Une certaine histoire du théâtre

4-03-72    Il est bien évident qu’il est plus difficile d’épater la galerie dans une salle de MOBILIER NATIONAL au bout de la rue Croulebarbe, qu’à PERSEPOLIS devant le tombeau d’Artaxerxès. D’autre part, ce n’est pas la même chose de jouer une pièce au texte écrit en langue occidentale, et de promouvoir comme ce fut le cas en Iran le langage futur de la communication entre les hommes. Ce langage, Peter Brook l’a maintenu à titre de signe au début de KASPAR, mais ensuite, force lui est bien de faire causer ses acteurs en français. La pièce de Peter Handke recèle un contenu profondément subversif : c’est un “match”, un combat violent entre “un enfant sans âge, sauvage, sans passé, sans société”, et la SOCIÉTÉ au moment où il la rencontre. “Seuls les mots sont autorisés. Tous les mots sont permis”. Il est clair que dans une représentation fidèle, Kaspar s’exprimera en un torrent de mots, chacun ayant une virulence et l’ensemble étant fait pour fouetter en plein visage les spectateurs. Dans la ligne d’OUTRAGE AU PUBLIC, c’est une provocation aux bourgeois de bon goût et à toutes les formes de confort.
    Au Centre International de Recherche Théâtrale, j’estime que j’ai vu une représentation complètement traîtresse du propos. Il paraît que chaque séance est différente des autres et qu’au début de la série, les artistes “se bornaient à jouer fidèlement la pièce”! Voire. En tout cas hier soir, sous prétexte de recherche, je n’ai entendu du texte que des bribes informes et j’avoue que si je n’ai pas bien saisi la démarche de la recherche en question, par contre, j’ai dû à ma connaissance de la pièce d’être l’un des seuls à voir qu’on assassinait une oeuvre POLITIQUE. Paris, capitale de la “liberté”, affiche KASPAR dans une mise en scène de Brook et cela est imprimé aux quatre coins du globe. Mais les privilégiés admis dans le cénacle ne reçoivent RIEN du caca que Handke a voulu chier sur eux. Ils sont voyeurs d’une recherche dont l’aristocratisme est tel que je défie quiconque d’y démêler un fil. Alors bon! Recherche, moi, je veux bien! Mais je ne suis pas trop d’accord avec celle-là! C’est François Marthouret qui joue Kaspar. Il se contorsionne et crie bien, bêtifiant à souhait comme dans l’ÉTÉ. Cette bêtifiance non plus, n’était pas, je crois, voulue par Handke.

9-03 -    LES AVEUGLES de Materlinck, “joué” au Grand Palais dans une “mise en scène” d’Henri Ronse, est un “spectacle” plein de rigueur et d’austérité! Des vieillards aveugles des deux sexes “attendent... et tous semblent avoir perdu l’habitude du geste inutile... De grands arbres funéraires... les couvrent de leurs ombres fidèles... Il fait extraordinairement sombre, malgré le clair de lune qui, ça et là, s’efforce d’écarter un moment les ténèbres des feuillages”. Ce texte ronéotypé dont je n’ai copié qu’un extrait dit bien le climat de la représentation : pénombre profonde. Mise en place des personnages fixe dans des attitudes très élaborées qu’ils gardent pendant 1h30. Sans aucun déplacement. Texte dit hors de toute psychologie dans l’exclusive recherche de la musicalité de la langue. Vous seriez surpris, je pense, que je n’ajoute pas que bercé par cette monotonie voulue dans cette lumière en veilleuse, j’ai fait un somme assez mélodieux! À la sortie, j’ai revu Ronse avec d’autres yeux : irrésistiblement, il m’a fait penser à Jean-Marie Patte!


DE QUELQUES OUBLIÉS

injustement?

23h le même soir       L’ANTITRAGUS de Roger Le Gall,one man show joué par Robert Viard à l’Absidiole est un texte plein de délicates drôleries sur les thème de la solitude : un homme chez lui. Il soliloque tout en mangeant, en se déshabillant, ses phantasmes affleurent, il s’excite, s’exalte. On rit beaucoup, mais ce n’est pas si drôle que ça au fond. Ca finit dans une sorte de folie. Il y a un langage, un style d’auteur. L’interprète ne fait peut-être pas tout à fait le poids. Cela reste au niveau du café-théâtre. mais ce n’est quand même pas mal!

10-03 -    Le premier contact avec l’ANTIGONE de Guy Kayat dans le désert du théâtre 71 de Malakoff est favorable, car on voit des espèces de bustes blancs grossièrement façonnés qui sont éclairés avec harmonie et qui esthétiquement font un effet assez saisissant. Plus tard, j’ai appris que ces sculptures étaient faites dans une matière dont Kayat au cours du spectacle nous montre les vertus : d’un bidon coule un liquide. Et puis il s’enfle, prend du volume, se solidifie. Il paraît qu’on peut aussi habiller des corps humains avec ce mystérieux produit, encore que l’émulsion se chauffe à 60°.
    Kayat a expliqué au débat qu’il voyait dans ANTIGONE une gauchiste : son acte est irréfléchi, irresponsable et d’ailleurs à la fin, elle se donne la mort sans attendre le succès de son entreprise, ce qui est le signe de son immaturité politique!
    Heureusement qu’il y a eu le débat, parce que je n’avais pas du tout perçu cette intention à la représentation. J’ai vu avec mes yeux qui par instants avaient tendance à clignoter, une recherche de beauté pure assez austère et pleine de rigueur. Mais je n’ai pas détecté de parti vigoureux. Certes, le texte français de Claire Lise Charbonnier se veut signifiant par instant et “dégagé des références mythologiques”, voire assez plat et familier. Dans les déraillements à la pensées de Sophocle, il est loin d’avoir l’exemplarité de celui de Brecht. J’ai entendu une certaine inégalité dans la façon dont s’exprimaient les acteurs, les uns refusant toute psychologie, les autres au contraire, tel Créon “mettant le paquet” comme s’il n’y avait pas eu de direction d’ensemble. Il y a de belles idées tel Tirésias à trois têtes et trois corps féminins. Catherine Lambert qui dit le texte de Tirésias fait passer quelque chose.
    L’utilité de ce montage aristocratique dans le contexte de Malakoff me paraît douteuse et en somme, pour résumer mon impression, c’est le mot de “gratuit” à tous les niveaux que j’ai envie d’employer. À commencer par le dispositif : comment justifier de jouer autrement qu’à l’italienne si ce n’est pas pour chercher un “autre” rapport avec le public? Ici, nous sommes assis de chaque côté de l’aire de jeu mais le spectacle ne nous en est pas moins octroyé. Au débat, Kayat a expliqué en référence aux bas reliefs égyptiens, qu’il y avait voulu montrer une représentation de profil. Évidemment c’est une motivation, mais il faut vraiment être mis au parfum pour la deviner. Et au surplus, je ne vois pas quelle est la valeur du contenu d’une telle idée! Somme toute, Kayat n’est pas un serviteur de texte! il y plaque ses propres envies, extérieurement. Après tout, Sophocle n’a rien à perdre. Reste une certaine grandeur et une belle beauté pure.

14-03 -    Je n’aurai aucune pudeur à cacher que certains jeunes m’agacent : ceux qui posent leur revendication en terme de RACISME envers les vieux, oubliant qu’après tout les vieux ne sont pas autre chose que des jeunes ayant vieilli, c’est-à-dire ayant passé un certain cap. En voyant s’exprimer sur la scène du Lucernaire à 18h30 les trois filles et les trois garçons de l’équipe de Gérard LOUAULT : FAUT TOUT REPENSER, PAPA, j’ai envie de demander à ces adolescents : “Et vous quand allez-vous devenir nègres?” On m’explique (en coulisses) que je n’y comprends rien, que tout est changé, qu’en effet jusqu'à présent, quasi tous les jeunes ont accepté le système après avoir jeté leurs gourmes, mais que l’actuelle génération ne se modifiera jamais : eh bien, j’en accepte l’augure. Cela voudrait dire que la RÉVOLUTION n’est pas loin. Mais je suis sceptique! Quant à la forme du spectacle, et bien ce n’est pas mal, c’est propre. Je n’avais pas vu IL NOUS FAUT DES FOUS. Si c’était de la même eau, je ne comprends pas l’enthousiasme qu’ont montré certaines personnes.

Eh bien voyez vous, je n’ai pas gardé souvenir du spectacle, mais le titre était génial et il m’arrive de le citer dans pas mal de circonstances.

14.03 -    20h30
    Être nus ne suffit pas. Certes, les Académies de Jean-Loup Philippe et de Laurence Imbert sont agréables à considérer, surtout celle de cette dernière, qui est vraiment très bien faite malgré une cicatrice d’appendicite un peu trop voyante qui ressemble à un second nombril. Mais pour faire 1h30 de spectacle, il faut intéresser. Or, NUS ET BLEUS, l’oeuvre de Jean-Loup Philippe jouée, m’a été tout à fait incompréhensible. Pour être gentil, disons qu’il s’agit d’un univers TRÈS intime à l’auteur, une réflexion poëtique TRÈS ésotérique et fortement introvertie. Ni les mots, ni le jeu n’éclairent le spectateur et j’avoue avoir nagé, me demandant si j’étais balladé sur une planète de science-fiction ou sur une terre en fin de partie, à moins que ce ne soit sur une île déserte pour naufragés crépusculaires. Les deux interprètes semblent ressentir intensément ce qu’ils disent. Mais ils sont bien les seuls dans la salle! Jean-Loup m’a donné un clef en me disant que c’était une pièce sur la mort! Peut-être en effet, mais comme disait Boileau “ce qui se conçoit bien s’énonce clairement!” Ici, quelle pénombre bon Dieu!

16-03 -    Eve Griliquez a eu de la chance : ayant décidé de voir Graziella Martinez à 22h30 au Plaisance, il me fallait tuer la soirée avant, et c’est ainsi que je résolus de passer à la Gaîté Montparnasse où elle présentait VOUS AVEZ LE BONJOUR DE ROBERT DESNOS. Après ça, je me suis cassé le nez au Plaisance où la danseuse latino-américaine avait décidé de ne pas jouer, mais c’était fait!
    C’est exactement le même principe que pour Boris Vian, des poëmes, des chansons et des sketches. On retrouve Michel Roques et son sympathique entrain d’aveugle heureux. Eve elle-même a appris à s’exhiber moins souvent, ce qui est un progrès sur le spectacle précédent, mais malheureusement le seul car Desnos n’a pas la théâtralité de Vian et ça ne prend pas, ça ne passe pas du tout. On a envie de dire. “Pauvre Desnos, que ne l’a-t-on laissé dormir au fond des livres imprimés où chacun peut à loisir et librement en goûter”. La troupe fait pourtant ce qu’elle peut. On y retrouve Serge Bourrier et Degor , ce dernier égal à  lui-même ce qui n’est pas peu dire!... Et en tête de quelques nanas fort laides, une Brigitte Saboureau singulièrement vieillie donnant l’impression d’une vieille gouine alcoolique. Pénible! Je ne crois pas qu’Ève Griliquèz tienne un filon avec Desnos. Cela dit, accrocheuse comme elle est, on ne sait jamais


DEUX QUI ONT SURVÉCU

Ils n’ont rien de semblable, leurs parcours sont différents. Ils seront peut être oubliés plus tard, mais au moment où j’écris, l’un est encore directeur du théâtre de Gennevilliers. Quant à l’autre, nous allons suivre au fil des pages qui suivent sa carrière

17-03 -    Pour mes 49 ans, je suis allé à Gennevilliers voir MADAME LEGROS de Heinrich Mann monté par “Bernard Sobel” dans une adaptation de “Bernard Rothstein”! Je ne sais lequel a eu moins d’humour, de l’écrivain transposeur ou du metteur  en scène, mais le certain est que le spectacle n’est pas drôle alors qu’il pourrait et devrait l’être au moins par moments. Ne me dites pas que Mann ne pensait pas “farce” lorsqu’il faisait dans sa pièce une large place à la décision de Marie-Antoinette d’octroyer un prix de vertu à cette Madame Legros dont l’histoire nous enseigne qu’elle n’en avait guère, quoique cet aspect soit plutôt gommé par les frères complices de la réalisation française.  Bref, l’aventure de cet opiniâtre bourgeoise qui s’entête à faire délivrer de la Bastille le prisonnier Latude, coupable d’avoir aimé 43 ans plus tôt Madame de Pompadour, est pour l’ENSEMBLE THEATRAL DE GENNEVILLIERS prétexte à enseigner qu’il y avait juste avant la Révolution des classes sociales et que celles-ci étaient en lutte les unes envers les autres. Pour que cela se voit mieux, les  nobles sont tous poudrés de blanc tandis que le Tiers État joue en couleurs naturelles. Il faut croire que montrée avec ce sérieux, cette lutte des classes ne passionne guère le peuple actuel de Gennevilliers car on se bousculait pas aux Grésillons. Pourtant le spectacle est bon, très propre, bien joué avec la plus rigoureuse honnêteté dans des décors décents et réalistes. Il sent un peu la poussière, mais c’est normal. J’aurais sûrement fait des reproches à Sobel s’il avait tenté de moderniser l’impossible à rajeunir. À texte datant, il offre une représentation datante. C’est un scrupuleux. L’ensemble se voit d’ailleurs sans trop d’ennui. 

 21-03 -    J’aurais été Jean-Michel Ribes que j’aurais plutôt convié à la générale de JE SUIS UN STEAK les critiques de variétés que ceux dits “dramatiques”. Ainsi la partie eût-elle été gagnée sûrement. Avec nos paradoxaux à humeur et à arbitraires, je suis un peu inquiet en l’attente des papiers.
    Quoi qu’il en soit,MOI, j’ai beaucoup aimé le spectacle. Ribes a su retrouver l’esprit d’un type de spectacle qui avait fait fureur il y a quelques années à Pigalle. Je me souviens encore de QUELQUES PAS DANS LE CIRAGE déjà fait de la sorte de petits sketches drôles et pourtant denses. L’écueil de ce genre est la vulgarité et Ribes a su parfaitement l’éviter, comme il a su éviter la lourdeur des effets appuyés. Mieux que LES FRAISES MUSCLÉES, le STEAK ne fait point songer à un canular et la revue est structurée. Certains passages sont plus drôles que d’autres et c’est bien normal qu’on éprouve de temps en temps un sentiment de longueur. Cela se resserrera avec le temps. Et de toute façon je crois que ce genre exige des plages d’imperfection. Elles représentent ici un quart de la soirée. Justement, c’est peut-être beaucoup pour des Marcabru et consort. J’ai particulièrement goûté le début, qui est désopilant, le sketch de l’HUMANITOUCHE et de FIGARETTE, celui des méthodes de Pigalle. Il faisait une chaleur à crever dans la salle surbondée du PIGALL’S dont on découvre que c’est un local qui a des problème d’aération.

COMMENTAIRE A POSTERIORI :

Les carrières de ces deux pionniers ne se ressemblent guère mais l’une comme l’autre est quelque part exemplaire :

La Mairie de Gennevilliers vient à l’orée de 2007 d’offrir à Benard Sobel la possibilité (comme on dit) de faire valoir ses droits à la retraite. Cérémonie, petits fours, le Ministre (de droite) s’était annoncé mais fialement s’était fait représenter. En vérité, Sobel , Communiste fidèle à la « ligne » a tout au long de son parcours été un serviteir des ouevres signifiantes des lendemains chantants.  Il a été le seul, le jour de la chute du mur de Berlin, à prononcer un éloge de ce qu’avait été culturellement la R.D.A. J’étais là, venu voir je ne sais plus quel spectacle. Le compte rendu viendra en temps opportun, Mais je me souviens très bien avoir eu les larmes aux yeux en l’entendant dans sa présentation dire : « il y avait un grand Pays. » et puis s voix s’est étranglée et il a enchaîné. Je crois qu’il a été fidèle jusqu’au bout de son mandat au rêve de l’idéal communiste et je tiens à travers ces lignes à lui en rendre acte et hommage

Le parcours de Jean Michel Ribes est, on pourrait presque dire, le contraire : Certes sa « subversion » était plus proche de celle d’un Topor ou d’un Confortès que d’une critique politique et sociale liée à un « parti ». Mais ce qu’il écrivait, et montait, souvent difficilement d’un point de vue économique était « remuant », dérangeant aux yeux d’une certaine fraction du public bourgeois auquel il s’adressait, jeune bourgeois lui même parlant à des jeunes bourgeaois prêts à se transformer en PDG d’entreprises à mesure que, leurs gourmes étant jetées, ils s’intégraient au « système ». Eh bien, c’est ce qu’il a fait : en 2007 il est renouvelé par un gouvernement de droite dans ses fonctions de directeur du THEATRE DU ROND POINT, lieu myhique que vit la fin de Jean Louis Barrault de de Madeleine Renault. Il est devenu  ce que Jack Lang appelait en son temps un « agitateurraisonnable ».

28-03 -    L’ARBRE DE VIE, soit disant spectacle Rainer Maria Rilke, monté par Lili Designe est en vérité un ballet délicat à la chorégraphie mal lisible et à l’esthétisme exacerbé. Une musique moderne soutient les évolutions lentes des acteurs surchargés d’oripeaux. Une sono diffuse de temps en temps des poëmes de Rilke, dits aussi conventionnellement que possible! Ca ne dure heureusement que trois quarts d’heure.

31-03 -    Tombé une fois de plus dans le piège des cafés-théâtre, il m’a coûté 66 Francs de voir L’AMANITE PHALLOÏDE, one man show de et avec J.-P. Sentier à la Vieille Grille. J’ai trouvé que Sentier ferait mieux de se faire psychanalyser. Ainsi serait-ce lui qui paierait, plutôt que nous et celui qui écouterait ses introspections scatologiques et ses angoisses sexuelles pourrait peut-être le soigner. Déballé sur une scène, ce monde intérieur dont il nous fait faire le tour, d’ailleurs avec style et talent, rend un son prétentieux et démodé. Les préoccupations de Sentier ne m’atteignent pas.
    Daniel Laloux, par contre, est drôle dans LE VER SOLITAIRE; j’ai bien ri mais sur un mode mineur. Il y a une écriture, une construction. Reste que le principe-même du one man show me gêne un peu quand il est ainsi pratiqué sans rechercher la moindre complicité avec le public. C’est du théâtre “éloigné”.

QUELQUES RÉFLEXIONS

Les quelques lignes qui suivent illustrent merveilleusement (hélas!) l’état des lieux en ces années qui suivent immédiatement l’effervescence de 1968. La “révolution” était loin et le “pouvoir aux créateurs” allait petit à petit s’installer sans déranger. Il est vrai qu’il ne s’agit ici que des artistes postulant une carrière à long terme de fonctionnaires culturels. En somme, des carriéristes. Mais en avaient ils tous une conscience claire?

“Pion après pion, le pouvoir avance ses billes, et nul ne peut nier que ce soit avec habileté. Maintenant, tout est clair et presque aveuglant : d’un côté, il y a les privilégiés d’un système, de l’autre la masse de ceux qui ne font pas partie de la maffia. Pour être mis complètement à l’abri du soucis financier, les premiers doivent faire leurs preuves : Pompidou avait hérité, de la IVème République et des phantasmes de Malraux, une race de décentralisateurs peu fiables à une discipline respectueuse.On a laissé les mandarins s’enferrer dans les problèmes puis on leur a tendu la perche de contrats destinés à  préciser la nature profonde de leurs liens avec l’État. Pour ne pas avoir à licencier violemment quiconque, on a procédé à des mouvements diplomatiques. Il était plus honorable pour Monnet d’aller à Canossa depuis Nice que depuis Bourges. Opportunément, des irréductibles ont atteint l’âge de la retraite (Dasté). Un maire a eu le bon goût de mourir (Louvel). Un administrateur politisé et manoeuvrier a été affecté à un directeur sans danger (Herlic chez Hossein).
    Quelques hommes de la presse ont intelligemment braqué les projecteurs sur les jeunes en qui ils détectaient de possibles bons serviteurs de la patrie.
     Lucien Attoun mérite la légion d’honneur pour la clarté de sa perception dans ce domaine. Actuellement, il avance beaucoup les noms d’Houdart, de Berto et de Gelas. À quand les prochaines nominations? Brajot et Clermont Tonnerre ont eu l’intelligence de comprendre qu’un directeur de Maison de la Culture ne pouvait pas mener sa campagne contre sa municipalité. Aussi n’ont-il pas hésité à tirer la leçon des élections. À Amiens devenue “communiste”, on a nommé Quéhec. À Aubervilliers, fief rouge irréductible, Garran a acquis son statut de décentralisateur officiel. Le pouvoir préfère cependant, et c’est bien naturel, les animateurs à sa dévotion. Ou à tout le moins ceux qui ne lui posent pas de problèmes, tels Goubert, Laruy, Lesage, Béraud, Maurois, Guiraud. Certains sont vraiment médiocres sur le plan artistique : ça ne fait rien. Pourvu qu’ils ne se fassent pas remarquer, l’État reconnaissant les laissera continuer leurs carrières. Il y a des régions qui votent bien où il n’est pas si pressé d’enculturer qualitativement le bon peuple. Parfois, les nominateurs prennent des risques par ignorance. Je ne suis pas sûr que Dominique Bruschi à La Rochelle soit aussi sage qu’on le souhaiterait. Heureusement, la Préfecture est là, qui fait ses rapports. Dans un an Bruschi sera peut-être muté ou vidé.

note: le malheureux était séro-positif mais ne le savait pas encore.

 “L’État soucieux de montrer au monde un visage libéral éclairé a pourtant besoin de vedettes. Rosner ne semble point répondre aux espoirs qu’on a mis en lui, mais la promotion de Chéreau et Planchon au titre du T.N.P. est une opération de prestige intelligente. Le talent et la notoriété leur confèrent le droit de s’exprimer (presque) librement. Poirot Delpech a eu un mot merveilleux pour qualifier Lang sur qui l’État prend un risque car il est jeune et c’est un chien fougueux : “AGITATEUR RAISONNABLE”. Voilà le rêve du pouvoir  enfin exprimé : mettre aux postes-clefs des agitateurs raisonnables. Le problème est de les trouver. Hossein est une vedette, mais est-il agitateur? Bourseiller fut naguère le premier agitateur raisonnable promu. Mais il a pris confusément conscience de ses contradictions et son esthétisme paraît désormais dépassé. Aussi parle-t-il beaucoup de quitter Marseille. Entre-temps, il est “sage”. L’argent, la “situation sociale” jouent un rôle important pour la mise à raison des vieux Turcs. Être chassé, c’est-à-dire rejeté dans le secteur privé, est dur pour qui s’est longtemps fonctionnarisé. Lafforgue et Clavé ne s’en sont jamais relevé, du moins dans le théâtre, et finalement Gignoux ne s’en tire que comme comédien. Tel sera aussi le sort de Wilson. Reybaz a presque disparu! Seul Tiry a été récupéré dans un poste d’avenir. Mais c’est un excellent serviteur du régime. Il peut encore être utile. À sa structure décentralisée, l’État ajoute maintenant et met sur pied un édifice complet qui permettra de couvrir la France en spectacles officiels, c’est-à-dire contrôlés. Aux Maisons de Culture et aux Centres Dramatiques, s’adjoint le T.N.P. new look qui devra créer en province et séjourner un mois de-ci delà, sorte d’animateur suprême ambulant et de super créateur venant périodiquement montrer ce qu’il sait faire aux locaux privilégiés aussi mais moins que lui parce que moins géniaux. La Comédie Française s’est aussi décourverte une vocation d’errance. Quoique subventionnés à la base pour cette activité, les deux grands se partageront en défraiements et en transports somptueux une part notable des budgets des Maisons de la Culture. Pour le tout venant, le tous les jours, il y a le Jeune Théâtre National confié à Loïc Vollard, guère agitateur, mais très raisonnable. Grâce à son recrutement qui lui permet d’échapper aux discussions avec les acteurs sur les montants des contrats, Le J.T.N. pourra offrir partout des spectacles à des prix imbattables, puisqu’il n’aura à payer que les transports, les défraiements et de petits feux. Séducteur le J.T.N. attire par l’argent qu’il leur offre des metteurs en scène qui trouvent dans son sein une occasion de s’exprimer qu’on leur refuse par ailleurs. Qui songerait à reprocher à Berto d’avoir monté le REMORA dans ce cadre? Et d’apporter son nom à la création que le J.T.N. fera en Avignon cet été? Pourtant, il se fait complice de la manoeuvre du POUVOIR, qui vise à la mainmise sur la totalité de l’action culturelle par le théâtre en France.
    La réorganisation de l’ATAC sous la houlette de Cousseau va dans ce sens. Désormais, organisateur et non plus seulement entremetteur, l’ATAC sera le filtre par lequel chaque année le POUVOIR donnera à quelques troupes du secteur privé la chance de vivre une aventure moins pauvre que de coutume. Trois ou quatre compagnies feront des tournées de 100 représentations, une tous les 4 ou 5 ans...
Elles feront la queue à la porte, apprenant la sagesse et la RAISON pour être plus sûrement choisies. Qui leur jettera la pierre? Ce sera une question de survie et les cadavres des troupes soeurs mortes seront là pour leur apprendre qu’on ne badine pas avec le pouvoir bourgeois qu’autant qu’il veuille bien se laisser flageller.
    Naturellement, la bonne presse n’entonnera pas la chanson de cette manière : on fera ressortir qu’il y a un progrès, que l’État offre à des jeunes animateurs des occasions nouvelles dans des conditions meilleures. Et ce serait vrai s’il n’y avait cette question du CHOIX qui a bloqué toutes les commissions de subvention jusqu'à récemment sous prétexte qu’on ne pouvait pas définir la frontière entre la qualité et le commerce. Maintenant, on ne se posera plus la question ainsi, mais POLITIQUEMENT. N’est-ce pas plus simple, plus net et plus franc?
    J’ajoute à ce tableau que l’ASSOCIATION FRANçAISE D’ACTION ARTISTIQUE sous l’impulsion d’André Burgaud réserve de plus en plus ses subsides pour les tournées à l’étranger aux compagnies officielles. On fait exception encore pour Barrault et Mnouchkine parce qu’ils sont très réclamés par les indigènes. Ils sont d’ailleurs à la limite de l’officiel, notamment Barrault depuis que l’État lui a redonné le Théâtre des Nations. Mais les autres dans ce domaine de l’exportation doivent être sagissimes! Pas question de montrer à nos amis des autres pays des contestataires de la culture. Le Grand Magic Circus se voit refuser tout soutien et pour répondre à une invitation de Londres, il doit exiger de ses artistes qu’ils prennent un risque financier. Le dispositif, on le voit est intégralement en place et il ne lui reste plus qu’à atteindre, ce qui n’est pas encore le cas, le plein rendement de fonctionnement. Si RIEN n’advient entre-temps, le coup pourrait être prêt pour la saison 1973 / 1974.
    Alors, il y aura deux mondes de théâtre (étant bien clair que je ne parle pas ici du troisième qui est celui de boulevard et du commerce, qui vit selon ses lois propres et est d’ailleurs en crise).
    1°- Les officiels et leurs dupes (on pourrait aussi appeler les dupes des “stagiaires”), ces derniers étant des “occasionnels” d’une mise en scène ou d’une tournée ou d’une prise en charge d’un mois à Gémier.
2°- Les libres privés de tout moyen et divisés. Divisés par des diversités d’éthiques. Divisés aussi par la politique du pouvoir régnant : toute action commune de protestation sera toujours mollement suivie par celui qui dans son coeur caressera le rêve d’entrer dans la catégorie des dupes décrits ci-dessus. (Car il vaut parfois mieux être “dupe” que rien).
    Aux “libres”, il restera la ressource de trouver des producteurs privés, mais nous savons bien que ceux-ci n’investissent que dans le théâtre de la troisième catégorie.
    Naturellement, si l’animateur est riche, il sera libre de croquer sa fortune mais je ne connais guère de jeunes gens dans ce cas. La solution sera donc ou bien de jouer au poker, tel Dougnac qui a investi 40.000.000 qu’il n’avait pas dans un spectacle. C’est de la folie pure : on n’est pas à ce jeu jugé artistiquement, mais comme commerçant mal avisé. C’est donc absurde - ou bien de faire du théâtre non pas “pauvre”, mais MISÉRABLE : point de décors ni de costumes. Tant qu’à faire DU TOUT en expliquant POURQUOI.Acteurs au pourcentage. Restera encore à trouver un lieu et à faire connaître qu’on existe. Je ne vois actuellement que la Cité Universitaire sous l’impulsion de Périnétti, qui est un marginal de l’officialité, qui permette de jouer ce jeu. C’est pourquoi j’y présenterai ma pièce LA VIE ET LA MORT DE JULES DUPONT de cette manière et en annonçant clairement la couleur. Mais la Cité U ne peut pas accueillir tout le monde. Il faut passer par le filtre des goûts de Périnetti, qui est susceptible de surcroît et versatile. J’ai conscience d’être privilégié de son accord. ALORS?

parenthèse : André Périnetti n’allait d’ailleurs pas tardé à être viré par les respondables de la cité universitaire qui le trouvaient trop audacieux à l’intérieur d’une structure somme toute hotelière à l’usage d’étudiants étrangers qui, paradoxe, ne s’intéressaient guère à la programmation de ce qui leur était offert sur place. Lorsque ma pièce fut jouée, c’était un certain Caron qui dirigeait les lieux. Sa principale préoccupation était d’empêcher étudiants spectateurs et public ordinaire de fumer dans les salles. Sous son impulsion, ce lieu privilégié du théâtre d’agitation devint très raisonnable.Je crois que mon spectacle, qui ne fut présenté que 3 semaines et fut un demi succès fut le dernier d’une certain ligne. Pour mémoire, cela s’appelait : LA VIE ET LA MORT DE JULES  DUPONT. Le regretté et très aimé Michel Berto y incarnait de façon magistrale un personnage d’agent d’assurance Suisse d’une profonde intégrité chargé d’enquêter auprès d’un milliardaire désireux de souscrire une fabuleuse police d’assurance vie pour estimer si celui ci risquait vraîment de se suicider « au bout de trois ans et un jour » ainsi que la loi l’autorise. C’est Jean Paul Muel qui jouait le riche. Le décorateur Armando Durante avait conçu un décor tout en couleur or. J’y reviens plus loin dans l’ordre chronologique.

“L’idéal pour résoudre tous les problèmes serait la fontaine d’or décrite par DanièlLeveugle pendant les événements de Mai.
Mais l’État se gardera bien, même s’il en avait les moyens, de subventionner tout le monde. Il tient bien trop à à son système qui prime les dociles et momentanément les malins et les forts. Il faut donc s’attendre dans les temps à venir À LA DISPARITION DE NOMBREUSES COMPAGNIES, et à la résignation des survivantes À SERVIR LE POUVOIR.
D’autant plus que je ne serais pas surpris de voir le Syndicat Français des Acteurs raidir prochainement ses tolérances. Cégétiste, il pourrait bien trouver que les troupes “gauchistes” n’ont aucune raison de subsister. Des “mouvements” surgiraient alors au sein des compagnies désobéissantes de ce côté-là aussi, tels ceux qui ont agité le PHÉNOMÉNAL THÉÂTRE sur la fin de la carrière d’UBU ROI. Grâce à ce coup de pied de l’âne, toute vie deviendrait dès lors impossible aux indociles. Comme vous le savez, il suffit d’un loup syndicaliste dans une bergerie pour que les interdictions de jouer aient le droit de surgir en toute légalité et hors de toute notion de censure apparente.
    -D’autant plus encore que l’État dispose, toujours hors de la notion de censure, de divers moyens de coërcission : le MAGIC CIRCUS dérange pour l’instant les billes ci-dessus parce qu’il a SON PUBLIC et qu’il en vit à des tarifs qui interdisent au SFA de protester. Mais Savary ferait bien de surveiller de très près sa comptabilité. Sinon, un jour, le fisc lui tombera dessus et la ponction sera de nature à le frapper à mort. De toutes les manières, il est d’ores et déjà À MERCI puisqu’il ne respecte pas la législation sur le numerus clausus des acteurs non Français engageables par une compagnie française. Certes, s’il est chassé des lieux légaux, il pourra toujours jouer sauvagement en prenant la fuite lorsque les cars de flics arriveront. Mais quelles recettes fera-t-il dans cette optique?
    L'ORBE est en sommeil, le FOLIDROME aussi, Catherine Monnot ne fait rien à ma connaissance, DENTE flirte avec le pouvoir. Gelas entrera bientôt, j’en suis sûr dans un cycle récupérateur et peut-être sera-ce sans rien lâcher de lui-même, du moins le croira-t-il, car il est “esthétiquement” utilisables avec précautions. D’ailleurs, comme Bénédetto, il a l’occasion du Festival d’Avignon pour se faire connaître. On ne peut pas l’ignorer. Existerait-il s’il était un enfant de Montélimar? Comme le MAGIC, Gelas et Bénédetto ont leur PUBLIC. Cela les sauve.  Je pourrais continuer le tour d’horizon. Il y a les “événements” qui surgissent tel  le GRUPO TSE et se sauvent par une commercialité acquise. L’avenir est pour  eux  un pari. Il se peut qu’ils deviennent IMPORTANTS. Alors ils seront “pris en compte”. À chaque générale, la presse joue son rôle de révélateur ou d’enfouisseur. D’une façon générale, elle fait bien sa besogne dans la ligne voulue par le gouvernement qui lui est répercutée par les directions de journaux. Attoun, Lerminier, Colette Godard attirent l’attention par les “bons jeunes”, et leur font crédit jusqu’à 3 et 4 fois sur le plan politique. On sait bien que jeunesse doit jeter sa gourme! Ceux qui persévèrent reçoivent un jour un bon coup de couperet. Ceux qui en réchappent sont des forts. Ils auront droit au respect.
    Naturellement, les communistes bon teint peuvent espérer survivre dans une municipalité de banlieue. Mais au P.C., on se méfie des jeunes et au surplus, je ne connais pas tellement de jeunes animateurs communistes bon teint.
    Cela-dit, ce tableau est-il pessimiste. Il est le reflet du régime dans lequel nous vivons et bien sûr, ce qu’il faudrait, ce serait changer de régime. Mais nous n’en sommes pas là, et du moins la situation qui se dessine a-t-elle le mérite d’être CLAIRE, ce qui ne fut longtemps pas le cas.
    Peut-être les animateurs prendront-ils, confrontés au pire, conscience de ce que, la “sélection naturelle” n’est pas si naturelle que ça. S’appuyant les uns sur les autres, ils pourraient constituer une FORCE. Je pense évidemment à ceux qui ont quelque chose à dire. Où passe la frontière entre les farfelus, les sans-talents et ceux-là? Mon Dieu, je le sais à peu près et risquer une erreur ou deux serait un moindre mal. (D’ailleurs, réparable avec le temps). Que pourrait cette FORCE? Pas grand chose sans doute, mais elle existerait. Et puis il y a une “autre” presse. C’est elle qui a fait le Magic Circus et le TSE. Cette presse-là pourrait sans doute beaucoup pour beaucoup si elle ne se limitait pas à soutenir ses vedettes. Je comprends très bien qu’à ACTUEL, CHARLIE, HARA-KIRI et consorts, on se méfie des promotions hasardeuses.
    N’empêche que ces journaux-là jouent quand même, quoique pour d’autres et avec d’autres motivations, un peu le même jeu que leurs confrères, au détriment des “petits” et des “sans grades”. Comment les acquérir ces grades, si on refuse le flirt avec le POUVOIR, si on n’a pas d’argent ni de lieu? On parle beaucoup de circuit parallèle. Mais hors de l’amateurisme, il est irréaliste. Ceux qui y naviguent ne songent qu’à en sortir (du moins économiquement), quitte à le garder, tels l’AQUARIUM et le MAGIC CIRCUS comme un secteur de coeur. Par quoi se définit-il, d’ailleurs, ce circuit parallèle? Pour les deux troupes précitées, comme un public à atteindre hors des lieux consacrés. Bravo. Mais pour les animateurs qui s’en réclament avec un mépris affiché de la “récupération”? Je laisserai la question ouverte, craignant de n’y répondre mal.
    Sous d’autres climats, tout le théâtre est officiel et seuls les amateurs jouent hors du système. Encore sont-ils officialisés dès que leur notoriété dépasse les bornes de leur entreprise ou faculté. Je ne ferai ni le procès, ni l’éloge de ces données. On sait ce que je pense, hors l’Albanie, de l’évolution des pays communistes. Reste qu’ils sont COMMUNISTES (enfin... vous voyez ce que je veux dire ici et dans quelles limites) et que LA FRANCE NE L’EST PAS! Or ce que l’État met en place est une structure qui s’inspire des méthodes de ces gouvernements. Eux, les emploient, de bonne Foi quoique maladroitement, parce qu’ils croient AIDER le peuple. Mais Pompidou? Mais Chaban? Mais Duhamel, Brajot et Lerminier? Mais A. et C.G., P.D. et C.A.? Ah! Qu’il est bien pavé de fleurs, le chemin qui mène au fascisme! Et que “diviser pour régner” fut une belle maxime! Et puis, il faut manger pour vivre!

Je trouve intéressante ma conclusionde ce temps là. Car en somme, qu’étais-je? un marchand de spectacles, un agent. Je détestais ce mot, dont je trouvais la consonnance péjorative. Elle m’a poursuivie jusqu’à l’orée du XXIème Siècle. Curieusement, libéralisme aidant, Elle est devenue honorable.Mais je me croyais investi d’une mission et je crois que Monique Bertin, mon associée désormais, partageait cette illusion

COMMENTAIRE A POSTERIORI

En 2007, le Capitalisme est triomphant. Le mot à la mode est  le « libéralisme ».Mais la France n’a pas oublié son goût des fonctionnaires et de la bureaucratie et les Pouvoirs successifs ne savent qu’inventer pour multiplier les entraves à la libre entreprise. Etrange contradiction sur laquelle je serai sûrement appelé à revenir.

MAIS REVENONS AU FIL DES REFLEXIONS DE 1972

“Quoi qu’il en soit, NOUS continuerons. Flirtant avec le POUVOIR quand il le faudra pour le service d’une troupe, rusant avec les “amis” que nous y comptons, le contournant à l’occasion et ne le heurtant de front qu’acculés à le faire, nous garderons intacte notre ligne. Poisson, je nagerai entre les  eaux du dérangement. Ce que je veux, c’est faire en sorte que les voix qui se lèvent ne soient point étouffées. Ma limite est que je ne peux rien faire pour des voix sans “ART” puisque c’est de l’”ART” que je vends. À l’affût des résistances, nous les courtiserons telles pour l’instant les “Associations culturelles” qui voient avec inquiétude la main basse faite par l’État, tels les indociles du secteur officiel que nous connaissons parce que nous travaillons sur le tas et que les flics du Ministère ignorent comme tels; et puis nous avons l’ÉTRANGER, tremplin possible de retour (voyez Chéreau!), l’étranger où tout compte fait, ce qu’on attend de la France, c’est qu’elle parle de la LIBERTÉ. Ce n’est tout de même pas par hasard que la moitié de nos correspondants est hors de nos frontière. Notre position est pourtant faible. Mais je trouve, sans boutade, cette faiblesse assez forte. D’ailleurs, on nous cajole!”
   
Pâques 1972
     
SUJET DE DEVOIR POUR UN ÉTUDIANT  d’AUJOURD’HUI
commentez le texte ci-dessus en faisant ressortir, si vous en voyez, les différences avec la situation actuelle

CLÉS POUR CET ÉTUDIANT (sujets à développer):
Influence de la déconcentration politique des pouvoirs en France induite dans la dernière décennie du Siècle
A partir de quel moment et pourquoi le système des “intermittents du spectacle”, qui existait depuis 1965 a t’il  créé des métastases?

RETOUR À LA ROUTINE

7-04 -    Le théâtre de l’Odéon publie un texte de Vitrac où celui-ci rappelle opportunément aux spectateurs de 1972 qui l’auraient oublié ou l’ignoreraient que “surréel” signifie “réel supérieur”, c’est-à-dire “plus vrai que vrai”, un “vrai” qui peut ne pas paraître vraisemblable. En peinture, en littérature, le surréalisme se distingue donc évidemment du “réalisme”. Il est incroyable, dans ces conditions qu’une pièce de théâtre se réclamant du surréalisme soit montée sagement, avec des accessoires et des meubles vrais dans des décors qui n’ont d’autre vertu que d’être “beaux” et “astucieux”, avec un jeu d’acteurs sans dépassement, ni transposition, à grand renfort d’effet s empruntés au boulevard. À pièce “surréaliste” doit évidemment répondre une mise en scène “surréelle”.
    Je n’ai jamais pris Rosner pour un génie et je n’ai jamais pensé non plus que Monloup soit un décorateur qui réfléchisse beaucoup. Qu’on s’en souvienne de son fantastique contre-sens à propos de son dispositif de ‘LA NAISSANCE” qui tuait la pièce de Gatti d’entrée de jeu en figeant les “trajectoires” imaginées dynamiques par l’auteur. “Pauvreté d’imagination”, “contre-sens”, voilà donc ce que nous apportent ces illustres tâcherons de la décentralisation, ces produits montés en crème fouettée par le POUVOIR pour justifier les millions qu’ils coûtent en privilèges.
    L’année Rosner ne sert pas la gloire du décentralisateur du Nord, singulièrement muet d’ailleurs sur son “travail” dans sa région : LE COUP DE TRAFALGAR après PUNTILA pourrait bien lui valoir un coup du sort.
    Et pourtant, quelle belle pièce que ce COUP DE TRAFALGAR, quelle jeunesse dans la contestation profonde. On y retrouve édulcolorés par la mise en scène mais présents les enfants géniaux et juges suprêmes de VICTOR. On y retrouve l’antimilitarisme chronique et la notion de Déserteur et de dérision des valeurs patriotiques, la négation des unions matrimoniales éternelles etc... etc...
    Pour nous, la guerre de mille neuf cent plus tard rend des accents prémonitoires encore que celles qu’annonce Vitrac soit encore à venir. La mystification de la femme qui se rase une moitié de la tête - on ne saura jamais pourquoi - est du ressort d’un univers burlesque indéfiniment moderne. Dira-t-on la “présence” de l’escroquerie au trésor d’Aménophis IV et dans l’ensemble la négation de la culture bourgeoise qui transparaît d’un bout à l’autre.
    Malheureusement, outre le contre-sens déjà évoqué, Rosner a monté la pièce en distanciation brechtienne et quant au troisième acte dans la cave, les acteurs sont écrasés par les coups de boutoirs de la grosse Bertha, cela semble symbolique du spectacle, tant il est LOURD, PESANT. Distribution inégale menée par François Guérin qui fait du boulevard et par Jacqueline Staup qui est plutôt bien. Lucienne Lemarchand est pâlotte mais efficace.

12-04 -    J’ai de nouveau beaucoup aimé ZOO DERNIÈRES que j’avais vu naguère à la Vieille Grille. Pourtant à Bobino, RUFUS m’a semblé un brin déraciné. Le médiocre orchestre POP qui lui sert de repoussoir en première partie fait vraiment remplissage de Music hall. Et l’oeuvre tout de même très nuancée dans le détail que l’artiste joue seul dans ce grand vaisseau ressort un peu perdue.
    La performance n’en est pas moins remarquable. Encore que cette reprise soit en deçà de ce que Rufus avait fait l’été dernier en Avignon. Notamment, du point de vue d’”Aller au bout du jeu”.

13-04 -    Je me suis réconforté dans la pensée que décidément  je déteste Ghelderode. Je vais naturellement faire frémir ses fervents mais je suis résolument allergique à ce style “imagé” et soi-disant si typiquement flamand. Ca sonne hérissant à mes oreilles, ça tinte faux. C’est pour le moins vieux. C’est de la poësie de papa.
    La mise en scène de SIRE HALEWYN par Claude Gaignaire n’a pas contribué à me réconcilier avec l’auteur belge. Elle est tellement au premier degré et “signifiée” lourdement, que le spectacle a frisé l’emboîtage à Châtillon sous Bagneux. Une triste soirée.

14-04 -    COMÉDIE POLICIÈRE est l’aboutissement de l’Art du GRUPO TSE. Les spectacles précédents semblent n’avoir été que des essais, des approches, des esquisses, auprès de cette minutieuse et fantastiquement intelligente démolition de l’ENTERTAINMENT. La dénonciation est froide, impitoyable, rigoureuse. Peut-être trop. Le “coeur” n’a rien à faire dans le génie de Rodriguez Arias. Mais l’univers décrit mériterait-il quelque tendresse? Lucidité, démonstration mathématique, on voit les mots que j’ai envie d’écrire. J’y joindrai la notion d’humour. Un humour très “anglais” quoique proféré avec l’accent sud-américain.
    Une star droguée sur le retour reçoit dans son cottage britannique, la veille de Noël, sept visiteurs qui tous ont des motifs de l’assassiner. Elle sera finalement tuée deux fois. En première partie, on nous brouille les pistes en rompant avec l’ordre chronologique et en ne donnant que des fragmentaires informations. En deuxième partie, on revient à la logique et on complète. Décor  réaliste : la neige tombe, la cheminée fume. Les accessoires sont vrais. Le jeu est naturaliste, appuyé, grossi, scruté à la loupe. La “performance” d’acteurs fait partie du “système”. Marucha Bô campe une extraordinaire figure de vedette décatie. Facundo Bô joue les sept visiteurs, dont quatre personnages féminins. Il est admirable avec des moments sublimes. La faiblesse du spectacle vient de deux choses. D’abord, il n’atteint pas au plus vrai que vrai. Les outrances qu’il nous montre nous sont si familière ailleurs, qu’elles n’agissent pas tellement en détonateur. Le piège se referme un peu sur le travail. Ensuite, les changements de costumes auxquels doit procéder Facundo a obligé Arias à faire du remplissage. D’où ces trois “témoins” qui commentent les faits du haut d’un premier étage voisin, sans tellement de nécessité. C’est dommage car cela introduit une certaine  lassitude accentuée par une relative faiblesse du texte. Trois heures d’horloge pour un spectacle, c’est  devenu beaucoup de nos jours.
    Mais enfin ne pinaiollons pas : COMÉDIE POLICIÈRE est un très grand spectacle, infiniment subversif et destructeur en profondeur. Je crains que les défenseurs de la culture occidentale ne s’y trompent pas et que la presse ne soit “réservée”.

Je note avec intéret la phrase de ce compte-rendu : “Trois heures d’horloge pour un spectacle, c’est beaucoup de nos jours”
Eh oui, les moeurs évoluaient et le temps n’était plus où sans une durée d’au moins deux heures et demi, le public criait à l’escroquerie. Cela a eu une conséquence néfaste : la disparition progressive des “levers de rideau”, pièces en un acte qui quelquefois à ellles seules justifiaient la soirée.

UNE ESCAPADE A BERLIN

17-04 -    Vu au Schiller Theater de Berlin OPÉRETTE de Gombrowicz dans une mise en scène de Schröder. Je suis demeuré confondu par la médiocrité du spectacle, et les contre-sens qui l’enjolivent au point que je me suis demandé si le “régisseur” avait lu la pièce! Je ne dirai qu’une chose : à la fin, quand Albertinette (qui n’a cessé de bêtifier hystériquement tout au long de la soirée) apparaît nue, cela enchaîne sur un happy end d’authentique opérette où tout le monde réconcilié danse ensemble dans la joie commune! et vient saluer! Un décor inutile et infonctionnel avec une glace réfléchissante gratuite, des acteurs qui chantent et dansent hors de toute mesure avec une nette indication qu’ils s’emmerdent, une sono déplorable qui remplace l’orchestre indispensable, un manque d’imagination total, telle est cette lugubre OPÉRETTE berlinoise. Quelle déception!

UN SPECTACLE REFUSÉ AU FESTIVAL DE NANCY

29-04 -    Il m’apparaît que Jack Lang est tombé dans son premier piège d’agitateur raisonnable en refusant de prendre en compte le spectacle de Med Hondo : LES NÉGRIERS, de Boukman. Lundi dernier, à  la Sorbonne, les victimes de cette mesure prise pour des raisons “matérielles et techniques”, clamaient leur indignation en hurlant que THÉÂTRE ET POLITIQUE s’intéressait au sort des Andalous, des Canadiens, des ouvriers agricoles mexicains U.S., mais empêchait la représentation d’une oeuvre en langue française stigmatisant la colonisation aux Antilles. Le parterre de blasés qui écoutait cette protestation hochait la tête d’un air de penser sous entendu que c’était sûrement pour défaut de qualité que Lang avait pris cette mesure d’éloignement. L’ennui est que la manoeuvre risque de faire long feu, car LES NÉGRIERS a été présenté hier soir à la Maison de l’Afrique et le sera le 8 Mai en “générale” au T.O.P., et que c’est un excellent spectacle, qui n’a comme défaut que d’être d’agitation déraisonnable! LES NÉGRIERS, c’est le CHANT DU FANTOCHE martiniquais / guadeloupéen. Même principe d’exposé illustré des faits, même survol historique, même déballage des Fautes commises par l’occupant, même CRI de révolte des opprimés, même démontage du système, même mise en évidence de l’hypocrisie du pouvoir. Mais ici, ce POUVOIR est FRANçAIS. Voilà la question! Évidemment, sur des spectateurs français, l’impact est différent de quand il s’agit de vilains Portugais. Je me demande comment fera la bonne presse pour scier l’entreprise. Peut-être ne viendra-t-elle pas au T.O.P. - peut-être trouvera-t-elle cela “Amateur” (ce l’est) - , peut-être dira-t-elle que cela n’est pas une “pièce” (ce n’en est pas plus une que celle de Weiss). Je présume qu’en tous états de cause, elle minimisera l’affaire. Mais elle aura du mal, car Hondo a réuni vingt-quatre comédiens noirs et blancs, ce qui n’est pas négligeable, militants et agitateurs n’ayant rien à perdre puisque n’ayant rien, et résolus à faire du pétard. Ces garçons et ces filles ont été mis en scène avec beaucoup de rythme. Ces gens-là l’ont dans le sang, c’est bien connu! L’important, c’est que les scènes de contestation sont bonhommes, pleines d’humour et de gentillesse. Ce peuple a conscience de ses propres faiblesses. Il s’en moque lui-même avec joie. ON rit tout le temps, au long du spectacle, ce qui n’empêche pas la virulence du contenu. Et alors qu’il n’y a ni décors, ni costumes, la production est spectaculaire. Parce que les ensembles sont bien réglés, la musique submergeante : un souffle passe sur cette protestation sincère où l’agression ne se sent pas obligée d’adopter un style sinistre. À AIDER si possible.

UNE ESCAPADE À GENÈVE

18-06 -    On m’avait prévenu en long, en large et en travers, que cette “représentation” de BAAL (mise en scène de François Rochaix au nouveau théâtre de Carouge) serait une répétition. C’en était effectivement une : un filage avec une partie seulement des décors et costumes, effectué par une troupe appliquée qui ne décollait pas encore. Tout au plus puis-je donc dire qu’il y a dans ce que j’ai vu ce 15 juin la promesse d’un grand spectacle, à condition que la mayonnaise prenne désormais. Je parlerai donc de ce BAAL quand il existera vraiment.
    Actuellement, il y a des défauts éclatants et d’abord “le péché mignon suisse” qui est qu’on n’est pas pressé. Le manque de rythme venait certes d’une technique encore mal huilée - notons pourtant qu’il n’y a eu aucun pépin visible, simplement une lenteur excessive -, mais aussi du fait que le jeu des acteurs était exprimé avec toutes les subtilités qu’on croit nécessaire de dégager aux répétitions, et qu’on raccourcit d’ordinaire au moment “d’y aller”. Cette subtilité du détail conférait à certaines scènes un style carrément intimiste qui était en contradiction avec le gigantisme de l’environnement décoratif dû à Jean-Claude Marot. C’est un peu comme si Rochaix avait monté BAAL pour le POCHE et plaqué ce travail ciselé dans un décor fait pour CHAILLOT. Cette opposition était accentuée par le fait que les éclairages ne ménageaient aucun gros plan. Ainsi la scène semblait-elle vide trop souvent! Rochaix a demandé à Guy Bovet d’écrire une musique. Je n’aime pas cette musique faite d’un salmigondis de Dessau et de Kurt Weil, avec une partition beaucoup trop compliquée pour les comédiens, ni chanteurs, ni instrumentalistes professionnels, qui doivent la chanter et jouer. Le “concert” du début, qui dure un quart d’heure, est insupportable car mal joué. Le spectre d’accusation d’amateurisme pèse sur cet aspect du spectacle et nous étions plusieurs à conseiller Rochaix de couper beaucoup dans cette musique.
    Roger Gengly qui joue Baal, m’a semblé un peu fluet pour ce rôle fantastique, bien mais pas admirable. C’est dommage car ce héros négatif, cet inadapté qui refuse le monde de l’argent, de la gloire et des mondanités, ce Brecht jeune qui ne propose pas encore de solution “didactique” et se contente d’éprouver que ça ne va pas, est un personnage infiniment contemporain, terriblement proche de la jeune sensibilité actuelle.
    Rochaix a peut-être fait une erreur en voulant que son spectacle, commencé “spectaculairement”, pour la joie du public, s’achève austèrement, dans le dépouillement (plus de décor, juste le cyclo) et l’austérité (plus de musique, ni d’environnement). L’avenir dira si ce parti est tenable, grâce à une RIGUEUR accrue. Pour l’instant on a l’impression - et c’est sans doute le sens de ses rajouts au texte - que Rochaix a voulu à tout prix donner une conclusion enseignante à une oeuvre qui n’en délivrait pas. Il a surtout emprunté ces rajouts à l’oeuvre de Brecht, mais à la postérieure. Je ne suis pas sûr qu’il ait eu raison.
    Mais alors, me direz-vous, c’est un très mauvais spectacle? Point et même c’est déjà une lecture très passionnante de la pièce servie par une troupe compétente et d’indéniables trouvailles de mise en scène. C’est le 20 juin qu’est la Première et Dieu sait si les cinq derniers jours de répétition d’un spectacle sont importants. Les questions de fond, c’est-à-dire d’options, ne se résoudront pas. Mais le rythme peut venir par d’heureuses coupures au niveau du texte et un hara-kiri à celui de la musique. Le décor est beau, la troupe est honorable et d’apparente bonne volonté. Les enchaînements techniques s’amélioreront naturellement et les éclairages se préciseront. Jendly décollera peut-être. De toute manière, il y a une oeuvre : ce Brecht-là est maladroit, il bâtit mal des édifices bancals, il n’est pas le Brecht sûr des vertus  socialistes. Mais il dit des choses qui nous atteignent avec un souffle qui nous le coupe. Bref, c’est un gauchiste. Rochaix puisse-t-il l’assumer! C’est d’autant moins certain qu’il a déjà des ennuis avec Guillevic, l’auteur du “texte français” qui a fait savoir par voie du SACD qu’il entendait être joué sans une virgule déplacée! Oh! Ces communistes figés, quelle race Bon Dieu, quelle race...

et revoici Jean Michel Ribes

30-06 -    Une surprise :AU MARAIS, sous le titre :PAR  DELÀ  LES MARRONNIERS, Jean-Michel Ribes nous montre un aspect de son talent complètement nouveau, étayé sur une rigueur et un refus des facilités auxquels il ne nous avait pas habitués. Cet hommage à trois dadaïstes peu connus et qui ne se connaissaient pas entre eux, Arthur Gravan, Jacques Vaché, Jacques Rigaut, permet à Ribes de surpasser le joyeux farfelu encore potache qu’il était dans LES FRAISE MUSCLÉES et le un peu vulgaire amuseur montmartrois qu’il montrait dans JE SUIS UN STEAK. Ici, le niveau s’élève soudain, le rire devient rare et grinçant. Le regard méprisant, empli de morgue et d’ennui, que les trois protagonistes promènent sur le monde de la guerre, de l’Art, de l’Amour, du Social, leur vocation suicidaire, ce sont évidemment des affinités intimes entre Ribes et eux, qui les rendent si graves, si efficaces, si présentes, si proches de nous. Ce DÉSESPOIR fondamental n’est-il pas celui auquel de nouveau les POUVOIRS acculent les “créateurs” épris de liberté? L’impossibilité d’être n’est-elle pas de nouveau contraignante? Ribes a donc dépassé le stade de la subversion gentillette pour atteindre des sommets de la mélancolie désabusée. Le fera-t-il encore dans son prochain spectacle par le truchement d’une évocation historico-littéraire? Je souhaiterais qu’il renonce à cet appui. Car ici - et c’est le seul défaut du spectacle - cela l’amène à un certain intellectualisme. PAR DELÀ LES MARRONNIERS n’est pas populaire et s’adresse à un public érudit. Il est nécessaire pour entrer dans le jeu d’avoir en mémoire la référence des mouvements Dada. Or, ce qui serait intéressant, ce serait une oeuvre qui montrerait une telle attitude AUJOURD’HUI. Ribes signifie assez bien cette ligne et son refus ici nouveau de toute complaisance augure du fait que PAR  DELÀ  LES MARRONNIERS pourrait être pourrait être pour lui le tremplin d’une nouvelle carrière. J’ai beaucoup aimé.

 EN ROUTE VERS LE SUD

Et nous voila repartis dans la Renault 4 de Monique Bertin avec comme l’année dernière une escale à Beaune

19-07 -    L’an dernier les paysans bourguignons avaient été mis au courant par le Théâtre de Bourgogne de Jacques Fornier de la douloureuse situation de leurs homologues sud-américains. Cette année, sous l’impulsion de Michel Humbert, c’est à l’Irlande qu’ils sont invités à réfléchir. Heureusement, penseront-ils, qu’il y a la Bourgogne dans le monde, pays paisible et sans problème.
   
LA CHARRUE ET LES ÉTOILES (emblème de la révolte irlandaise contre l’occupant anglais avant l’octroi de l’indépendance), est une vieille pièce de O’Casey, entachée de naturalisme et de mélodramatique, à qui il manque la réflexion proprement politique. À insister comme le fait l’auteur, sur le fait que son peuple est composé de lâches, d’ivrognes, de malpropres et de truculents farceurs qui n’arrêtent pas de s’étriper  entre eux, à sombrer dans les anecdotes annexes, il ne montre pas - comme l’eût fait Brecht - la nécessité du processus de libération et son inéluctabilité. Avec ce matériau faible, et choisi selon ses propos d’après jouer sans enthousiasme particulier, “parce que, n’est-ce pas, que peut-on monter aujourd’hui, et dans cette région en particulier?”, Michel Humbert a fait un spectacle honorable. Il a su compléter les manques du texte en créant sur le plan sonore un environnement signifiant de l’époque vécue. Il a su mettre l’accent sur la disproportion des forces en présence et jouer jusqu’au bout le jeu du théâtre éloigné, puisqu’ainsi était écrite l’oeuvre. À cet effet, des fils de fer traversent la scène séparent radicalement les voyeurs de l’aire de jeu. Il a bien dirigé une troupe talentueuse. Son dispositif est astucieux et efficace. C’est donc un bon travail de bon serviteur de la “bonne “ décentralisation.

20-07 -    Il y a dans LA CÉLESTINE montrée par Gillibert ce soir pour la première fois à Châteauvallon d’excellents moments, et notamment une heure admirablement aboutie en début de la deuxième partie. Mais actuellement, ce n’est pas un spectacle “arrivé”. Il est seulement bien parti. Si bien que tous les espoirs sont permis.
    L’adaptation de Gillibert tient ses promesses de la lecture. Elle est riche, drue, truculente, d’une langue belle, structurée, construite. C’est un édifice. Le choix de Maria Casarès répond aux espoirs caressés. Le “jeu” de la Célestine est intelligent, sensible, drôle. Maria donne l’impression qu’elle incarne le personnage tant elle est juste, sans excès ni pathos, avec une sobriété exemplaire. Peut-être ne décolle-t-il pas encore toujours. Les autres acteurs sont bien, surtout Jean-Claude Jay et Claude Aufaure. La mise en scène est habile, pleine de trouvailles. Et tout cela au service d’un contenu assez subversif dans la mesure où la Célestine ne ressort pas seulement comme un phénomène truculent, mais comme une marginale d’un système, comme une revendicatrice de liberté à l’intérieur d’un monde cruellement oppressif, comme une défenderesse d’une “autre” morale, comme quelqu’un qui a choisi de refuser la société conventionnelle, et qui joue à semer des ferments destructifs au sein même de cette société. L’amoralité profonde dont elle est le prosélyte pourrait bien ne pas plaire à toutes les autorités.
    Je n’aime cependant pas tout dans ce lourd déferlement de quatre heures. Il y a des scènes qui gagneraient à être raccourcies, comme la longue conversation du premier acte entre Marie Casarès et Claude Aufaure, au terme de laquelle ce dernier ira se faire dépuceler.
    La scène où la Célestine invoque le diable à sa rescousse a un défaut de déjà vu, encore que Gillibert l’ait rajeunie puisque l’invocation se fait à califourchon sur un coffre, ce qui donne à l’auditoire l’impression que Satan entrera par le cul de sa solliciteuse. Les interventions de Gillibert, mi meneur de jeu, mi Satan m’ont paru superflues. La fin, avec la série des mort, s’étire interminablement comme une symphonie de Brückner qui n’en finirait pas, et le discours final du père (Gillibert encore), “Oedipe qui se serait arraché les yeux et aurait mieux fait de s’extirper la langue”, (disait un spectateur), n’est pas possible. Je ne raffole pas trop de la musique, qui heureusement n’est pas trop fréquente. Et le décor d’Oskar Gustin, tout beau qu’il soit, n’est pas très “utile”. En outre, conçu dans des dimensions telles qu’il sera inéquipable presque partout, il fait plutôt petit et quasi étriqué pour la scène de Châteauvallon.
    Mais ce sont des défauts que du travail, de la lucidité, du courage et le contact quotidien avec le public corrigeront. Cette CÉLESTINE frise le très grand spectacle.

ENFIN AVIGNON

22-07 -    Si j’eusse été mon papa, j’aurais sûrement beaucoup aimé LES VEUFS de l’auteur marseillais (né à Quimper) Bernard Mazeas.
    C’est une pièce d’atmosphère à trois personnages : une fille qui est malade au premier acte et morte au deuxième acte), son ancien et son nouvel amant. L’ancien lui rend visite au premier acte pendant que le nouveau roupille. Au deuxième acte, les deux veufs s’affrontent en un combat verbal où le nouvel amant, (qui est doté de pouvoirs surnaturels tel celui de fermer les portes à distance, et dont on se rend peu à peu compte qu’il est peut-être Dieu lui-même tandis que le premier amant était pour le moins un ange du mal et peut-être Belzébuth), contraindra l’ancien à vivre côte à côte avec lui un calvaire où les dents tombent, où les jambes se détachent et où la pourriture est maîtresse, un huit clos rédempteur! Vous le voyez, c’est un sujet très concernant pour chacun de nous. Ca a un côté Boulevard amélioré par des réminiscences ionesquiennes, beckettiennes, poëiennes et par des relents de théâtre étrange britannique des années vingt.
    Bourseiller a corsé sa sauce en faisant jouer les deux amants à deux filles : Chantal Darget et Suzanne Flon. Moustachues et barbues, leurs performances d’acteurs enlèvent une bonne partie de la partie. Cela dit, cette astuce est entièrement gratuite, mais qui songerait à le reprocher à Bourseiller, puisqu’en l’occurrence, à mon avis, l’inutilité du texte ne lui laissait rien à trahir. Un “langage” facile mais amusant arrache quelques rires.
    Que dire d’autre? Que le décor d’Eugénie Barbieri est ce qu’il y a de mieux dans un spectacle où l’esthétisme n’est pas agressif. La robe “gants” de Marie Dubois est une vraie réussite.
    On ne peut pas crier au scandale fric, car ce n’est apparemment pas une production onéreuse.
    La mise en scène est professionnelle, rigoureuse et imaginative.
    Bourseiller a très joliment transformé l’ex local du Chêne Noir rue St Joseph, et son off. festival d’Avignon n’est pas injustifié puisque cette ville est dans le Sud-Est. On ne peut que regretter que tant de talent et de bon goût soient gaspillés pour une entreprise inactuelle au possible et éloignée de toutes nos préoccupations.
    L’évolution de Bourseiller s’est décidément arrêtée il y a quelques années : c’est désormais un vieux Monsieur comme est vieux tout le monde théâtral qu’il traîne autour de lui.

Vu aussi à Avignon, sous le titre LE FILS DE MISS UNIVERS l’amusant jeu de société de Guénalé Azerthiope. Ce sont les spectateurs qui font la pièce. Dommage que les acteurs - le soir où j’étais là en tout cas - ne soient pas à la hauteur.

Revu en Avignon FAUT TOUT REPENSER  PAPA, cri pas tellement drôle de quelques jeunes gens paumés, qui dans un cadre de chapelle froide rend un son plus grave qu’il ne fût au LUCERNAIRE. À vrai dire, on rit même assez peu une fois franchi le seuil du début, qui d’ailleurs situe bien d’où vient socialement ce cri : de la jeunesse estudiantine et par conséquent bourgeoise. Symboles, rites, expressions corporelles, cris, temps de silence prolongés, attouchements des mains avec les spectateurs, glorification de l’eau, du feu et de la terre dans le recueillement de la Re-création, l’inspiration de Louaud est évidemment chrétienne : L’AMOUR dans lequel il laisse deviner qu’il conçoit la renaissance de l’homme une fois détruites les erreurs, est d’une spiritualité nettement chrétienne, comme est chrétienne la “communication” qu’il recherche entre les êtres. Aussi ne suis-je pas personnellement très satisfait politiquement, et d’ailleurs le gros défaut du spectacle c’est qu’après avoir stigmatisé la société actuelle (ce sur quoi tout le monde est d’accord) et montré dans des contorsions la renaissance de l’homme après qu’il se soit débarrassé de sa “culture”, il ne propose strictement RIEN. On sort donc plutôt angoissé car cette absence de but à atteindre, l’idéal à rêver, de fin à approcher, ne peuvent que faire déboucher l’équipe sur le DÉSESPOIR. Bref, c’est “jeune” dans le pas très bon sens du mot, en ce ses que ce n’est pas pensé, encore moins mûri. Tout au plus, est-ce “de bonne volonté”. On aimerait que Louaud et ses acteurs se prennent la tête à deux mains et se disent (et nous disent) : “Qu’est-ce que nous voulons?”. Ca ne dure qu’une heure. Ca m’a pourtant paru long.

L’ENSEMBLE THÉÂTRAL DE GENNEVILLIERS n’est pas très à sa place dans le festival OFF d’Avignon. Il y fait figure trop sérieuse. Son orientation est nette, claire, publique : c’est une troupe qui ne se pose pas de questions et dont l’esthétisme est au service du PCF, “sans hésitations, ni murmures”. Pas un brin de fantaisie ne vient troubler la ligne pure et dure de ces bienheureux, investis par la certitude des “lendemains qui chantent” bon teints!

    DU MILLET POUR LA HUITIÈME ARMÉE dans la mise en scène de Sobel, souffre plus de cet engagement que L’EXCEPTION ET LA RÈGLE. Le spectacle Brecht était une application stricte des thèses du petit organon, un bon devoir bien fait d’élève studieux.

    La pièce chinoise est trahie car il s’agit d’une farce, politique certes, mais pétante de santé et truculence. La leçon doit porter à travers le rire, dans la joie. C’est Scapin au service du communisme qui monte dans l’enthousiasme. Et Sobel en a fait un spectacle triste dont il s’est scrupuleusement attaché à extirper le comique.
    Dans cette acception, il eût fallu une troupe de premier ordre pour faire passer cette dramatisation excessive. Mais ce n’est pas le cas et les insuffisances du recrutement éclatent d’autant plus qu’on a retiré aux acteurs toutes possibilités de faire des effets. Le résultat est que je n’ai pas senti passer sur le spectacle le souffle de la Révolution. C’est fort dommage.
    Reste heureusement que DU MILLET POUR LA HUITIÈME ARMÉE est une excellente pièce, diaboliquement rusée en ce qu’elle met les rieurs de tous azimuts du côté de la bonne cause. L’austère Sobel ne peut pas tout à fait empêcher qu’il en passe quelque chose!

UNE PARENTHÈSE À PARIS

27-08 -    Il y a des gens qui font du théâtre à Paris en cette saison... et qui font recette : tel le THÉÂTRE BULLE, Compagnie Alain Scoff, qui présente au Mouffetard JÉSUS FRIC SUPER CRACK. C’est une revue satirique gauchisante qui rappelle JE NE VEUX PAS MOURIR IDIOT pour le contenu (mais ici, il manque Wolinsky) et JE SUIS UN STEACK pour la forme et le niveau culturel en général! Ca ne vole en vérité pas très haut, et ces jeunes qui ont pris le “parti d’en rire”, ne sont pas plus dérangeants pour le pouvoir que les chansonniers de Montmartre. Mais, comme l’écrit Le Canard Enchaîné, “l’ensemble pète de santé, d’esprit de drôlerie et d’insolence... On est bien content!”. Moi-même, j’ai ri, sans honte.  

28.07        J’avais tellement entendu parler de 1793 que je n’ai pas été surpris par le spectacle que j’ai vu à la CARTOUCHERIE de Vincennes. Le public de cette fin juillet non plus, d’ailleurs, apparemment, puisqu’il semblait savoir qu’au moment où les acteurs le convient à passer dans la deuxième salle, il importe de se précipiter si l’on veut être assis avec un rudiment de confort! N’ayant pas participé à cette bousculade, je me suis retrouvé le cul par terre deux heures et demie durant.
    Deux heures et demie longues, car 1793 est un spectacle austère et causant d’ où a été banni  le “spectaculaire” de 1789.
    Pendant vingt minutes, Ariane Mnouchkine au début nous raconte, du point de vue des riches et des nobles, 1791 et 1792 et elle le fait avec la brillance d’antan pour bien montrer que sa platitude postérieure est volontaire; Cet exercice de haut style est putain mais sublime et émouvant. C’est les larmes aux yeux qu’on quitte cette salle pour passer dans celle où le peuple va s’exprimer : ensuite, tout élément émotionnel sera soigneusement proscrit.
    Le fond reste pourtant le même que 1789 : 1793 est une remise en question du Mallet et Isaac, une démystification des assemblées bourgeoises, une apologie de la vigilance populaire. Très intelligemment, est montré comment des illettrés affamés ont su démasquer les tentatives de sabotage de la Révolution et imposer aux réactionnaires leur volonté progressiste. En même temps qu’une leçon d’histoire, 1793 est un bréviaire de ce que doit faire un peuple en cas de Révolution. Stigmatisant les ennemis d’hier, il désigne ceux de demain. Il rappelle opportunément les règles d’un jeu qui finalement sera toujours le même. Le passé est enseignement pour l’avenir et c’est en quoi Colette Godard  a eu raison d’y voir un cours de marxisme léniniste. Un peu moins de refus esthétique eût pourtant, me semble-t-il, rendu le cours plus attrayant sans dommage. J’ai beaucoup apprécié le parti des éclairages, tous indirects : un admirable travail technique. La verrière reste éclairée comme si c’était le jour qui passerait à travers et par moments on jugerait que c’est un rayon de soleil qui filtre à travers les vitres.
    1793 est moins un grand spectacle que 1789. Mais c’est un spectacle utile. On aime à entendre que la déclaration des droits de l’homme ait prévu que si un gouvernement trahit la cause d’un peuple, l’insurrection devient pour lui “le plus sacré des devoirs”.

RETOUR EN AVIGNON

1-08 -    À la fin de la deuxième partie de DANS LA JUNGLE DES VILLES, réalisation de Jean-Pierre Vincent, je me demandais : “Mais qu’est-ce qu’ils ont tous à vouloir monter cette pièce confuse d’un Brecht jeune se cherchant encore, mal fagotée, fondée sur un point de départ gratuit?”. Si je compte bien, il y a eu à ma connaissance le LIVING THÉÂTRE, Bourseiller, Rochaix + le BERLINER ENSEMBLE et Stein! Bavarde, méandreuse, bâtie au mépris du sens de la construction, l’oeuvre veut montrer un combat : sans motifs, un marchand de bois chinois “provoque” un modeste bibliothécaire pauvre en remettant intégralement son sort et sa fortune entre ses mains. L’autre mènera l’affaire à sa ruine mais au moment où l’escroquerie éclatera, il décidera d’aller en prison tout en aménageant une bombe à retardement pour abattre finalement son agresseur. Cette bombe sera une dénonciation pour viol sur la personne de sa soeur, ce qui - le marchand étant jaune - provoquera son lynchage!
    J’ai été très frappé, en deuxième partie, par l’importance de l’aspect RACISTE qui m’avait peu agité chez Bourseiller et Rochaix, et qui ici, chez Jean-Pierre Vincent, m’a semblé grave, au point que j’ai évoqué l’étrange équivalence entre le personnage Schlinck et le Juif Süss du film antisémite allemand! Il éclatait en effet à l’issue de cette représentation, que le comportement du Jaune, impitoyable, vicieux, sans scrupules, amoral et capitaliste de surcroît, menant sciemment une famille à la déchéance au nom d’une expérience perverse, d’un jeu diabolique inventé par lui de toutes pièces au détriment d’un innocent qui ne lui avait rien fait, rien demandé, était de nature à JUSTIFIER que la Société l’abatte comme un chien, extirpe de son sein cette mauvaise graine destructrice. Le choix de Bénichou pour jouer le rôle ne faisait naturellement qu’accentuer cet aspect.
    Je ne peux donc pas dire que j’ai trop aimé le spectacle, puisque de la confusion générale de l’oeuvre, c’est cette morale qui s’est dégagée pour moi, m’amenant à me poser la question : POURQUOI Brecht avait-il fait de Schlinck un jaune? Se rendait-il compte qu’il faussait ainsi son match? Et que son match de toute manière était truqué par l’inégalité des adversaires au départ, ce qui conférait à l’inférieur le droit à tous les coups?
    Cela dit, le travail de Jean-Pierre Vincent est exact comme d’habitude et rigoureux. Il est fait pour être vu de près et en salle. J’ai beaucoup perdu de la première partie parce que je m’étais placé tout en haut du cloître des Carmes. Les murmures des acteurs me parvenaient à peine. Par contre la sonorisation du voisin Bénedetto n’aidait pas.

2-08 - Le festival off n’est plus un festival de contestation du festival in, mais une lutte commerciale entre des petits entrepreneurs, parallèlement à la sérénité du gros marchand. Profitant du bruit que font les souris, l’éléphants les couve de son aile bienveillante et paternelle. Jamais Puaux n’aurait pu imaginer récupération plus totale! La foire aux petits spectacles à l’ombre du magasin CARREFOUR ou MAMOUTH n’est plus génératrice d’imagination. Sur la place de l’horloge, les parades se suivent et se rassemblent. C’est un grand malheur que cet aboutissement.

2-08 -Le Théâtre des Carmes était loin d’être plein pour la représentation du GRAND REPAS DES CANNIBALES, le dernier spectacle d’André Bénedetto. À juste titre : j’estime que j’ai assisté à ce qu’on appelle dans le métier : “un filage sans se fatiguer”. J’estime aussi que j’ai entendu une mouture bâclée, tant au niveau du jeu, que de la mise en scène, que du texte. Bénedetto l’a-t-il fait exprès? On sait qu’il méprise l’heure du festival et les festivaliers. Mais il joue au con, drapé dans une cape verte qui le fait ressembler à quelqu’un qui serait à mi-chemin entre Barrault et le mime Marceau. Quant au contenu, il est le même que d’habitude sur le plan politique et social; mais la démonstration est si simplette, si primaire, que le spectateur se sent carrément pris pour une andouille. Seule nouveauté dans cette dénonciation du colonialisme (en première partie) et de l’oppression de classe (en deuxième partie) - vous avez deviné : l’un et l’autre sont synonymes d’un souffle de revendication occitane. Pourquoi pas? Mais ô combien serait plus efficace ce combat avec plus de rigueur et moins de laisser aller.

JEUX OLYMPIQUES de MUNICH

27-08 -    Le Grand Magic Circus a décidément le sens de ce qu’il faut faire là où il faut le faire. Alors que toutes les autres troupes engagées par les Jeux Olympiques, se sont attachées à présenter des spectacles signifiants - certains d’une manière fortement causante -, montés, élaborés, avec parfois des décors, dans des lieux donnés, avec une régie, et souvent des éclairages, Savary s’est borné à vêtir son équipe en sportifs marcheurs. Au pas cadencé, la bande traverse tout le campus, précédé par une walkyrie qui porte les anneaux olympiques et par un Pierre de Coubertin qui salue la foule, les trois administratifs en survêtements d’entraîneurs ferment la marche, un attaché case dans une main, une chaîne tirant un singe dans l’autre. Un tambour rythme le défilé, qui est ponctué de temps en temps par une sonnerie de trompettes. Le tout est imperturbablement sérieux. Et puis un ordre claque : le groupe s’arrête et procède à la “cérémonie” d’inauguration. Un coureur épuisé arrive, portant la torche. Il crache le feu. Les anneaux s’embrasent. La walkyrie chante un couplet wagnérien très guttural et Pierre de Coubertin conclut que “l’important n’est pas de vaincre mais de participer”. Puis le groupe repart du même pas viril, emportant avec lui les anneaux calcines qui pendent lamentablement. C’est tout. C’est fantastiquement efficace. L’impact est évident. Des foules de gens jusque là badauds suivent la parade. En ville, tout le monde connaît le Grand Magic Circus. C’est la popularité.
    Le contrat veut malheureusement que le GMC joue aussi dans un lieu fixe. Là, la compagnie joue des sketches qui souffrent regrettablement d’impréparation et ne sont de surcroît pas toujours de la meilleure veine. n’en parlons pas.
    L’essentiel, c’est ce que j’ai décrit plus haut, sa puissance destructrice avec des moyens très simples, son contenu sans phrases. Savary a raison de dire qu’il ne fait pas de théâtre politique mais “politiquement du théâtre”. Il gagne haut la main dans ce difficile contexte de Münich où les conditions de travail sont très pénibles, une nouvelle partie.

La parade n’a malheureusement fonctionné que la première semaine, car c’est cette année là qu’un attentat terroriste a décimé l’équipe Israélienne. Les jeux sportifs ont continué, mais, bien sûr, toutes les festivités ont été annulées.

LA VIE ET LA MORT DE JULES DUPONT

Donc André Louis Périnetti était aux yeux du pouvoir un “agitateur raisonnable”, mais pas à ceux des directeurs de la Cité Universitaire, qui avaient plus ou moins aprécié le Zartan du Grand Magic Circus, et la série des troupes américaines qui, toutes, étaient plus ou moins subversives. Surtout, ON lui reprochait le public qui le suivait, qu’on ne jugeait pas convenable. Songez donc, il y avait des jeunes qui fumaient même dans les salles ! Horreur ! En ces lendemains de 1968, ON souhaitait une gestion plus sage des trois lieux de spectacles de la MAISON, davantage orientée vers les étudiants, donc vers une promotion de nos classiques.Il avait donc été prié de se trouver un successeur et il avait trouvé l’homme idéal, un certain Caron, qui était exactement son contraire. Lui même allait être nommé à la direction du Théâtre National de Strasbourg. On le voit, sa carrière n’était pas terminée. Et elle aurait pu le mener jusqu’à des sommets de la culture s’il n’avait pas commis, plus tard, une faute ... que je relaterai quand le moment sera venu.
Quoi qu’il en soit, c’est lui qui avait fait la programmation de la fin de 1972 et il s’était fait un plaisir de m’offrir la salle dite LA RESSERRE, pour que j’y monte ma pièce. Je me suis toujours demandé s’il m’aurait accordé cette faveur s’il n’avait pas été viré. Il connaissait mon texte. Il savait que ce serait pour son successeur un cadeau empoisonné. Car LUI, quittait la Cité Universitaire en Juin, mais l’autre était bien obligé d’honorer les contrats qu’il avait signés jusqu’en Décembre ... puisqu’ils étaient signés. C’est donc sous la gestion de ce nouveau personnage que j’ai monté cette pièce, dont je rappelle qu’elle avait été présentée en radio avec Marcel Maréchal dans le rôle principal et qu’elle avait déplu à la CGT.
C’était l’époque du “théâtre pauvre”. J’avais décidé de fonder le “théâtre misérable”. Et je dois dire que ça a marché. J’ai eu une excellente distribution, faite uniquement d’amis : Jean Paul Muel et Christian Gay-Bellile du Grand Magic Circus, Michel Berto, qui a fait là une extraordinaire création, Sophie Jeney, deux ou trois autres. Et pour le décor, Armando Durante,un peintre argentin, l’a à la fois imaginé et construit. C’est Pierre Debauche qui avait offert l’atelier de son théâtre à Nanterre et il bossait la nuit pour ne pas déranger les travailleurs syndiqués qui voyaient d’un oeil réservé cette intrusion bénévole.
Je crois qu’aujourd’hui, la commission de sécurité aurait refusé l’échaffaudage très artisanal que nous avions fait avec des tables de la Cité disposées les unes sur les autres en gradins pour y installer les spectateurs. Caron voyait ça très mal et il a failli m’accuser de vol parce que, le jour de la première, nous avions déplacé du 5 ème étage où ils ne servaient à rien deux bancs
Je n’espérais pas grand chose des  critiques, mais je comptais sur Colette Godard que je croyais être une vraie amie. Elle est venue en effet. A la fin du spectacle elle a embrassé tout le monde avec toutes les marques de l’enthousiasme. Son “papier” dans LE MONDE, a paru le jour de la dernière. C’étaient 20 lignes très mitigées.
Mais bon, l’oeuvre avait existé, et je me demande encore toujours pourquoi elle n’est remontée par personne, parce que en toute modestie, en vérité je vous le dis, elle est remarquable et dit bien ce qu’il faut dire sur le désastre humain qu’a été le piège de la main mise de la CGT sur le parti communiste.