et aussi Richard pour le pognon ! (Mais il n’a pas son chéquier

COMMENTAIRE a-POSTERIORI

Il est frappant de remarquer que dans ce  survol  de ces journées, je parle peu de spectacles vus. En vérité, le Gintzburger qui navigait dans cet  Avignon 75  y était pour des raisons de business.  J’achète ci, je vends ça. C’était mon métieret déjà cela commençait à devenir un marché. Non que le off y soit déjà devenu omniprésent. Mais c’était le rendez-vous incontournable des professionnels. Il fallait y aller. Il fallait y être vu. On y traitait des affaires. Il importait de se méfier des concurrents. L’A.F.A.A. y tenait ses assises. L’O.N.D.A. également.et la S.A.C.D. Bref en quelques jours on croisait des gens qui étaient disponibles pour parler alors qu’à Paris certains n’accordaient leurs rendez-vous qu’au compte-goutte.Apparemment je connaissais beaucoup de beau monde et j’étais estimé.
                 

30.09 – Je suis bien content, parce que comme l’ESSAI SUR LES ŒUVRES DE PIERRE LOUYS du Théâtre Essaïon, BILITIS ET APHRODITE, c’était pas long, j’ai pu d’un coup de métro faire acte de de présence au Palace qu’on ré-inaugurait, et assister à toute la 2e partie de UNE ANÉMONE POUR GUIGNOL, le spectacle d’adieu de Maréchal à Lyon, qui est tendre, comme tous les spectacles de Maréchal, et doucement subversif sans que ça aille trop loin ou que ça vole trop haut, et lourd en matériel et pesant en durée, et souvent ennuyeux et parfois beau, avec des « moments » hélas rares, et une belle envolée au sens propre du mot de Ballet (l’acteur qui joue Guignol) à la fin du spectacle. Je me suis un peu fait chier durant cette moitié de spectacle que j’ai trouvée au surplus complaisante, mais qui, bien sûr, est de tenue. Comme on m’a dit à la fin (des gens qui avaient tout vu) que  la 2e partie « rachetait » la 1ère (celle que je n’ai pas vue), je me suis accordé congé pour demain.
Pour ce qui est de Bilitis, Colette Godard a imprimé dans LE MONDE que Régis Santon y avait dévoré Pierre Louÿs à belles dents ! Moi, je n’ai pas remarqué de subversion dans ce spectacle et d’ailleurs je n’y ai rien décelé. J’ai vu 4 belles nanas dansotter et se « gouiner » quelque peu, j’ai entendu vanter le mérite des courtisanes, j’ai par moments perçu des mots d’un texte qui me passait par-dessus la tête, j’ai émergé de fumigènes et j’ai garé mes jambes des étincelles que projetaient certaines torches, j’ai écouté de la musique qui était de Wagner et qui par conséquent était belle. Marie-France Santon en reine de beauté ne m’a pas paru faire le poids, mais elle a de l’émotion. La pépée qu’on fout à poil pour la crucifier est agréable à considérer. Bref, cet « essai théâtral » n’a qu’un défaut qui est de m’être totalement étranger. Je ne juge pas : je n’ai pas reçu.

2.10 – Le PÉNÉLOPE et ULYSSE de la Compagnie de la Grande Cuillère n’a rien à voir avec l’Antiquité Grecque. Ce sont les noms de 2 forains qui vont avec 2 autres compères (Raoul et Arlette, mais ils auront d’autres noms quand ils n’incarneront plus l’homme et la femme éléphants), proposer des spectacles aux spectateurs qu’ils trouveront. AINSI passent-ils 1 h 30 à NOUS proposer un spectacle qui commence toujours et ne se développe jamais, et n’est jamais joyeux et est toujours mélancolique. L’idée est assez séduisante, mais ces jeunes gens manquent de rythme et de métier. Ils voudraient visiblement communiquer avec NOUS et nous multiplient sourires et adresses, voire visites dans la salle. En vain, parce qu’ils sont entre la fraîcheur des amateurs et l’Art des professionnels sur un fil où ils se tiennent mal. En outre, ils sont beaucoup trop « gentils », « convenables ». Ce sont des timides et leurs contestations sont dérisoires. Il y a plusieurs fois des amorces de situations qui pourraient déboucher, (comme par exemple les « rapports » fille - père dans cette famille), mais restent embryonnaires.
L’équipe est de bonne volonté, à suivre, et sympathique. Elle a du talent en herbe. Mais il faut que l’herbe pousse.

8.10 – Ne soyons pas chiens : LES TROYENNES, mises en scène par Andréï Serban, « opéra épique inspiré d’Euripide composé par Elisabeth Swados », se laisse voir sans ennui, et même avec un certain plaisir. Le Pouvoir a bien misé. L’émigré roumain baille aux élites occidentales un art de qualité, spectaculaire et sans danger. C’est même un art « conservateur » au sens étroit du mot, puisque le contenu avoué du montage est de prouver qu’une révolution –aussi radicale soit-elle, ici la victoire « totale » des Grecs- ne détruira jamais l’« âme » des vaincus. Mieux, les vainqueurs en seront aliénés. Aucune « civilisation » ne peut être détruite… Suivez mon regard : vous pouvez toujours vous agiter, Communistes roumains, vous n’atteindrez pas l’âme de la Roumanie éternelle qui accumule des forces de résistance, telles ces Troyennes au cours de leur longue marche vers l’esclavage au terme de laquelle les veuves et les filles orphelines auront « compris » que, aussi longtemps qu’elles vivront, les Grecs « ne pourront rien faire d’autre que subir leur influence ».
Que ce « message » nous vienne de la MAMA de New York ne sera pas pour surprendre. Qu’il soit cotonné dans un salmigondis de langages aussi différents que le grec ancien, l’aztèque, l’indien-américain, le sumérien, des langues africaines, des chansons des Balkans et d’Amérique du Sud, montrera qu’il n’est pas « culturel » qu’en imposture, en gratuité. En fait, la lecture de la déclaration de Serban dans le programme m’a permis de déceler ses intentions. Mais la lecture de la représentation est illisible. Cela dit, on se laisse volontiers emporter par un mouvement vif, énergique, brillant, bourré de trouvailles ingénieuses. On a affaire à un bon faiseur, à un professionnel, et à une troupe qui  paye comptant. C’est un spectacle parfait dans la ligne d’un festival comme celui d’Automne.

9.10 – Hier, c’était un mélange de langues réputées archaïques. Aujourd’hui, c’est un dialecte de type brookien qui serait, disent les cultivés, celui de certains Indiens du Pérou. De toute manière, on s’en fout : c’est rauque, c’est barbare, on n’y comprend rien, c’est tout ce que demande l’Atelier de l’Epée de Bois avec ce TORO 9 dont je serais bien surpris qu’il déplaçât des spectateurs payants ! C’est encore le festival d’Automne qui règne et on est encore plongé dans des « recherches » ésotériques au goût du temps. Ces 4 types qui souffrent, hurlent, se battent et discourent interminablement dans l’idiome ci-dessus décrit (et qui paraissent, chose surprenante, comprendre ce qu’ils disent) au fond d’un trou encombré de sciure, et que nous regardons d’en haut comme des SS du haut de leurs miradors, ce sont peut-être des lépreux, peut-être des condamnés ou des déportés. En tout cas, ce sont des déchets et si l’un d’eux semble être un Kapo, il n’en est pas pour autant, avec ses béquilles, plus brillant que les autres qui sont entravés. Il se fait d’ailleurs trucider à la fin par un des 3 autres, qui meurt ensuite après avoir soufflé une bougie, on ne sait pas pourquoi !
Je ne doute pas que l’Atelier de l’Epée de Bois ne juge son « travail » passionnant. Il est au demeurant abouti. Hélas tant d’efforts visibles ne débouchent que sur de l’inutile. Ça ne dure qu’1 heure, heureusement.

10.10 – Enfin un gars qui cause français, qui ne se prend pas pour le nombril du monde, qui vise modestement à faire marrer et y arrive, et qui est parfois paré des plumes de la vraie poésie, çà détend et ça paraît soudain sain. UN FARRÉ PEUT EN CACHER UN AUTRE, one man show « musical », est franchement drôle et généralement d’un niveau assez élevé (avec pourtant quelques chutes dans le trop facile). Pendant 90 minutes, ce petit diable d’homme se dépense à toute vitesse pour nous divertir. Les préoccupations de l’heure ne le tracassent apparemment pas. Je le regrette un peu, mais ne boudons pas. Il mettra peut-être un jour son génie inventif, son sens du gag, sa vivacité au service de quelque cause. Le spectacle est présenté dans une péniche amarrée Canal Saint-Martin. Une fois qu’on est à l’intérieur, hormis la forme un peu allongée de la salle et les courants d’air glacés, ça ne fait pas la différence avec un autre lieu. Mais l’arrivée est amusante. Ça change !

14.10 -Tout me paraît possible au théâtre hormis de faire chier le monde. Andonis Vouyoucas semble n’avoir aucune idée de ce principe élémentaire et ses TROYENNES d’Euripide font regretter celles de Serban qui du moins avaient un « parti » et étaient spectaculaires. Certes, le texte y était dit par les artistes américains de la MAMA dans un charabia gratuit, mais ici, quoique prononcé en soi-disant français, il est inaudible.
Ici comme là, on n’a donc comme recours que ses souvenirs d’Université pour entendre l’anecdote. Mais foin de tant de simplicité. L’équipe du théâtre de recherche de Marseille s’en fout, qu’on suive ou pas. Méprisante pour les « rapports mercenaires » qui dominent le théâtre mondial, elle se complaît dans le « non-spectacle », et chacun des 4 hommes et des 4 femmes de ces TROYENNES a visiblement surtout cherché à s’épanouir soi-même. Le programme nous apprend d’ailleurs que « l’Acte théâtral est la réaction physique, psychique, phonétique, et intellectuelle par laquelle l’acteur, dans un moment donné, révèlera son être ». L’ennui, c’est que l’être de l’affreuse nana qui hurlait périodiquement en se roulant par terre, moi je n’en avais rien à foutre. La gratuité, l’inutilité et la vieillesse de cette recherche me paraissent éclatantes.

COMMENTAIRE :

Etonnante, cette relecture  de ces deux compte-rendus sur une même pièce antique à quelques jours d'intervalle. C'est un des mystère de ce métier et je le constate encore : quand quelqu'un a l'idée une année de monter une pièce laissée dans l'oubli, on peut être certain que quelqu'un d'autre parfois à des milliers de kilomètres du premier aura la même idée.
Et puis, autre chose, le contenu de ces TROYENNES dont je me demande pourquoi personne n'a songé à l'exhumer lors des années sombres de l'occupation, je veux dire celles où "on" n'envisageait pas encore la probabilité de la défaite de l'Allemagne Hitlérienne. Nous étions plusieurs à penser qu'au fil des années ce seraient les vaincus qui s'empareraient de l'âme des vainqueurs brutaux … Il me semble que cela se vérifie petit à petit un peu partout dans le monde d'aujourd'hui. Non? :  . 

14.10 – Alberto Vidal est un mime, un pantomime, un comédien, un « onomatopiste » de talent et plein de drôlerie. Au Palace, son one man show est divisé en deux « sketches » d’1/2 heure chacun. Le premier est irrésistible. Il montre l’itinéraire d’un Italien qui va visiter un musée à New York. Ça commence au photomaton pour le passeport, ça passe par le voyage en avion et ça finit par l’ahurissement du visiteur comparant un tableau avec la notice s’y rapportant dans le catalogue. C’est désopilant.
L’autre est plus ambitieux et vise à nous faire entrer dans un univers où les objets crachent, pètent, fument, sont inutiles et provisoires. La scatologie chère aux Ibériques se donne ici libre cours et c’est un peu dommage car ça n’est vraiment pas original. Mais enfin l’ensemble est très valable.

15.10 – À dire le vrai, il est assez surprenant que j’aie aimé LA SENSIBILITÉ FRÉMISSANTE de Pierre Macris, mais c’est un fait que j’ai été sous le charme et que je suis sorti assez ravi du Studio d’Ivry. 
L’auteur est sétois comme le réalisateur, Jean-Marie Windling. Seul un provincial accroché ou un Canadien aurait pu écrire ce texte qui défie les lignes de force contemporaines, échappe à toute possibilité de classement référencié et est pourtant bourré de réminiscences quand ce n’est pas de plaquages avoués de fragments d’œuvres illustres. En fait, la comparaison qui viendrait le plus à l’esprit, ce serait SIX PERSONNAGES EN QUETE D’AUTEUR. Sauf qu’ici c’est plutôt un auteur aux prises avec SON propre personnage (un type qui a assassiné sa mère), et avec les personnages nés de ses phantasmes. L’intrigue est réelle, conduite comme on ne le fait plus avec un commissaire style Sherlock Holmes et un policier chauve, un assassin qui tombe dans un traquenard, une sœur peut-être incestueuse, en tout cas pleine de bonne volonté envers son frère traqué, et un amant de la sœur objet du mépris et de la jalousie du frère.
Mais les fils de cette intrigue archi-conventionnelle sont tirés à vue et le vrai sujet est finalement celui de la création théâtrale. L’auteur Dieu, maîtres des destins des êtres qu’il a enfantés mais qui, pour les spectateurs, peuvent avoir l’apparence de la réalité, ce n’est ni très neuf ni très profond. L’atmosphère, de surcroît, n’est pas sans rappeler celle qu’il y avait voici 50 ans dans des trucs comme AU GRAND LARGE, étrange, mi-réaliste mi-mystérieuse, paradoxale.
Windling (qui joue l’auteur et donc en même temps l’assassin, avec finesse et exactitude) écrit dans le programme que « l’espace scénique est traité (dans sa mise en scène) comme une évidence et non comme un support d’illusion ». Il ajoute : « l’acteur n’est pas non plus un support d’illusion ». Je confesse que je ne vois pas ce qu’il veut dire, mais que son travail m’a paru intelligent et inventif, sans parler du fait qu’il est tout à fait professionnel. Il mérite un coup de chapeau car la tâche n’était sûrement point aisée avec un texte aussi « littéraire » (au sens où Vitez l’entendrait de Pommeret), dont l’humour (involontaire souvent de la part de l’auteur mais récupéré par le lucide réalisateur) fait rire sans que jamais ce rire ne bascule, et dont les tirades sont assumées au point que jamais l’ennui ne perce.
Reste que cette soirée n’est que « curieuse », récréative. J’aimerais que Jean-Marie Windling s’attaquât à des sujets qui me concernassent un peu plus.

18.10 – Sartrouville - Je sais bien que le satisfecit permanent dans lequel se complaisent les communistes bon teint a quelque chose d’une imposture, mais je sais aussi que toute tentation de dénoncer ses « excès » est aussitôt récupérée par la droite réactionnaire. Dans cette perspective ont  raison ceux qui dénoncent dans le LEAR de Bond une œuvre antisoviétique. Et Chéreau ne se défend que mollement –il montre donc le bout de son oreille- lorsqu’il écrit dans le programme que « répondre aux critiques politiques qui lui ont été faites, voudrait dire réfléchir longuement sur le Marxisme, sur les camps de concentration, sur les démocraties populaires. »  En fait, la « réflexion » de Chéreau me semble être déjà faite, et même si je peux croire sincère celui qui a rêvé naguère avec « le prix de la Révolte du Marché Noir », lorsqu’il jette un regard noir sur la notion de « Révolution », un regard désespéré, désespérant, -qui est partageable dans une certaine mesure-, je ne puis que trouver suspect le refuge qu’il revendique dans le « métier d’homme de théâtre », pauvre artiste dépassé par la tâche de l’analyse politique,
car il a CHOISI ce LEAR et ceci est un acte politique, surtout quand on songe au milieu « populaire » dans lequel il est censé le
présenter- ; et je ne puis  que m’insurger lorsqu’il me demande à travers cette pièce dont la politique, selon lui, n’est que l’horizon, de condamner « la renaissance éternelle des rébellions ».
Cette renaissance-là, Chéreau, ne m’intéresse pas, non plus que de savoir que les « rébellions » sont vaines et que le peuple après chacune sera exploité par les (presque) mêmes maîtres. OUI, vous avez bien traité de Rébellions, mais point de la Révolution. J’aimerais être sûr que c’est clair en vous.
Chez Bond, en tout cas, l’analyse me paraît friser celle des journalistes de l’AURORE plus que celles de ceux de l’HUMA. Si j’ai bien compris, les 2 vilaines filles de LEAR voulaient piquer le magot du vieux en forme de guerre traditionnelle. Le sort du peuple n’eût pas été amélioré. La bonne fille Cordelia entraîne les paysans à la révolte. Lorsqu’elle a le Pouvoir, l’oppression qu’elle fait régner est pire encore que la précédente. S’y épanouissent en tout cas de bien sinistres arrivistes comme le sanguinaire médecin de la prison. Et de bien étranges louvoyeurs comme le Ministre traître qu’on retrouve dans tous les régimes aux leviers de commande.
Bond est un anglo-saxon. Je doute qu’il ait lu Marx. Il regarde le monde du froid avec le frisson de ceux qui sont dehors. L’idée de prendre l’intrigue de Lear en la transposant n’est pas mauvaise, mais pour moi, Français, ces guerres physiques mélangées de social sonnent un peu de travers. Comme un anachronisme. Chéreau a accentué l ‘ambiguïté par le décor de mine dans lequel il fait commencer et ensuite enveloppe l’action. L’exploitation de l’homme par l’homme y est montrée sous son vrai visage. Lear, ses filles, puis les sbires de Cordelia, sont d’impitoyables « Patrons ». Mais de patrons à Rois, Princesses, on glisse dans un magma auquel des oreilles britanniques sont peut-être familières, mais point la mienne qui trouve qu’on mélange la chèvre et le chou.
Chéreau n’a pas réussi là son meilleur spectacle, et d’abord parce qu’on s’y fait chier copieusement. Ensuite, parce que le décor de Richard Peduzzi, beau lorsqu’il nous saisit d’emblée, se révèle vite infonctionnel. Et puis François Simon n’est pas terrible en Lear. Et puis, que voulez-vous, ça ne m’a pas « dérangé », ça ne m’a guère concerné. Cette belle machine douteuse va trop dans le sens de la politique contestatrice telle que l’entend le pouvoir !

20.10 – Je ne serais pas surpris que notre bon tout Paris –mais je peux me tromper- fasse de L’INTERPRÉTATION un succès. Personnellement, je me serais plutôt emmerdé, et d’autre part j’ai été sérieusement agacé par cette exhibition de Myriam Mézières qui m’a paru d’une impudeur totale, non parce qu’elle se fout à poil, mais parce que SON narcissisme développé m’a paru inadmissible et con. Il manque à Myriam Mézières pour jouer les grandes dames amoureuses d’elles-mêmes cette dimension qu’a par exemple Marucha Bo.
Je cite Marucha Bo parce que les auteurs de l’interprétation, Javier Arroyuelo et Rafaël Lopez-Sanchez ne sont autres que ceux de  L’HISTOIRE DU THÉATRE DE COMÉDIE POLICIÈRE et de FUTURA. Les liens avec le GRUPO  TSE sont évidents. L’INTERPRÉTATION veut être la revanche des obscurs, des sans grades, des éclipsés de la gloire, des évincés du LUXE et de VINGT QUATRE HEURES. Les tâcherons de la plume, naguère fabricants d’un matériau de base, se promeuvent réalisateurs et suscitent des « vedettes » conformes à leur image de marque, un Facundo palot nommé Dorian Paquin, et une Marucha de faubourg : Myriam de Mézières frappée, fanée, tapée, diverse avec application, flegmatique comme l’autre mais sans la classe, parfaite, trop parfaite, mais sans le décollage. Bref, on a l’impression d’un spectacle du TSE joué par des doublures et réglé par un régisseur qui prendrait des négligences avec le cahier d’Alfredo Arias.
Reste qu’à défaut de le voir, (nom de Dieu que le décor de Paloma Picasso est laid !), on entend le texte. Son style nous est familier. Il est répétitif, rigoureux, insolite. Il conte l’étrange histoire de Fay Baxter, chanteuse de rock, qui entre Le Caire et Alexandrie, entendra des voix émergeant de sa surdité supposée et se mettra à s’interroger sur l’amour en soi et sur l’amour de Nicky qu’elle jettera dans le Nil avant d’aller chanter face à la mer.
Cela « fonctionne » « impressionnistement » au gré d’une logique interne pas tout de suite perceptible. Mais foin de « l’anecdote ». Elle compte peu. L’objet du spectacle, -et j’emploie le mot « objet » avec tout le sens qu’on lui donne de nos jours- , c’est la FEMME MYTHE, fabrication de la société de consommation. C’est aussi la FEMME transcendée en frigidaire, issue d’âmes de pédé qui ne peuvent voir en elle qu’une beauté SANS utilité. Et d’ailleurs, cette beauté est factice, obtenue par des moyens de music-hall. C’est enfin la FEMME vampire, épouvantail, la femme abusive, mante religieuse pour l’HOMME. Dorian Paquin joue « effacé », c’est-à-dire réfugié dans le flegme britannique. Nul doute que cette philosophie de l’homme terrorisé par la FEMME toute-puissante n’apparaisse à certains de nos critiques comme une importante dénonciation politique ! Nos penseurs pédés et refoulés vont pouvoir s’en donner à cœur joie ! N’empêche que c’eût été mieux si Alfredo avait été là pour rajouter au spectacle sa marque personnelle de méchanceté glaciale et distante.

21.10 – Je n’ai vu que la première partie du spectacle de RONCONI, événement du festival d’Automne, UTOPIA. Le froid autant que la méconnaissance de la langue italienne m’ont chassé du Parc Floral à l’entracte de la soirée annoncée pour une durée de 3 h 20. J’ai donc vu la création des « Utopies », je n’ai pas assisté à la leçon, c’est-à-dire à la destruction des constructions de la générosité humaine non étayées sur une politisation des masses. Je le regrette mais j’ai compris le propos, c’est l’essentiel et je ne pense pas qu’au niveau de la mise en scène, la seconde partie ait été riche en nouveautés.
UTOPIA est un édifice imaginé par Ronconi en accolant bout à bout des morceaux de pièces d’Aristophane, notamment Lysistrata, Les Oiseaux, l’assemblée des femmes, les Cavaliers, Ploutos. Il est certain que l’auteur grec était très signifiant. Mais Ronconi a décidé de faire jouer ces morceaux choisis tels qu’ils ont été écrits (c’est-à-dire avec des références aux Dieux, aux oracles, aux particularités de la pêche et de la culture athénienne), anachroniques totalement, en costumes rétro modernes, c’est-à-dire dans son cas, évoquant l’ère mussolinienne. Le parti m’a semblé gratuit, et de surcroît inutile. Situées en leur époque, ces comédies sont parfaitement exemplaires et point n’était nécessaire d’attirer l’attention des spectateurs modernes sur le fait –car telle doit être la motivation- que le temps des utopies n’est pas révolu. Mais bien sûr, jouées en costumes antiques, elles n’eussent pas permis au brillant réalisateur italien d’être conforme à sa légende. Après nous avoir montré des chars fonçant sur la foule, et nous avoir entraîné dans un labyrinthe, il ne pouvait pas, n’est-ce pas, faire jouer son UTOPIA sur la scène d’un théâtre. Alors il a imaginé une vaste aire de jeu, sorte de grand boulevard. Les spectateurs sont de chaque côté. Et sur ce boulevard circulent les protagonistes, à pied, en voitures, en camions, en avion. Les meubles sont sur roulettes et ce sont les acteurs qui amènent et emmènent les accessoires au rythme d’un changement permanent. C’est intéressant, mais lent. Ici Ronconi, en outre, isole le spectacle par rapport aux bains de foule où il plongeait naguère ses artistes. Alors certes, sa présentation est personnelle, astucieuse, mais finalement novatrice seulement techniquement. Et même pas. Bayen et Santon avaient le même dispositif, et tout récemment Windling. Mais Ronconi a en plus l’espace et des moyens Beaucoup de moyens un peu insolents. Que ferait-il dans la pauvreté ? J’aimerais bien voir.    

22.10 – Narcissisme pour narcissisme, je préfère celui d’Henri Tisot à celui de Myriam Mézières. Car il est très sympa, ce bon gros imitateur, et il a un sacré talent, et pour ce qui est de l’abattage, il ne craint personne. En fait, au Studio des Champs-Élysées, pendant 2 heures et plus, il raconte sa vie. Comment jeune, il aurait dû devenir pâtissier mais suivait en cachette des cours au Conservatoire de Toulon, comment il est monté à Paris, comment il est entré au Conservatoire, comment il s’est mis à imiter De Gaulle etc. Cette revue est l’occasion à imitations dont certaines sont savoureuses. Dommage que son gaullisme sentimental ne le fasse apparaître un peu con, et que la partie larmoyante de la fin ne m’ait paru longuette. Jusqu’à l’entracte, je m’étais bien amusé. Après, moins.

23.10 – Donc, il apparaît qu’une ligne de force en ce début de la saison 1975/76 réside dans le narcissisme. Apparemment, il y en a une autre, qui est le REFUGE dans l’ÉTRANGE. En voyant récemment LA SENSIBILITE FRÉMISSANTE, je croyais avoir affaire à un cas isolé. Mais voici que OMPHALOS HOTEL relève du même besoin de création d’un univers insolite. Cet univers, si j’écrivais encore dans LIBERATION, et que j’aie envie d’aider les copains, je pourrais le décrire en disant : "quelques privilégiés de la classe au Pouvoir étalent leur décadence dans un hôtel bizarre situé au haut d’une falaise et entouré par des marais d’où monte, de plus en plus présent, de plus en plus investissant, le chant des prolétaires (travailleurs saisonniers du sel)". Je ne ferai alors que tomber dans le panneau tendu par l’auteur dramatique que Jean Michel Ribes montre dans la pièce : il faut dans une œuvre d’aujourd’hui bien fagotée un peu de politique, et de gauche, mais pas trop.
En fait, peut-on dire que OMPHALOS HÔTEL dénonce un microcosme de société signifiant ? Certes point. Ribes a campé quelques « caractères » qui l’ont amusé, un médecin étrange dont la femme est sûrement morte mais il fait comme si elle vivait encore (j’ai déjà vu ça quelque part, non ?), deux hommes d’affaire qui jouent l’exploitation de la côte au Monopoly, un commerçant vulgaire et sa femme éprise d’amaigrissement et de rajeunissement, l’auteur sec, en mal d’idées, (Ribes soi-même ?), une petite bonne qui renifle les draps sales des clients et y lit leurs passions, tares, vices, destins, deux travailleurs des marais qui se font embaucher comme hommes à tout faire et surtout un hôtelier hôtelière haut(e) en couleurs merveilleusement joué(e) par JeanPaul -Muel. Et puis un « mystère » : l’an dernier, un domestique est tombé de la falaise après qu’une bizarre dame hongroise ait occupé la chambre 17. Cette année, c’est une belle dame polonaise qui occupe la même chambre. Elle est arrivée par une nuit d’orage, discernable seulement par le 3e sens au milieu des éléments déchaînés. Si ce n’est pas la mort, c’est sa sœur.
On le voit : description d’un milieu (hôtel de vacances très anglais) où des Hongrois viennent vivre la vie de la pension complète avec tout ce qu’elle a d’artificiel, de factice ; intrusion dans cet univers d’une classe sociale qui est complètement distanciée de ce milieu, le juge, le considère, en profite, en est victime, se sent des attaches avec les parias des marais mais préfère s’en dégager au nom de l’ascension sociale ; injection d’un élément bizarre qui introduira le drame après que tous les lieux communs du genre se soient exprimés, (policier qui prend des flashs sans s’expliquer, éléments déchaînés quand la Polonaise arrive, prémonitions de la petite bonne qui « sait » mais que personne ne croit). Comme on le voit, ce sont, réunies, des recettes de « boulevard intelligent », un boulevard qui me rappelle ces œuvres qu’on pondait vers les années 30…
À propos de Windling, j’ai évoqué AU GRAND LARGE de Sutton Vane. Il y a des titres qui m’échappent mais je suis sûr d’avoir lu dans les Petites Illustrations des pièces anglo-saxonnes relevant du même du même univers.
Cela dit, OMPHALOS HOTEL est-il du boulevard ? Oui, si Anouilh, Salacrou en sont. Non peut-être, car il reste dans le style des perles qui rappellent que Ribes fut l’auteur des fraises MUSCLÉES. Oui, quand même car le propos, dénoncé par le « personnage » auteur de la pièce qui, s’il n’est Ribes lui-même, est du moins son porte-parole, est COMMERCIAL avoué. Oui certainement car Ribes veut réussir dans une ligne où le « Politique » est dosé ; OUI en tout cas par la mise en scène ultra-réaliste et assise sur les poncifs de Michel Berto, par le décor construit de Yannis Kokos, par le jeu des acteurs qui ont chacun SON morceau de bravoure. Oui enfin parce que j’ai, comme on dit, passé une bonne soirée, mais pas une soirée importante.

COMMENTAIRE :

Décidément Jean Micher Ribes a été très prolifique en ces années 1972 / 1975. Il faudrait reprendre un à un tous ces commentaires pour mieux arriver à cerner l'évolution du personnage, ou comment on passe de l'adolescence agressive à l'agitation raisonnable et plus tard au seul souci de faire carrière.L'aboutissement au XXIème Siècle, en plein régime de la droite dure de cette carrière au théâtre du Rond Point prouve qu'elle a été menée avec intelligence et pragmatisme à l'intérieur du "système".N'a t'il pas su en faire un lieu très parisien de contestation bien-séante?

24.10 – Je maintiens que l’idée d’avoir monté DON JUAN (de Molière) rien qu’avec des femmes, est gratuite et ne constitue pas un « parti ». Mais enfin, le spectacle d’Arlette Théphany à Chelles se laisse voir agréablement parce que très vite on oublie que ce sont des nanas qui incarnent les rôles d’hommes tant elles ont eu le souci d’avoir l’air d’être des mecs. Et ceci oublié, c’est vraiment très bien joué, avec beaucoup de trouvailles amusantes au niveau du détail. On ne s’ennuie pas.

Ce serait intéressant mais hors de ce propos de comparer sa carrière à celle de Stéphane Lisner.

30.10 – Vous prenez un texte d’une quotidienneté évidente et vous le faites disséquer comme un oratorio par des acteurs figés qui semblent au paroxysme de l’émotion et laissent entre chaque réplique un temps de 5 secondes environ, et avec une œuvre de 24 pages, vous obtenez un spectacle de 90 minutes. C’est ce qu’a fait Claude Régy avec une oeuvrette de Nathalie Sarraute : C’EST BEAU !
Pour une fois, je ne crierai pas au metteur en scène abusif : je pense qu’avec son truc, Régy a sauvé la pièce, mieux, que d’une pochade, en lui donnant l’air de penser, il a fait quelque chose qui semble important. Car le sujet, s’il était traité au 1er degré, ne semblerait guère original puisqu’il s’agit de l’incommunicabilité entre parents et enfants, une incommunicabilité fondée sur les malentendus. Thème sur-rebattu auquel Nathalie Sarraute n’apporte rien qu’une vision de vieille bourgeoise, mais qui sur la scène de Petit Orsay prend les dimensions d’un plaidoyer, d’un constat douloureux, d’une tragédie moderne, sans empêcher une drôlerie sous-jacente de percer. Il faut dire que Régy est très bien servi par deux grands acteurs très disciplinés, Emmanuelle Riva et Jean-Luc Bideau. Un jeune, Daniel Berlioux, incarne l’adolescent buté dans son monde fermé avec beaucoup de conviction. « Théâtre de la violence », écrit Claude Régy dans les cahiers Renault Barrault : certes, mais de la toute petite violence des tout petits bourgeois enfermés dans leur tout petits faux problèmes de « langage ».

UNE ESCAPADE À HAMBOURG

5.11 – À un moment où j’ai trop souvent envie d’employer le mot « débâcle » pour parler du THÉATRE, c’est une JOIE que de tomber sur un événement qui vous rappelle qu’un jour vous avez aimé cet art au point d’en faire votre Profession. LEONCE ET LENA, comme WOYZECK, n’est pourtant pas une œuvre géniale. C’est même SON inconsistance qui l’a si souvent fait choisir par des metteurs en scène en mal de s’exprimer À PART ENTIÈRE, c’est-à-dire à travers une œuvre malléable. Malheur de nos jours aux auteurs précis, ils n’intéressent pas les réalisateurs, ces vampires, ces médiateurs abusifs, ces intermédiaires détourneurs, surtout en notre temps de Narcissisme promu, de narcissisme succédané des rêves condamnés de l’Homme généreux : soyez névrosés, exprimez-le à travers ce que vous voudrez et la Presse fera la besogne de vous monter au pinacle d’où elle déboulonnera ceux pour qui la contemplation du nombril et la masturbation ne sont pas l’essentiel. Chéreau, Mesguisch, Hermon, Bayen, restez ce que vous êtes, signes de la Mort prochaine d’une culture. Il y a heureusement encore de la SANTÉ DANS LE MONDE : et ce m’est un bonheur que de pouvoir dire que Jérôme Savary est SAIN, et qu’il est un GRAND  metteur en scène SANS que pour autant en sortant de ce LEONCE ET LENA, où pour la 1ère fois il s’attaquait à une œuvre « classique » en allemand, langue qu’il maîtrise mal, sur commande acceptée à des fins purement alimentaires, on ait eu l’impression d’avoir assisté à l’exhibition impudique d’une intimité maladive (ou à son imitation, comme récemment au WOYZECK de Benoin).    
Savary a lu la pièce, a RÉFLÉCHI SUR la pièce, a eu le souci de SERVIR la pièce. Disposant de moyens, il n’a pas abusé, et on ne peut pas parler d’insolence de luxe étalé. Mais plusieurs de ses tableaux sont de toutes beautés –et j’emploie le pluriel à dessein, car on songe à Chéreau pour l’harmonie des groupes et à BESSON pour la signifiance des scènes où le Pouvoir Royal est appelé à s’exercer, référence qui impose de constater que le spectacle est exemplairement distancié. C’est un œil critique qui a constamment CASSÉ le Romantisme par des gags, MAIS TOUJOURS en lui laissant sa force émotionnelle. La dialectique de la dynamique des forces en présence est éclatante. Seules ombres au tableau, la pièce elle-même qui n’est pas très intéressante et est par moments fort bavarde ; et puis, -ceci accentuant ce que je viens d’écrire- la troupe, qui est celle de la Schauspielhaus de Hambourg, ce qui veut dire qu’elle est hautement professionnelle mais « germaniquement » pesante, avec une allergie au rythme qui est regrettable. Mais Savary connaissait l’écueil, puisqu’il n’a en rien eu le choix de la distribution. Et la multiplication de ses trouvailles emporte l’adhésion. J’ai cité deux références, Chéreau et Besson, mais n’allez surtout pas croire à des influences. NON ! C’est le MAGIC CIRCUS appliqué à un texte, MAITRISÉ, discipliné, amputé de tout ce qui a pu y voler bas, qui est le grand sous-jacent de la soirée. Une soirée qui, comme dirait le Michelin, valait le voyage.

Ce compte-rendu a son importance car il situe le moment où Jérôme Savary a commencé, parce que sa gestion financière du GRAND MAGIC CIRCUS était désastreuse, à accepter à l'étranger des contrats rétribués au service d'œuvres qu'il n'aurait pas conçues à la base.Il allait bientôt s'y engouffrer, et notamment dans l'univers du lyrique.N'est il pas devenu, en fin de carrière, directeur de l'Opéra Comique de Paris?  

6.11 – La question est de savoir s’il est justifié de monter HAMLET en 1975. Personnellement, vous le savez, je ne verrais aucun inconvénient à ce que ces monuments du Passé soient enfermés dans une Pyramide à laquelle auraient accès seulement des archéologues à la recherche d’enseignements sur les civilisations disparues. Car je ne crois pas que cette « culture »-là soit promotrice pour l’homme. Elle ne dépasse en tout cas pas pour moi l’intérêt que me suscite par ailleurs un musée – mince il est vrai.
Et je m’étonne que des jeunes gens  en mal de s’exprimer ne trouvent rien de mieux à faire que de s’amuser avec ces reliques patrimoniales dont la forme est périmée et les contenus dépassés. Excusez-moi, mais les « réflexions » shakespeariennes sur la vie et la mort, sur l’existence et sur la folie, sur la flagornerie et sur l’exercice du Pouvoir ne m’intéressent PAS, parce que ces « pensées » sont celles d’une classe dominante, qui par-dessus le marché a disparu telle quelle.
Cela dit, si vraiment il faut monter ces œuvres, alors que ce soit comme l’a fait Denis Llorca en se marrant au point qu’il soit possible de songer à « une mise en pièce ». Tout  y appelle dans ce montage, trahison à la lettre de l’œuvre, puisque on y fait du spectre une machine très humaine animée par les compagnons d’Hamlet ; et d’Horatio le dépositaire d’une « pensée » révolutionnaire; et d’Ophélie une vierge folle hystérique et grotesque ; et d’Hamlet un adolescent grassouillet et insolent, prompt aux jeux violents chers aux universitaires ; et de la Reine une voluptueuse lubrique partouzarde. Le texte des uns est dit par les autres et les tirades sont cassées, et Fortimbras, mystérieux conquérant venu des brumes de Norvège, apparaît comme le sauveur porteur d’un « ordre nouveau » : Ordre nouveau pour QUI ? Le « peuple » est si désespérément absent de toute cette histoire qu’on hésite à voir dans l’happy end une leçon politique. Et c’est cependant un vent de fascisme qui souffle sur ces derniers moments de l’œuvre vue par Llorca.
Singulier Llorca qui est évidemment un homme de droite. Habile trousseur, il fait de son HAMLET un spectacle amusant, étonnant même, surprenant, où l’on ne s’ennuie pas –ce qui est un mérite-, où l’on est saisi par l’imagination déployée, l’invention riche et foisonnante. Et pourtant, la satisfaction n’est point grande car il manque l’épaisseur à cet édifice. C’est du brillant, du clinquant, de la poudre aux yeux. Ce n’est pas PROFOND. Le « Parti » est superficiel. Ce sont quelques idées bonnes, mais ce n’est pas un grand dessein.

COMMENTAIRE a posteriori

Mes réflexions sur l’œuvre de Shakespeare ont  souvent fait ricaner ceux pour qui cet auteur elisabethain est le plus grand génie du théâtre. Alors mettons les pendules à l’heure : je ne conteste pas que les textes écrits soient en langue anglaise du XVIème Siècle d’une grande beauté musicale à entendre. Leur traduction en Français moderne fait perdre à cette harmonie une grande partie de sa valeur.Il existe peu d’adaptations réussies. Mais surtout je m’étonne que tant  de metteurs en scène veuillent faire dire à ce serviteur des puissants de son temps le contraire de ce qu’il exhibe : Prenons l’exemple du MARCHAND DE VENISE. Ce serait une œuvre anti-raciste à cause de la fameuse tirade : « j’ai deux yeux, deux oreilles … etc ». A mes yeux, c’est au contraire un pamphlet anti-Juif qui fait ressortir l’inhumanité du marchand qui réclame de son débiteuren paiement de sa dette  une livre de chair. Plus horrible que cette exigence, vous imaginez ?Anti Juif ici, anti nègre dans OTHELLO car qui est Othello si ce n’est un militaire stupide qui se laisse manipuler au point de révéler sa véritable nature de sauva en assassinant  sa femme sur la foi d’un témoignage qu’il ne vérifie même pas ? Avez vous remarqué que le peuple, disons plutôt la populace, est quasiment toujours traité avec un grave mépris de classe. Les braves artisans du SONGE D’UNE NUIT D’ETE sont décrits comme des imbéciles. Ailleurs ils sont paillards, grossiers, ivrognes. Loin d’être, comme Brecht s’y est trompé, une apologie de la démocratie, CORIOLAN est à mes yeux un éloge du facisme.incarné par le général victorieux qui saura remettre de l’ordre dans l’anarchie plébéienne. Le célèbre discours de Marc Antoine dans JULES CESAR  est une démonstration de la crédulité des gens, de leur versatilité. Je pourrais multiplier les exemples : le peuple n’existe dans la plupart des œuvres  que pour faire rire par sa truculence. Et il est totalement absent de ROMEO  ET JULIETTE, de MACBETH, du ROI LEAR, d’HAMLET … et des RICHARD, EDOUARD et autres ROIS. Ce sont des affaires entre chefs. Voilà : c’est tout. Cette mise au point de ma pensée ne m’interdit pas de rendre hommage à la grandeur à juste titre célèbre de certains morceaux de bravoure ni de reconnaître que Shakespeare fut, à peu près à la même époque que Lope de Vega et Calderon, l’inventeur de ce qui allait être le THEATRE après les siècles d’obscurantisme du Moyen âge. Le mot « RENAISSANCE » lui convient fort bien. Mais qu’on le regarde aujourd’hui comme ayant été « de gauche » : « NON ». 

DÉBUT DE L’ANNÉE 1976

6.1.1976 – On aimerait bien connaître leurs noms, à cette jeune fille plus très jeune qui joue la chatte et à ce garçon à grosse tête qui incarne JEAN DE L’OURS, et aussi, plusieurs personnages signifiés par des gros masques, avec la fougue d’un Vauthier lisant une de ses œuvres. Aucun point de repère : tout ce qu’on sait, c’est qu’ils s’appellent THÉATRE DE FLAGY. Guère de repère non plus pour entendre le « spectacle ». À dire le vrai, je n’ai pas compris ce qui arrivait dans l’ensemble à ce jeune homme né d’une femme et d’un ours. Mais cela se laisse voir agréablement et fortement comme une variation musicale autour d’un thème. C’est imaginatif, et si ce l’est à vide, mon Dieu, n’accusons que le signe des temps ! (Sélénite).

8.1.76 – On ne peut que féliciter le THÉATRE DE L’UNITÉ de s’être attaqué avec PHENOMENAL FOOTBALL à un phénomène authentiquement contemporain. Hélas, ce n’est QUE LE THÉATRE DE L’UNITÉ, et là où Scoff eût été caustique et Savary destructeur, Jacques Livchine est mou, parce qu’il veut tout EXPLIQUER politiquement au lieu de nous le laisser éprouver. Alors son montage, qui se voudrait vivant, avec quasi participation du public, -un groupe de « supporters » très actif y est d’ailleurs mêlé- renforcé par une ambiance sonore de stade permanente, est lourd, pesant, étalé. Là où un flash suffirait, « on nous baille une saynète de 3 à 5 minutes. A-t-il peur que nous ne comprenions pas bien ? Tout est redit et sur redit. Bien sûr au détriment du rythme. Et c’est bien dommage, comme l’est aussi le fait que la troupe soit si médiocre. (Une comédienne en émerge pourtant, Hervée de Lafond. On ne voit qu’elle pendant toute la soirée parce qu’ELLE s’amuse, va jusqu’au bout de ses gestes, paye comptant avec dynamisme. La décrire décrit par antithèse les autres). Médiocrité qui apparemment ne leur fait pas peur puisque le groupe n’hésite pas  à nous « danser » son entrée au stade à la manière de PORGY AND BESS. (Mais où sont la rigueur et la vigueur des danseurs portoricains ?)
Cela dit, même au niveau du didactisme politique, le spectacle ne fait pas le poids : les mécanismes du football commercialisé sont montrés superficiellement mais pas démontés. Et puis était-il utile de greffer des thèmes annexes, comme celui de la femme se revendiquant libre en refusant d’accompagner son homme et les copains au stade ; et celui de la jeune fille qui ne peut pas coucher avec son champion bien aimé parce que sa maman lui refuse la pilule ? Je passe sur l’évasion « littéraire » de la 1ère mi-temps où j’ai pu craindre que le match ne devienne « littéraire » à la manière de J.-F. Prévant ! À ce moment-là, j’ai craint le Pire.  
Soyons justes : on ne s’ennuie pas, dans l’ensemble, et on est même parfois emporté. Ce spectacle a des défauts mais son propos est utile, quoique mal clarifié. À la base même, il est en soi une bonne intention et dans son détail il en est pavé.
Et puis les jeunes supporters engagés ont beaucoup de talent ! Livchine malheureusement n’est ni un meneur de jeu, ni un meneur de foules. Et sa troupe devrait aller à l’école, et penser plus profondément d’une manière moins dispersée.
Mais quoi, l’entreprise reste sympathique et la tentative est un bon exemple pour des Gironès qui préfèrent traiter d’eux-mêmes « à travers les aventures de leurs grands-pères ! ». Livchine au moins n’a pas besoin du rétro pour dire quelque chose.
(Théâtre de la Tempête)

9.1.76 – Faux, archi-faux, tout est faux dans GIGOGNE de René Escudié (Petit TEP), qu’a monté Pierre Etienne Heymann. Le point de départ est invraisemblable : quelle université imaginerait de mettre face-à-face deux hommes enfermés dans un cachot, l’un tirant au sort qu’il sera le gardien, l’autre le prisonnier, afin d’étudier leurs comportements et d’arriver à la conclusion au surplus téléguidée d’avance, que la fonction transforme l’homme ? Et de toute manière qui admettrait qu’une semaine suffise pour que la complicité du début  se transforme en une haine mutuelle allant jusqu’au presque meurtre ?
Dans le SENOR GALINDEZ, le Teatro Payro de Buenos Ayres montrait, il n’y a pas longtemps, quelque chose d’analogue  mais avec une différence fondamentale : les tortionnaires étaient le fruit, non pas d’une spéculation intellectuelle, mais d’un système social, d’un régime politique. Le spectacle d’Escudié Heymann est déraciné de la réalité. Mieux, il nie que cette réalité soit une possibilité contemporaine puisqu’une expérience de laboratoire avec des cobayes grassement payés est nécessaire pour que des étudiants arrivent à se faire une idée de comment on devient victime, comment on devient bourreau ! On croit rêver ! De toute manière, il eût fallu que les rapports décrits fussent exacerbés, violents (pour le moins tendus). Or ils sont mous. On ne peut pas parler de mise en scène. C’est l’inexistence même avec des comédiens débiles de décentralisation de 3e zone. L’un d’eux, un 3e larron, qui joue le balayeur de l’escalier, pour signifier le temps qui passe entre les scènes où s’affrontent les 2 héros principaux, est carrément insupportable. Il faut dire que ce qu’on lui a mis comme textes et comme chansons dans la bouche, est carrément débile. Retenez son nom : Alain Weiss. À NE JAMAIS EMPLOYER !
Une bien lamentable soirée…

10.1.76 – le point de départ d’ÉTOILES ROUGES de Pierre Bourgeade (Petit Odéon) est un peu hasardeux : deux jeunes femmes qui cohabitent et qui semblent être « ensemble » si on en juge par le lit à 2 places unique qui occupe un coin de la chambre conçue par Jean-Claude Ollagnon et Daniel Benoin, se transcendent en s’identifiant, l’une à Rosa Luxembourg, l’autre à Norma Jean (nom de Marylin Monroe avant sa gloire). Pour l’auteur, c’est un prétexte à évoquer les prodigieuses carrières de ces deux femmes. Au début, chacune s’exprime alternativement un peu comme dans KENNEDY’S CHILDREN et ça ne fonctionne pas très bien. Mais bientôt les filles se donnent la réplique l’une entrant dans le « jeu » de l’autre sans pour autant abandonner son propre phantasme, et ça prend une vitesse de croisière qui ne tarde pas à être prenante. Et  vers la fin, on n’est plus tellement étonné de ce parallélisme entre ces 2 destinées qui s’achèvent par la mort, (l’une tuée d’une balle dans le dos, l’autre suicidée aux barbituriques). Pierre Bourgeade, évidemment, nous téléguide une réflexion politique, car, nonobstant la même issue, l’une est évidemment victime d’un système, l’autre bien sûr victime du même système, mais la première en ayant profité la seconde l’ayant combattu toute sa vie.
Vitez, à la conférence de presse attenante rappelait une position d’Aragon qui se dit « pessimiste sur l’avenir proche mais optimiste sur le lointain ». J’y resongeais en étant mis témoin de l’échec de ROSA. En fait, ETOILES ROUGES ne donne à choisir qu’en apparence. La « société » occidentale y est contestée à ses deux pôles. Elle tue ses opposants et elle détruit ses contempteurs. Le réquisitoire est formel, violent et efficace. Il faut dire que cette efficacité doit beaucoup  à la remarquable interprétation des deux héroïnes, Evelyne Ker pour Marylin et Isabelle Ehni pour Rosa. La mise en scène de Benoin semble avoir servi l’œuvre. Elle est nette, vigoureuse, rigoureuse, forte, et ne se voit pas, si ce n’est par les éclairages qui soulignent –à juste titre- les états d’âmes des deux filles.
Oui, c’est un petit spectacle important, car il ne laisse aucune « chance » au monde dans lequel nous vivons. Phantasmes pour phantasmes, ceux-ci sont moins gratuits que celui, récemment vu, -ce qui indique une ligne de forces- de Ludwig…. Ludwig ! C’est pourquoi, sans doute, il est moins bien accueilli par la presse.

12.1 – Ça commence comme L’APOLOGUE de Guénolé Azerthiope, et pendant un quart d’heure, c’est assez réjouissant. Quand Antoine Vitez, tout en mangeant (vraiment) sa soupe, commence à lire LES CLOCHES DE BALE avec un imperturbable sérieux pince sans rire, c’est même désopilant. Hélas ! les plaisanteries les plus courtes étant les meilleures, l’ennui ne tarde pas à sourdre, et l’inutilité du propos à éclater. Au bout de quatre-vingts minutes, on guette où les convives en sont de leur dîner avec la hâte qu’ils en finissent avec cette CATHERINE, et nous rendent à la liberté d’aller tranquillement relire à domicile l’admirable roman d’Aragon qui n’a rien à gagner à cette lecture publique en morceaux choisis.
L’entreprise a été lancée à grands renforts de trompettes et elle est exemplaire de ce que je hais en cette époque de reprise en main de la culture par les serviteurs d’un Pouvoir habile. Car qui détecterait à entendre ce spectacle que l’auteur est un des plus généreux Communistes de notre temps ? Pas moi, en tout cas, et par contre m’est très bien resté inculqué que L’HUMANITÉ était un journal menteur. Ô imposture ! Je regardais Antoine Vitez faire sa besogne au milieu de ce « tout Paris » qui s’emmerdait copieusement, mais qui se faisait complice du « détournement » et était donc décidé à « aimer ». « Détournement » est bien le mot car cette lecture d’extraits ne découle pas du repas montré. Elle lui est juxtaposée et le but élémentaire n’est pas d’illustrer le contenu, mais de faire remarquer qu’Antoine Vitez est une importante personnalité du jour, qu’Antoine Vitez est un nombril qui compte ! Merde ! Merde à cet intellectualiste élitaire ! Merde à cette gratuité astucieuse ! Merde à cette habileté contournante ! Une fois encore, que l’on est loin des BAINS ! Ô traître Vitez, que l’arrivisme t’a gâché. C’est lamentable. C’est triste. J’étais furieux.

19.1 – Pendant une heure, nous assistons aux états d’âmes d’une nommée Reine (nom curieusement occidental, mais c’est compensé par le fait que Catherine Sellers joue le rôle), d’un certain Elie et d’un certain Lali. Dans un style à justifier la charge de Daniel Boukmann lorsqu’il décrit le gouvernement israélien inculquant à son peuple de commémorer sans relâche les malheurs ancestraux des enfants d’Israël, nous les voyons se lamenter : « Oï ! Oï !Oï ! Hélas ! Hélas ! Où pouvions-nous aller, nous, pauvres musiciens juifs chassés de toutes les belles salles de concert dès que nous les avions construites ? Oï ! Oï ! et comme nous avons été méchants avec ces vilains arabes que nous avons chassés de leur village , hélas ! hélas ! mais que pouvions-nous faire ?, Oï !Oï ! Oï ! Il faudrait qu’on se réconcilie tous, Jahweh, Dieu tout Puissant comment faire ? Hélas ! hélas ! Ça va mal pour nous, ça a toujours été mal, ça ira toujours mal…
Ça semble se passer sous le mur des lamentations signifié par des piles de carton d’emballage (Pacchioni ne devait pas savoir que Lassalle avait eu récemment la même idée d’environnement). Et puis tout à coup, un médecin qui a l’air du docteur fou de Treblinka, mais qui doit être Juif puisqu’il dirige un hôpital érigé en Palestine sur l’emplacement d’un ancien village arabe brûlé par les immigrants, fait irruption et nous nous apercevons que les 3 masochistes que nous venons de supporter sont des malades en traitement !
Bien sûr, c’est l’aliénation juive qu’ils signifient, cette aliénation qui empêche le peuple élu de devenir, ce qu’il souhaiterait tant, un peuple comme les autres. Et derrière le médecin illuminé, il y a des infirmières traitantes dont l’une extraordinairement jouée par Paule Annen, réveille constamment les ensommeillés que ce déballage n’irritait pas. Ce qu’elle raconte, son homme qui la trompe, sa joie en apprenant que sa rivale a été victime d’une bombe terroriste, ce qu’elle montre, l’énergie d’une traitante assumant son métier de rééducatrice avec conviction, n’a pas tellement de rapport avec la thèse de Liliane Atlan, encore qu’il s’agisse peut-être pour elle de nous décrire une Juive « positive », mais elle est si parfaite qu’on l’écoute et qu’on respire chaque fois qu’elle entre en scène. Le « traitement », en tout cas, ne réussira pas et à la fin, les « malades » recommenceront leur litanie du début, indiquant par là que le peuple Juif poursuivi par la fatalité n’arrivera jamais à s’en sortir.
LES MUSICIENS, LES EMIGRANTS est tout ce que je déteste, -moi qui crois m’en être quand même sorti, de ce fatras psychique judaïque-, chez les Juifs qui savourent et se délectent de leur malheur ! Diffuse, confuse, touffue, écrite dans un style lyrique qui obscurcit beaucoup la lisibilité du message, tout compte fait ennuyeuse, l’œuvre a tout de même le mérite de poser le problème de la légitimité de la diaspora, et de ne pas traiter les enfants d’Israël en enfants de chœur victimes des méchants Arabes. N’empêche que ce vœu de réconciliation avec ceux qu’on a chassés quand on est arrivé, rappelle beaucoup le vœu semblable exprimé par les Pieds-Noirs d’Algérie vers les années 60 !

20.01 – Juifs à l’honneur pour Juifs à l’honneur, les revoici, vus par BRECHT dans l’admirable scène de l’épouse juive du Dr. Fritz Keith qui choisit de quitter l’Allemagne pour que son mari ne soit pas chassé de l’hôpital, et voici, à travers 7 scènes de GRAND PEUR ET MISÈRE DU IIIe REICH, le peuple allemand aliéné mis à nu avec sa lâcheté, sa veulerie, sa peur, d’une part, l’implacabilité de la mise en place de son système nazi d’autre part. Jean-Claude Fall a très rigoureusement et très brechtiennement monté ces 7 séquences : « Le mouchard », où l’on voit des parents avoir peur que leur fils ne les dénonce aux jeunesses hitlériennes pour quelques propos en l’air est sans doute le plus exemplaire d’une époque que l’on se réjouit de ne plus vivre, du moins dans CE PAYS sous CETTE forme.

27.1 – Le moins qu’on puisse dire est que Jean-Pierre Sarrazac n’a pas choisi la voie la plus immédiate pour nous parler de l’émigration. Le titre dit bien ce qu’il veut dire : LAZARE LUI AUSSI REVAIT D’ELDORADO, comme rêve de faire fortune en Europe et de revenir dans son village riche le paysan actuel turc, sénégalais ou maghrébin. Mais Lazare vit au 16e siècle dans l’Espagne des Conquistadors et c’est en Amérique qu’il rêve de transformer sa condition. Hélas il n’a que 300 Pistoles alors qu’il en faut 500 pour le voyage. Il tombe alors entre les mains d’escrocs qui le dépouillent et le promènent de foire en foire dans un bocal en faisant croire qu’il est un triton ramené des Indes !
Outre qu’il y a, me semble-t-il, quelque confusion à identifier le quémandeur d’emploi sous-payé d’aujourd’hui avec le conquérant de la Renaissance qui partait asservir les indigènes, j’avoue que l’itinéraire de Lazare triton et de ses tortionnaires à travers l’univers superstitieux et obscurantiste du temps choisi n’a paru n’avoir que de lointains rapports avec celui qui est le lot actuel des victimes des passeurs marrons. Et sincèrement, si je n’avais pas eu entre les mains un programme pour m’éclairer sur les intentions de l’auteur, j’aurais sans me méfier cru assister à une historiette sur les mœurs espagnoles au XVIe siècle. C’est assez signifier, je pense, que je ne me suis pas senti concerné. J’imagine que Thierry Bosc, et l’excellente équipe, Olivier Périer en tête, qui joue cette piécette, ont dû être mystifiés par les exposés, autour de son œuvre, du Dr Sarrazac. Car ils ont mis dans l’entreprise beaucoup de foi et de conviction. On ne peut que leur rendre hommage en regrettant pourtant que Thierry Bosc n’ait pas mieux appris, en 5 ans d’AQUARIUM, à discerner l’utile du faux-semblant, le populaire de l’élitaire, et l’action politique de sa simulation. Cela lui aurait évité de monter un spectacle aussi exemplaire de la façon dont les maîtres à penser de l’ère giscardienne entendent, que soit, sur le théâtre, traité un grave problème contemporain ! Je ne voudrais pas faire un calembour facile avec l’histoire du triton, mais c’est vraiment noyer le poisson !

5.2 – J’ai de l’amitié pour Jacques Lassalle parce que c’est un tendre, un pur et un honnête homme –ce qui n’est pas si courant de nos jours. Ce qui est intéressant dans son SOLEIL ENTRE LES ARBRES, c’est ce qui suinte ainsi deci- delà, de cette bonté désabusée, de ce regard mélancolique posé sur un monde perpétuellement agressif, de ce cri JEUNE poussé par des adolescents qui ne peuvent comprendre ni accepter les règles du jeu qui leur sont imposées par ceux qui ont le pouvoir, y compris certains jeunes. Malheureusement, les bons sentiments, la sensibilité, ne suffisent pas à faire un bon spectacle, et je crois qu’à avoir trop structuré, trop anecdotisé, Lassalle a fait perdre de l’impact à son propos. Curieusement, il est très influencé par un certain cinéma, celui de LA RÈGLE DU JEU, d’une PARTIE DE CAMPAGNE, et le procédé du  flash-back qui lui fait raconter son histoire par un mort ou moribond victime d’un accident de moto est exactement celui des CHOSES DE LA VIE.
Mais cette forme, ce langage, s’ils sont satisfaisants pour le 7e art, sont faibles pour le théâtre et l’on est désarçonné pour s’y retrouver dans les fils pourtant très simplifiés d’une intrigue où l’auteur a trop voulu que ses personnages ne soient pas que des signes d’entités sociales. Le psychologique dont il veut les rendre trop denses paraît ainsi plaquée et déroute. J’ajoute que le metteur en scène (qui a bénéficié d’excellents acteurs et notamment d’une très belle fille, nommée Catherine Gandois) ne m’a pas semblé aller au bout des intentions de l’auteur. La folie baigne l’œuvre et j’imagine que dans la tête de Lassalle, ce « jeu » fou, qui reflète le jeu fou du monde occidental, doit être immense. Or il sort bien ici petit. Le vent de l’Histoire ne passe pas, et c’est dommage. C’est dommage, oui, que l’entreprise ne soit qu’estimable. J’aurais aimé que Lassalle fasse mouche. Je ne puis que dire qu’il reste à suivre.

6.2 – La forme n’est pas jeune, et le spectacle fonctionne par des moyens empruntés au « théâtre d’atmosphère » : silences denses, bruits, musiques aliénantes.
Reine Bartève –qui m’a irrésistiblement fait songer par son jeu à Arlette Reinerg- n’a rien à foutre de la distanciation. Elle ne cherche ni à expliquer, ni à démonter le phénomène arménien. Elle exprime un état d’âme, qui est celui d’une déracinée sans patrie perdue sur un quai de gare peu importe où, escale entre 2 inconnues. Elle vise au cœur, point au cerveau. C’est insolite par les temps qui courent, mais cela « marche », et l’on est même surpris d’être atteint par des acteurs qui jouent les situations en semblant les éprouver, les vivre, et non les commenter. « Le « fait historique » d’un peuple exterminé, asservi, disséminé, victime des traités de partages entre zones d’influences des grandes puissances et n’est qu’évoqué, et en fait, l’ARMENOCHE ne traite de l’Arménie que d’un point de vue de référence. Cette femme seule sur un quai de gare, paumée, sur la défensive, agressée mais capable de tuer, me fait penser aux héroïnes du premier Anouilh (Eurydice) qui ne tenaient pas leur déracinement d’une conjoncture politique, mais d’un phénomène social au demeurant non analysé. Personnellement, cette « Antigone » arménienne m’a surtout paru servir de repoussoir aux autres personnages décrits : le Français moyen de mauvais volonté et le Français moyen de pas mauvaises intentions, mais impuissant.
Là, l’œil de l’étrangère s’exerce avec malice mais la « critique » reste impressionniste, et, pourrait-on dire, superficielle. Le chef de gare qui semble surgi d’ALICE AU PAYS DES MERVEILLES est d’ailleurs là pour souligner que nous naviguons dans l’insolite, dans l’étrange. Je retrouve les lignes de force de LA SENSIBILITE FREMISSANTE et d’OMPHALOS HOTEL, mais cette fois-ci carrément assumées parce que Reine Bartève, à la différence de Winling et de Ribes, n’a sans doute jamais lu LE PETIT ORGANON, et que le THÉATRE SUR LA PLACE ne s’embarrasse pas de « dramaturgie ». Alors QUOI ?
Eh bien, c’est bien. C’est comme ça. On ne s’emmerde pas. Le contenu existe. On sort en ayant une pensée pour les opprimés du monde, et en songeant qu’on n’a pas à se sentir si bien que ça dans sa peau. On est ramené pour la forme à NAÏVES HIRONDELLES. Que ce théâtre ressurgisse, différent seulement parce que le thème du déracinement se politise, est un signe des temps. Naturellement, c’est un théâtre désespérant.

18.2 – Avec MONSIEUR JEAN, qu’il présente à Nanterre, Pierre Debauche nous propose un spectacle estimable. Un écueil était que l’œuvre de Roger Vaillant date d’un temps où la question de la forme au théâtre ne se posait qu’en termes conventionnels et il n’est pas douteux que jouée au premier degré, la comédie, malgré son contenu, nous eût semblé boulevardière. Debauche a su lui donner un air actuel et ce n’est sûrement pas un mince mérite. Ainsi montré, ce jeu intellectuel qui identifie Monsieur Jean, industriel sans scrupule des temps modernes, avec son ancêtre Don Juan, manque cependant d’une dimension d’humour, qui semble avoir été pourtant recherchée, mais que les artistes, accablés sous les degrés, ne parviennent pas à assumer. Car enfin, on devrait rire, me semble-t-il, et même jubiler, or il n’est pas douteux que l’on s’ennuie. (Enfin que MOI, je me sois ennuyé, car cela ne semble pas être le cas de tout le monde.)
Or je ne pense pas que ce soit la faute à Vaillant. Son pari est succulent et parfaitement gagné. Il fait beaucoup d’honneur au patronat, mais, c’est sûr, ces hommes-là existent, de Schneider à Dassault, qui s’entêtent avec morgue, insolence, dans leurs privilèges. Peut-être, la leçon de la continuité historique ayant changé de nature aurait-elle été plus forte si Vaillant n’avait sacrifié à la facilité de faire de son héros un homme à femmes et de son épouse complaisante une pourvoyeuse à la Sganarelle. J’aurais sans doute préféré que la leçon soit plus évidente et que le portrait de Commandeur –le pilote d’un Mirage 1 essayé trop tôt pour des raisons de conjoncture, et qui se casse la gueule- tombât sur le tête de Jean d’une manière moins accidentelle. Adaptation pour adaptation, j’aurais aimé que Debauche nous montrât par un signe qu’aujourd’hui, un accident de parcours de ce type ne suffirait plus pour qu’un scandale éclate, car le magnat aurait des moyens de bâillonner sa presse. La pièce, malgré le traitement qu’elle a subi, date, en ce qu’elle est candide, trop simpliste. Nous voulons maintenant que les mécanismes capitalistes soient démontés, et non plus survolés superficiellement. De même, singulièrement timides m’ont paru les rapports du délégué des ouvriers avec son maître. De tels nostalgiques de la mythologie du grand patron paternaliste disparu existent-ils encore ? Je me le demande. Peut-être chez quelques très vieux militants socialistes. Mais ils ne seraient plus exemplaires.
Ainsi le rajeunissement concocté par Debauche sort-il un peu insatisfaisant. Il ne suffisait pas de s’en prendre à la forme. Il fallait probablement s’attaquer au fond, réécrire. Etait-ce possible ? Je n’en sais rien, mais le certain est que tel quel le spectacle n’a pas de valeur dénonciatrice, ne s’inscrit pas dans le cadre d’un combat politique, ce qui était son propos pour Vaillant à l’époque.
C’est pourquoi je regrette que la drôlerie ait tant été gommée. Le rire franc et massif eût peut-être conféré à la réalisation actuelle un impact que je ne lui ai guère trouvé.
Mais ne soyons pas chien : Debauche, qui était bien mal parti ces dernières années, « réémerge » de façon intéressante. Puisse le succès lui rendre du dynamisme.

19.2 – DIVINES PAROLES appartient à une série d’œuvres de Valle Inclan publié en 1917 sous le titre global : « Retable de l’avarice, de la luxure et de la mort ».
L’influence du Grand Guignol y était grande, mais l’auteur n’avait pas encore inventé l’ESPERPENTO, c’est-à-dire « la réalité telle qu’elle apparaît dans les miroirs déformants dont s’orne, à Madrid, la rue del Gato ». Réaliste, résolument, était donc dans l’écriture cette tragi-comédie paysanne où l’on voit les misérables membres d’une famille s’entre étriper pour un héritage constitué par l’enfant difforme, d’une femme morte d’une maladie vénérienne, qu’on trimballe de foire en foire pour tirer quelques sous de son exhibition. Au milieu de la pièce, l’enfant meurt et une seconde intrigue prend le pas : une femme de sacristain consomme l’adultère avec un voyou. Poursuivie par la foule, elle est traînée nue devant son époux qui, saisi de désir, veut la sauver. Prononçant en espagnol la phrase du Christ : « Que celui qui n’a point péché, lui jette la première pierre », il ne parvient pas à apaiser la fureur populaire. Mais il la jugulera, frappant de stupeur le peuple, en proférant les mêmes mots en latin, la langue divine !
Il faut espérer que Valle Inclan entendait stigmatiser l’obscurantisme, ce qui semble ressortir de la suite de son œuvre, qui s’infléchira vers 1920 avec LA FARCE ET DEBAUCHE DE LA REINE DE CHEZ NOUS, vers la satire politique et sociale.
Utilisant ce matériau qui nous est fort étranger, et d’autant plus que la Cie Nuria Espert joue en espagnol, un espagnol paraît-il fort beau mais tout à fait hermétique à mes oreilles françaises, Victor Garcia a réalisé un superbe spectacle, modèle de beauté et de rigueur. C’est la scène ultime qui lui a inspiré d’environner l’œuvre avec des éléments d’orgue, très maniables, qui paraissent un peu gratuit dans la première partie, mais qui prennent toute leur valeur quand l’engin se referme sur l’héroïne coupable, l’engloutissant dans un monde auquel nous n’avons pas accès. Sur la grande scène de Chaillot, isolée des spectateurs par un fossé large, des rais de lumière surgissent, traçant les itinéraires. Il n’y a pas une attitude qui ne soit transposée et assumée. Nous sommes hors du réalisme et cependant les pauvres hères qui mènent les intrigues nous sont présents avec évidence. Surtout peut-être, Périnetti peut-il remercier Garcia d’avoir fait entrevoir les possibilités de Chaillot. Son travail est magistral.

27.2 – On songe évidemment aux LÉGENDES À VENIR et au NUAGE AMOUREUX, en « écoutant » LE CHANT DU FACTEUR que présente aux 2 portes le groupe Organon. On y songe d’autant plus que certains poèmes de Nazim Hikmet dits dans ce spectacle ont déjà été illustrés par Mehmet Ulusoy. En fait, il faut oublier les références, car si le « théâtre d’Ombre » est plus présent encore dans « agencement et coordination générale » de Patrick Morelli, que dans ceux du théâtre de Liberté, la démarche n’est pas la même. Là où il y avait une volonté de totalisation du théâtre, ici, il y a réduction à l’essentiel : les textes sont dits et chantés –très bien- le plus souvent off et sonorisés. La spectacularisation est limitée à l’image. Image mouvante, artisanale, inspirée par la tradition turque, mais re-digérée pour que l’universalité du propos soit retrouvée, point cinéma puisqu’elle est manuellement animée, étayés par des personnages masqués muets qui simulent l’un Nazim dans sa prison, l’autre le « pauvre » éternel et omniprésent. On peut parler de sobriété quoique la richesse et la diversité des formes montrées soient grandes. On goûte, sans être « dérangé », avec un plaisir infini, les textes du poète, qui à eux seuls valent le dérangement car ils sont admirables, non seulement formellement, mais de contenu, un contenu qui ne peut qu’atteindre, émouvoir, transporter, un spectateur de bonne volonté au XXe siècle. Je me souviens avoir naguère réclamé des auteurs qui nous donnent ENVIE du communisme. Ignorant que j’étais alors : il y avait Nazim Hikmet, et il y avait Maïakovski. L’un fait songer à l’autre. Tous deux étaient animés par une FOI immense. Pour eux, « les lendemains qui chantent » n’étaient pas une phrase creuse. Ces lendemains, hélas, qui nous étaient prédits pour la fin de ce siècle, ne semblent plus tellement proches ! Et c’est là que les professions de Foi du Groupe Organon me paraissent être à suivre. Cette troupe, finalement pas très « théâtrale », entend traiter les problèmes de notre temps, et à cet égard le spectacle qu’elle annonce sur les intellectuels face aux ouvriers risque d’être important. L’actualité de Maïakovski comme celle de Nazim Hikmet, a aujourd’hui un petit goût amer et comme désespérant. On est pris de vertige en mesurant le chemin parcouru à rebours depuis qu’ils ont clamé leurs messages. Il faut donc reprendre les problèmes à bras le corps. J’espère qu’après cette excursion aux sources de la Foi, le groupe Organon se consacrera désormais vraiment au combat.

2.3 – Lorsque j’avais vu il y a un an (je crois), les clowns Macloma, j’avais été intéressé par le fait que ces hommes mettaient leur art au service d’un contenu politique. Mais je les avais trouvés techniquement pas très prêts.
Depuis, ils ont travaillé, et HÉROZÉRO qu’ils montrent à la Cartoucherie (Aquarium) est remarquable de maîtrise, de rigueur, de fantaisie jugulée, d’effets calculés, d’attitudes et de mouvements réglés impeccablement. C’est du grand Art de clown, et l’ennui, c’est que le contenu a disparu avec la fraîcheur et qu’on se demande à quel public, ni adulte ni enfant, peut bien s’adresser ce divertissement pur. Et l’on finit par se dire que si les patrons de cirque ne font généralement appel aux confrères des Macloma que pour des interventions courtes, éparses, durant le spectacle, c’est qu’ils ont réfléchi à ce qui m’a sauté aux yeux : on ne fait pas un grand spectacle avec un Art mineur.

COMMENTAIRE a-posteriori

Evidemment je n’écrirais plus un tel article après que 40 ans se soient écoulés. Non seulement les MACLOMA ont fait école mais beaucoup d’autres les ont rejoint en France et à l’étranger et certains clowns ont su porter cet art à un très grand niveau. Mea Culpa pour cette erreur d’apréciation.

4.3 – LE RIRE DU FOU, c’est le GUIGNOL de Gabriel Garran. Mais là où Maréchal fonçait au 1er degré avec lourdeur pour contester la politique culturelle envers la Décentralisation, et pour se décerner des autosatisfecit, le directeur du Théâtre de la Commune d’Aubervilliers use de l’art de la transposition et n’hésite pas à traiter de lui-même avec complaisance, certes, mais aussi avec masochisme et humour. Le voici donc, incarné par François Darbon, directeur de la « Niche », asile psychiatrique de la périphérie, employant des méthodes nouvelles pour soigner des malades, enfants terribles, mais bien gentils au fond, qui ressemblent à des comédiens de troupe à s’y méprendre. Il est secondé par un intendant œil du Pouvoir et partisan de la manière forte. C’est Lalande qui l’incarne mais j’y ai détecté, je crois pas à tort, des traits de Josiane Horville. Toujours est-il que ce brave directeur foncièrement généreux et confiant, patient et pourtant sans illusions, a des ennuis avec ses bailleurs de fond. Ceux-ci n’approuvent pas sa gestion. Son bureau est un enfer où carillonnent sans cesse des téléphones porteurs de messages de blâmes. Est-il au moins l’objet de la reconnaissance de ses pensionnaires ? Point ! Ceux-ci ne voient midi qu’à leur porte et vont même jusqu’à foutre le feu à la baraque à l’issue d’un long acte qui cause et pense beaucoup. Garran y montre sa tendresse pour ses « partenaires sociaux », mais c’est une tendresse amère, impuissante. En fait, le spectacle pourrait s’arrêter sur cet incendie constat d’échec, mais le metteur en scène veut montrer ce qu’il sait faire, et quoiqu’il s’en prenne à la « fête » poudre aux yeux, alibi de la bonne conscience (l’allusion au Magic Circus est presque claire), il nous en baille une, en forme de spectacle de cirque. Pour ce happy end (qui dure plus d’une heure), il fait déménager les spectateurs et nous quittons le salle bien connue dont le plateau a été agrandi, pour une polyvalente toute neuve où tout de suite, le rapport s ‘établit mieux, plus direct, plus intime, plus concernant. On s’amuse durant cette 2e partie et surtout on admire ce que savent faire les acteurs au niveau des jeux du cirque. Amélie Prévost, François Joxe et Gilles Tamiz méritent une mention spéciale. Il est dommage cependant que ça n’en finisse pas de finir, sans conclusion d’ailleurs, chacun demeurant sur ses positions dans un monde hiérarchisé où il ne fait pas bon vivre entre deux feux. Cette espèce de testament de Garran n’est pas sans qualités littéraires et il est très bien monté. Hélas, il dure une heure de trop ! C’est une œuvre où un homme a mis beaucoup de lui et cela se sent. À tout le moins, doit-on souligner que l’entreprise est sympathique. Mais est-ce par un supplément de masochisme que Garran a fait jouer son « personnage » par un Darbon que je n’ai jamais vu aussi exécrable. Cela éclate d’autant plus que le reste de la distribution est excellent.   

5.2 – Au temps où le jeune bourgeois que j’étais se délectait aux jeux d’intelligence, j’aurais adoré ROZENCRANTZ ET GUILDENSTERN SONT MORTS, comme j’ai adoré ELPENOR de Giraudoux et HAMLET de Lafforgue. Il est vrai que le style de Tom Sheppard est difficilement référenciable. C’est certainement une clé que de savoir qu’il est tchèque d’origine. L’humour d’un Hasek ou d’un Kundera fait penser à celui de l’Anglicisé, mais l’aspect joute oratoire qui caractérise le dialogue entre les deux compères n’est pas sans évoquer celui de Beckett. Il y a du Vladimir et de l’Estragon dans les 2 étudiants médiocres mis en gros plan lorsqu’ils sont chargés de convoyer vers l’Angleterre un Prince Hamlet destiné à la Mort, et notamment dans la façon qu’ils ont de passer le temps.
Je crois que la pauvreté a susurré à Prévand une idée de génie en lui inspirant de remplacer les quelque vingt protagonistes de l’œuvre par un seul, un Acteur, le chef de la troupe des comédiens de Shakespeare, qui les incarne tous avec l’aide de quelques poupées. Ceux qu’il ne peut pas signifier nous sont « montrés » off à l’aide de raies lumineuses colorées : le Roi et la Reine sont ainsi dématérialisés. Et quant à Hamlet même, son absence de corps baigne, peut-on dire, la totalité de l’espace scénique. Cette pauvreté lui a aussi suggéré beaucoup d’astuces au niveau du « décor », et son petit théâtre transformable en bateau est une merveille d’ingéniosité.
De toute manière, Arditi, Moreau, Hardouin sont excellents et le 1er singulièrement fin et drôle. Peut-être pourrait-on chicaner en disant que l’acteur en fait un brin trop, qu’il est un peu trop « acteur » conventionnel. Sans doute l’était-il chez Sheppard, mais noyé dans la foule des comparses. Ici, il est omniprésent. Le certain, c’est qu’il y a 10 ans, dans la mise en scène de Claude Régy, j’ai le souvenir d’une ennuyeuse soirée. Hier avec Prévand, j’ai passé un divertissant moment et si j’ai eu parfois une impression de décrochage, ce ne fut qu’en de brefs passages à vide. J’ai toujours été récupéré à temps, amené à sourire quand le sommeil risquait de gagner. Sourire, rarement rire. Ou alors, d’un « rire intelligent » c’est-à-dire à gorge déployée.

 6.3 – SOUVENIRS D’EN FACE ou LES RÉDUCTEURS DE TETE, spectacle de Pierre Friloux et Françoise Gedanken est une bonne surprise. Si bonne, qu’on est en droit de penser que si cette troupe, au lieu de se produire obscurément à l’Ecole Normale Supérieure, le faisait au Festival de Nancy, et si, au lieu d’être parisienne, elle était américaine, anglaise, ou quoi que ce soit d’étranger, elle ferait novation. Il faudrait que Ninon Karlweiss la « découvre ». Elle aurait alors les chances de promotion qu’elle mérite et Colette Godard y regarderait à deux fois avant de faire sa moue. Certes le thème de l’aliéné et de ses soignants ne m’est pas très proche, sans doute parce que je me crois désespérément normal, mais il est clair que la démystification de la psychiatrie est un sujet actuel. Le spectacle en survole l’histoire dans un esprit dénonciateur, allant de la folie « dans la Cité » (aliénations, luttes sociales, agressions) à la folie dans l’hôpital et à l’Académie des Sciences, en passant par celle qui, au cours des siècles, s’est canalisée en carnavals divers. On voit des fous, mais le spectacle ne traite pas de la folie EN SOI ; c’est par rapport à la Société, qu’il nous montre les « différents » ; une société qui évidemment en a peur et est impuissante à guérir ce qu’elle a secrété en son sein.
Des textes sur ce sujet eurent été bavards et abscons. C’est pourquoi Friloux et Françoise Gedanken ont cherché pour s’exprimer  un autre langage. Ils l’ont trouvé dans un ralenti quasi-permanent, qui bien sûr fait songer à Bob Wilson, mais à quoi, de temps à autre, ils opposent le rythme ordinaire des « normaux ». Ainsi le déphasage est-il physiquement traduit, avec l’aide de quelques sons très pudiques, les uns vocaux, les autres émanant d’un étrange instrument recourbé que le programme appelle un « greunieunieu ». Une sonorisation nous rappelle par instants que la ville existe et qu’elle poursuit sa vie, indifférente.
Tout a été très soigné. Les éléments de décor sont très exacts, très astucieux et certains sont étonnants comme la « machine à rectifier » auxiliaire du « grand patron » de l’hôpital moderne, dont les décisions sont sans appel. –
« Quand est-ce que je sortirai, Docteur ? –Mon vieux, cela dépend de vous ! » et il tranche : « traitement comme ci, comme ça, terminé »…
Et la discipline des acteurs, assez nombreux, est remarquable, et clairement le fruit d’un travail en équipe qui n’a pas été superficiel. Oui, ils sont un peu « jeunes », oui, certains trahissent des accents, mais ils sont d’une précision, d’une rigueur, que beaucoup de leurs aînés devraient imiter. Tout est « expression corporelle », si on veut, « pantomime », si on préfère. En fait on est au-delà des classifications et c’est peut-être en quoi cette réalisation devrait être considérée comme importante. Le niveau des « exercices » est largement dépassé, et il est très intéressant de les voir utilisés comme ils le sont, au profit d’un contenu qu’ils servent…

6.03 - … Et ceci m’amène à évoquer la présentation que le THÉATRE MAGENIA a fait à Orsay il y a quelques jours : là aussi il y a recherche d’un langage sans paroles, MIME, pantomime, étayés sur une formation de DANSE.
Ella Jaroszewicz est certainement un excellent professeur et ce qu’elle veut démontrer, à savoir qu’une troupe de mimes danseurs pourrait être à la base d’un étonnant spectacle, éclate. Mais la digestion du propos n’est pas faite et ce qu’on voit est l’aboutissement d’un travail théorique parfait. Reste maintenant à y appliquer un « scénario ». On verra alors si cette recherche n’est que ART POUR ART, ou si, ici, comme chez Friloux / Gedanken, l’ART deviendra moyen.